Paroles d’instituts !

 Le plus complet : Le Centre Georges Pompidou nous entraîne dans ses collections et expositions temporaires, passées (Boltanski, Bacon…) ou en cours (« Christo et Jeanne-Claude. Paris » aurait dû ouvrir, il y a peu), au travers d’enregistrements d’une demi-heure maximum (deux minutes par oeuvre).

Le plus incarné : La mini-série « Quand la peinture raconte Léonard » tourne autour du maître éponyme, dont le Musée du Louvre détient cinq œuvres. La Joconde, une pop star ? La Belle Ferronnière, une imposture ? Chacune fait l’objet d’un savoureux épisode de sept minutes chrono.

Le plus vertigineux : Conférences, débats, entretiens… autant de rendez-vous sonores classés par exposition. De « Design contre Design » (2007) à « Toulouse-Lautrec » (2020), c’est un véritable voyage dans le temps que nous propose Le Grand Palais.

Le plus mélodieux : Le Musée de l’Homme s’est associé à la Médiathèque musicale de Paris pour composer quinze trajectoires au diapason sa dernière expo, « Nous et les autres ». Une playlist décoiffante, allant de Duke Ellington à Miriam Makeba.

Le plus trognon : Et les enfants alors ? Le Musée d’Orsay a imaginé pour eux « Promenades imaginaires », treize histoires sur ses collections, et « Au pays des monstres », cinq contes inspirés de l’univers de Léopold Chauveaux, héros de sa dernière expo.

Paroles d’individus !

Les plus féminins : « Femmes d’arts » et « Les PassionariArts », donnent la parole au beau sexe.* Lancé par Marie-Stéphanie Servos, journaliste chez ELLE, le premier s’assortit d’un compte Instagram très esthétique. Le second est présenté par Adeline Cubères, fondatrice d’Artwork in promess, qui accompagne la création d’œuvres d’art pour des partenaires donnés.

Le plus pro : On ne présente plus Jean de Loisy, ancien président du Palais de Tokyo, à la tête des Beaux-Arts de Paris. C’est lui qui anime « L’art est la matière » sur France Culture, où il commente l’actu des musées, aux côtés de leurs acteurs.

Le plus pointu : Raphaëlle Le Baud est tombée dans la marmite des métiers d’art, en 2010. Depuis, elle a créé le podcast « The Craft Project », et le Think Tank du même nom, afin de penser à l’avenir des artisans qui passent derrière son micro.

Le plus vivant : Ils sont deux à l’origine du podcast « Le Bruit de l’art », Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne, historiens de l’art qui font en sort d’interviewer un artiste tous les quinze jours.

Le plus pétillant : « Bav{art}dages », sur France Inter, c’était lui. Dans « Bulle d’Art », Julien Baldacchino ne fait plus parler les œuvres. Il les commente lui-même, avec bienveillance, de même que ses artistes, ou expositions-coups de coeur.

* J’allais écrire « galanterie oblige », jusqu’à ce que je me penche sur l’étymologie du mot. Galant, vient de l’ancien verbe galer, qui signifie dissiper en plaisirs, lequel découle de l’ancien bas francique wala, à savoir bien, soit well, en anglais. En voilà un puits (a well, toujours en anglais) de contradictions sans fond ! Sans oublier le dérivé gallo-romain walare, qui veut dire se la couler douce.

Rembobinons (et non embobinons). En inversant le « l » et le « a » de galant, on passe de glander (walare) à bien (wala), et s’amuser (galer). Hey, gals (variante de girls, en américain) ! Attention ! Apparemment, l’habit ne fait pas le damoiseau.

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Initialement appelée rue des Porcherons (voyons si le raisonnement se tient : Porcherons > porcherie > cochon > nourriture), la rue du Champ-de-Repos (le repos des repus ?) recouvra définitivement le nom de rue des Martyrs, qu’elle portait déjà entre 1793 et 1806, par arrêté préfectoral du 2 avril 1868. Elle mène au village de Montmartre, où, selon la légende, saint Denis, le tout premier évêque de Paris, se vit trancher la tête. Aujourd’hui, ce n’est pas plus le martyre de la décapitation mais celui de la liposuccion qui guette les gourmands contrits. Heureusement, face aux mines déconfites de culpabilité, il y en a qui en profitent ! Un chapelet d’adresses capitales s’égrène de Pigalle à la rue Saint Lazare. En voici – choix « arbitraire » – sept.

N. B. : Nous resterons sur le trottoir de gauche, en descendant, afin de conjurer le mauvais sort. Ce côté (sinister, qui a donné le terme sinistre, en français) portait malheur dans l’Antiquité.

Alerte à la tricherie : le point de départ de cette procession de foie se situe au 53 avenue Trudaine, là où la rue des Martyrs se sectionne en deux. Cette adresse correspond au Kooka Boora, alias KB pour les habitués. Il s’agit d’un des premiers coffee shops à avoir introduit le latte art à Paris. Les étudiants viennent s’y recueillir avec leur ordinateur. Chaque jus consiste en une trinité de fruits. Des desserts à se damner. Oh ! Et béni soit le pain de la Maison Landemaine, boulangerie voisine (26 rue des Martyrs) d’où proviennent les tartines servies à l’heure des matines.

N°58 Le Comptoir belge – Le paradis des gaufres

Depuis 2014, Viggo Handeland et Gabriel Mathy prêchent pour le terroir belge. Le duo a fait le vœu – et l’a vu se réaliser – d’initier les becs sucrés français à la meilleure gaufre de Liège, entre autres produits locaux. La recette nordique se présente nature, fourrée au chocolat, ou encore saupoudrée de cannelle. S’ajoutent à ce vice délicieux des biscuits et boissons, également à emporter.

N°54 Glaces Glazed – Le temple du glacé

La croyance découle de la vue, n’est-ce pas ? Alors Glazed (regardé, en anglais) porte bien son nom. Cette enseigne unique sonne le glas des parfums de glace ordinaires. Parmi les crèmes incontournables, Dark Side (Chocolat – Sirop d’érable – Grué de cacao) s’avère diablement bon. Smoke On The Water combine la douceur de la vanille de Madagascar au croquant des graines de chanvre. Sans oublier l’irrésistible association pop corn-caramel au poivre à queue. Dans la famille des sorbets signature, Mojito de Tokyo (Rhum – Menthe fraîche – Citron bio) Pump Up the Volume (Mangue – Piment d’Espelette) arrivent en tête des favoris… Autant d’inventions dues à la reconversion peu orthodoxe d’Henri G., un « cruciverbiste, expert en cucurbitacées », qui n’hésite pas à mettre la main à la pâte. Les glaciers traditionnels peuvent faire leurs prières face à ce révolutionnaire.

N°46 Rose Bakery – Le Messie du 9ème

Rose Bakery est aux gourmets ce que La Bible est aux religieux, une référence. Dans ce lieu de communion, coté depuis une quinzaine d’années maintenant, scones, cakes, brownies, crumbles, soupes et risottos, remplacent l’hostie ; et le thé, les jus pressés à froid, ainsi que les bières artisanales, le vin divin. Tout est fait maison. Cet été, cette sacrée enseigne, implantée depuis cinq ans environ au Bon Marché, investit, dans le même quartier, le musée de la vie romantique, dont le salon de thé était autrefois réputé pour ses infusions à la fleur d’hibiscus. Désormais les quiches y feront l’unanimité. Habitués à faire la queue dans la maison-mère, les habitants du 9ème sont, avec ce second point de chute, au septième ciel.

N°44 Popelini – Têtes de religieuses

La voilà, la sainte famille des temps modernes. Son père est le fondateur des laboratoires Lette, société spécialisée dans la fabrication de macarons. Sa grand-mère maîtrise / maîtrisait la recette du strudel et du cheesecake à la perfection. Quant à elle, c’est-à-dire Lauren Koumetz, elle ne jure que par les choux à la crème. Une litanie de parfums (trente au total) figure à la carte de sa marque, Popelini, laquelle porte le nom du cuisinier patenté et tentateur de Catherine de Médicis .

N°24 Henri Le Roux – Le dieu du caramel et du chocolat

Le père du caramel au beurre salé, c’est lui ! Cette création suprême remonte aux années 1980. Près de vingt plus tard, Henri Le Roux se mit au défi d’agrandir son best-seller. Il en fabriqua un de 567,85 mètres, record non égalé à ce jour. S’ensuivit une vente, dont le fruit (défendu) était (pré)destiné au service pédiatrie de l’hôpital Curie à Villejuif et de la SNSM (Société Nationale de Sauvetage en Mer). Derrière le caramélier se cache un chocolatier tout aussi doué, officiant des mariages inédits entre les plus grands crus de cacao et des garnitures raffinées. En 2003, le Guide des Croqueurs de Chocolat l’a d’ailleurs sacré numéro 1 en la matière.

N°22 Pâtisserie Salon de thé Sébastien Gaudard – L’enfant de cœur

Il fut le disciple des plus grands avant de s’élever au sommet. Fils d’un chocolatier lorrain, Sébastien Gaudard fait ses débuts aux côtés de George Vergne à Belfort et de Gérard Banwarth à Mulhouse avant de produire ses premiers miracles à Matignon. Il entre chez Fauchon en 1993 en tant que commis, adjoint, et second de Pierre Hermé, auquel il succède à l’âge de 26 ans seulement. Les fidèles du Bon Marché (je m’inclus bien sûr dans le lot) se souviennent encore de son Délicabar, conçu main dans la main avec le désigner Claude Collucci. Aujourd’hui, le maître, élu Meilleur pâtissier de France en 2012, détient deux boutiques Rive Droite, le côté – rappelez-vous – qui porte bonheur.

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A lire absolument, ce printemps, trois romans où l’art se profile tant au premier qu’au second plan.

Sans titre de Valérie Gans

Paysage

Bali pour la scène d’ouverture.

Paris pour la suite des aventures.

Personnages

Le peintre Egon Stübli (hommage à Ego Schiele ?), tombé dans l’oubli, soudain meurt.

Dommage pour son compagnon, le chirurgien Charles Newcommer…

S’il désigne une toile privée de nom, le titre demeure assez vague pour troubler le lecteur. Ainsi Valérie Gans crée d’emblée le suspense. Son livre cible l’indicible, les secrets, les tabous. Avec un début un peu à dormir debout : l’artiste Egon Stübli, célèbre pour sa série Uglies, meurt dévoré par des requins au large de Bali. Ses vertèbres au fond de l’océan, sa cote remonte immédiatement. Son amant, le roi Charles du bistouri, finit par changer de bord pour une femme complexée par sa plastique parfaite. Panique d’abord, avant la fête. Leur amour encore platonique donne le jour à une clinique pour tout canon cherchant à devenir thon. Quoi de mieux afin de se faire un nom ? A croire qu’il manque une barbe à Barbie pour être prise au sérieux. Qu’est-ce que le Beau ? Telle est la question qui traverse ce roman satirique. La réponse de Platon oscille – on le sait – entre désir et vérité. Or, le héros se noie dans des manigances, que Valérie Gans décrit dans un style gorgé d’élégance.

Éditions JC Lattès, 300 p, 19€. Sorti le 4 avril.

Vers la beauté de David Foenkinos

Paysage

Quand on fait le pari à Lyon

De pouvoir à Paris jouer les caméléons…

Personnages

Antoine Duris, professeur d’histoire de l’art qui traverse une période difficile.

– Clin d’œil à Romain : l’acteur dessine et peint -

Mathilde Mattel, sa maîtresse, sa poupée, DRH dans un musée parisien.

Camille Perrotin (comme le galeriste), artiste torturée, usée par le temps qui défile.

Cette fois, il ne s’agit pas de trouver de la beauté dans la laideur mais de sublimer le souvenir d’un mauvais quart d’heure. Antoine Duris « trace », en ligne de fuite, à Paris. Sans un mot, sans adieux. C’est moche ! La hache de guerre n’aura pas lieu… d’être enterrée. Le dieu Eros décoche sa flèche au cœur des RH d’Orsay. Force de ruse, le héros sur-diplômé décroche un poste de gardien de musée. Sur les cimaises, des Modigliani, sujet de sa thèse passée. Trouver une solution dans la contemplation. Tâche qui fait tache quand on joue à cache-cache avec ses dilemmes. Mattel l’aime et le martèle de questions. De son côté, Camille ne jouit que d’une récréation, la création. Ses trois destins s’entrelacent au gré d’une vigoureuse écriture. Le mot respirer revient souvent sous la plume de David Foenkinos comme pour combler un vide, panser les maux, redonner un souffle à ce personnage qui étouffe. Parce qu’« Elle respirait l’éternité », elle inspire la sérénité. Percluse de bobos, c’est elle qui infuse, au bout du compte / conte, l’idée du Beau.

Editions Gallimard, 222 p, 19€. Sorti le 22 mars.

La toile du paradis de Maha Harada

Paysage

Le Musée d’art d’Ohara à Okayama.

Et à New-York, le MoMA.

Entre les deux, Zurich,

Où reposent des écrits ésotériques.

Personnages

Tom et, non Jerry, mais Orie. Deux historiens de l’art qui jouent au chat et la souris, autour d’un tableau du Douanier-Rousseau.

C’est l’histoire d’un tableau. Le rêve du Douanier-Rousseau. Ce nu figure Yadwiga, Polonaise dont le peintre était gaga, allongée sur un divan dans une végétation divinement luxuriante. Quel luxe que la paresse ! Cette composition dissimulerait un Picasso (La rime avec Rousseau évoque aussi Jean-Jacques le paranoïaque et ses rêveries de promeneur solitaire). C’est ce que Tom et Orie sont chargés d’élucider, à l’aide d’un journal anonyme dont les chapitres se dévoilent au fil des pages. La mise en abyme est double. Dans le livre de Maha Harada s’inscrit un autre ouvrage que deux pseudo-tourtereaux épluchent en vue d’expertiser une toile cachée derrière une autre image. Le voilà le rêve, le mirage… En tant qu’historienne de l’art, l’auteure découpe de manière claire les différentes étapes nécessaires au montage d’une exposition. Son roman-puzzle ne s’adresse donc pas seulement aux experts, mais à tous. Tel est son principal atout.

Editions Philippe Picquier, 320 p, 20€. Sorti le 3 mai.

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Désolée.

En attendant la fin de ce cycle, je ne peux que recycler, à petites doses, mes articles parus dans la presse.

Pas de pression, ici. Juste des impressions publiées ailleurs pour ne pas être oubliée…

Pas de renoncement donc, une pause.

Cette annonce est close.

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On dirait bien. À partir du 21 janvier, l’aéroport de Paris-Charles-de-Gaulle expose 35 œuvres de Pablo Picasso. Parfaitement, Picasso ! Pendant ce temps, la SNCF peaufine sa programmation culturelle de l’année. Les hubs urbains sont en train de devenir un tremplin pour l’art.

par Sarah Belmont

1 Ils abritent de plus en plus d’expos.

Entre pianos et panneaux publicitaires, des œuvres d’art ? Pourquoi pas ? « Il y a toujours eu des animations dans les gares ». Pour Patrick Ropert, directeur général de SNCF Gares & Connexions, le phénomène n’est pas nouveau, mais il s’agissait de l’accentuer. Depuis deux ans, les gares de France accueillent une centaine d’événements artistiques, destinés à quelque 10 millions de voyageurs-visiteurs par jour. À ce train-là, la SNCF pourrait prétendre au titre de plus grand musée du monde. Sur 80 millions de passagers annuels, 400 000 foulent les 250m2 de L’Espace Musées, situé au Terminal 2E de l’aéroport CDG. Ce nombre devrait bientôt doubler, quand ladite galerie fermera ses portes à 19h au lieu de 13h. « Nous rejoindrons alors le Top 10 des musées les plus fréquentés, en termes d’expositions temporaires », espère son fondateur Francis Briest.

2 Des œuvres originales y sont présentées.

Adieu les copies ! Bonjour les originaux ! Les œuvres exposées, gratuitement, dans cet espace unique au monde, proviennent des fonds de musées nationaux. Auguste Rodin, le père de la sculpture moderne, était à l’affiche de sa première édition, en janvier 2013. Et aujourd’hui, c’est Picasso, génie incontesté du pinceau, dont on retrouvera aussi une poignée de céramiques conçues sur la Côte d’Azur. De son côté, la SNCF participe à la promotion d’artistes contemporains. Pour la COP21, le sculpteur français Richard Texier (né en 1955) a posté un ours polaire en bronze rouge (7 mètres de haut) devant la Gare du Nord. Le Street artiste Max Tetar est l’auteur de la fresque de 300 m2 qui habille la station Avenue du Président Kennedy, sur la ligne du RER C. Ces installations sur-mesure sont même répertoriées, comme au musée, dans un catalogue d’expositions intitulé « Art en gares ».

3 Place aux experts.

On n’a rien sans rien. La Nuit Blanche et la FIAC comptent parmi les nombreux partenaires de la SNCF. Les artistes sollicités lors de pareilles manifestations sont aussi invités à créer « in situ », c’est-à-dire sur place, dans les gares. Les Aéroports de Paris vont plus loin : le transport des œuvres jusqu’à l’Espace Musées est d’autant plus contraignant qu’elles doivent d’abord passer la douane. Pourtant, le Petit Palais n’a pas hésité à leur céder une partie de ses collections. Comment dire « non », à Serge Lemoine ? L’ex-président du Musée d’Orsay fait partie du comité scientifique des ADP. Et c’est le designer français Hubert Le Gall (né en 1961), responsable d’innombrables décors et parcours artistiques, leur scénographe attitré ! Tous les musées parisiens (Jacquemart-André, le Grand Palais, l’Orangerie…) se l’arrachent ! De quoi rassurer les institutions prêteuses.

4 Tout le monde y trouve son compte.

Si les artistes gagnent ainsi en visibilité, leurs créations redorent le blason des hubs, souvent perçus comme de simples galeries marchandes. M comme « mode » certes, et dorénavant comme « Musée ». Fort de deux expositions par an, le hall M du Terminal 2E n’est plus seulement associé à ses boutiques de luxe mais aussi à l’art. Côté musées, c’est l’occasion soit de prolonger un accrochage, soit de révéler un aspect inédit de leurs fonds. « Ce partenariat avec les ADP nous permet de toucher une clientèle internationale plus large, et de montrer une nouvelle facette de Picasso, à travers des pièces plus ou moins connues », confie Émilie Bouvard, Conservatrice du patrimoine au Musée national Picasso-Paris.

Quoi ?

Picasso Plein Soleil, du 21 janvier au 15 juin, à l’aéroport Paris Charles de Gaulle, en collaboration avec le Musée Picasso.

Et aussi…

- 20 affiches de Camille Lavaud, du 10 janvier 2017 à fin mars, gare Montparnasse et Bordeaux-Saint-Jean.

- Michel Borzoni : Looking for a job et Tim Franco : Metamorpolis, du 21 janvier au 5 mars, Gare de l’Est.

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Who framed George Lucas?

A long time ago in a city, far, far away… a famous movie director had a dream. Yet this dream was countered by a group of grumpy protectionists. Just like that, the star’s war began… 

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(faute de temps, cette chronique se veut ouvertement incomplète et déstructurée)

Je sais, je sais. J’avais mis un point d’honneur à… je m’étais fait un devoir de… ne parler que d’art sur ce site. Honneur. Devoir. Deux thèmes qui traversent la suite inattendue des aventures d’Harry Potter, rebaptisé Arty Potter pour l’heure. Elle ne devait pas raccrocher J. K. ? À croire que non. Et si, pour raccrocher les wagons justement (du HogwARTs Express), j’opérais moi aussi un tour de passe-passe ? Un tour de force ? Une farce, tout au plus, puisque je n’ai pas l’imagination de l’auteur. Des auteurs. En effet, ils sont trois à l’origine de ce spin off littéraire. J, J, J. J. K. Rowling elle-même, John Tiffany, et Jack Thorne, à qui l’on doit cette version dramatique. (J’ouvre une parenthèse,  prothèse rhétorique, pour protester contre l’emploi souvent déplacé du mot “théâtral” en français. Cf. n’importe quel dictionnaire).

Par souci de cohérence avec le reste de mes papiers sur l’art donc, je glisserai un “t” après la syllabe [ar]. Ainsi oserai-je gloser l’œuvre d’art – que je n’irai pas jusqu’à qualifier de chef-d’œuvre – “Harry Potter and the Cursed Child”, le huitième enfant de la saga dont nous sommes presque tous gaga (y compris la Lady ?). Pas loin de deux millions d’exemplaires vendus en deux jours, tout de même !

Le subterfuge est d’autant plus légitime que cela fait des années qu’HogwARTs  nous est présentée comme THE “School of  Witchcraft” (Oui, je l’ai acheté au Québec ; lu, en anglais, éternel favori. Exit ma langue maternelle) and Wizardry.” Autrement dit, la magie chez Rowling ressemble à un art, un artisanat ; et Potter (potier, chez les British), à un un artiste, un artisan qui pratique la Defence Again the Dark Art (détour obligatoire  par l’anglais car la traduction française “Défense contre les forces du Mal” corrompt mon argument).

Première question : pourquoi “ça” mar(t)che ? Pourquoi adhère-t-on à la magie, à l’art de Jack Thorne ?  Il doit y avoir un truc. Ou plusieurs. Tout d’abord, le dramaturge a su imiter la plume de Rowling. Ce n’est pas J. K. Ok ? On dirait, mais non. Il ne fait que pARTager (pas besoin de ruser) gloire et crédits avec l’auteure et John Tiffany, le metteur en scène. Deux gar(t)çons, une fille. Que ce soit voulu ou non, le trio évoque immanquablement la triade héroïque du livre. Voilà la magie du mar(t)keting…

Structurellement par(t)lant, certains modèles de l’heptalogie originale ont été reconduits. Pour le dire vulgairement, on ne change pas une équipe qui gagne. A la trinité Hermione-Harry-Ron répond le couple Albus-Scorpius, associé tantôt à Deplhi, la méchante (et moi qui vénérais l’oracle de Delphes… Pas de pitié chez la Pythie) ; tantôt à Rose, une gentille méchante. Ces structures agissent directement sur l’inconscient, réactivant des émotions éprouvées à la lecture des premières aventures de Mr. Potter.

Autres ARTifices : on compte quelques clins d’œil aux films. “Bloody brilliant!”. À ces mots, par(t) exemple, nos yeux entendent – pour ceux qui la connaissent – la voix de Rupert Grin.

Du point de vue du fond, à présent. Comme on pouvait s’y attendre, la pièce “Harry Potter and the Cursed Child” joue sur la nostalgie du lecteur. The oldest trick in the book!  La familiar(t)ité entretenue avec les personnages joue un rôle crucial dans l’appréciation de cette suite. Même Hermione ne raisonne qu’en stéréotypes. “Ron you have always been such a…” This and that. “Harry, why do you always have to…” Always. Always. “Forever and ever”, chanterait Aretha. Arrêtons-là. Quant à Giny, elle laisse aussi indifférent que dans les derniers épisodes de la série, lorsqu’elle commence à se rapprocher du héros. “Giny, who does not really know what to be”. Égale à elle-même, l’épouse potiche de notre cher Potter ne sait pas où se mettre.  Il semblerait que l’auteur ait choisi de noyer le lecteur dans sa comfort zone, pour amortir le choc d’un dépaysement nécessaire à son propre épanouissement en tant qu’écrivain. En d’autre termes, Jack Thorne préfère rassurer quant à son respect envers J. K. Rowling, avant de s’affranchir, toute proportion gardée, de cette dernière. 

La trame ne se complique pas outre mesure. Thorne s’est contenté d’inverser certains rapports, quoique en forçant lourdement le trait. He is trying too har(t)d (comme moi en jouant les Van Damme et en ajoutant des “t” inutiles). “Que ferais-je sans toi”, déclar(t)e Har(t)ry à Giny, après l’avoir envoyé promener. Harry désagréable ? Oui. De même, Draco se montre tour à tour aimable, amoureux, coopératif. Hermione souffre d’un accès d’étourderie. C’est le “et si” effect qui est à l’œuvre. Puis, tout rentre dans l’ordre. Comme il se doit. J’avais bien dit qu’il était question de devoir, autant pour l’auteur que pour l’héritier du grand Harry Potter, qui tente, pauvre “fils de”, de se forger un prénom.

Parmi les moindres modulations du dramaturge, l’absence quasi totale des Moldus dans sa pièce, laquelle présente, en contrepartie, l’avantage d’être courte.

Là où l’auteur exagère, c’est quand il fait de Bellatrix Lastrange la BIP de BIP ; et Delphi, la BIP de BIP.  SPOILER ALERT ! J’ar(t)rête, au risque de me montrer aussi peu subtile que Jack Thorne tirant sur un fil, déjà blanc dans les premiers chapitres. Un peu facile.

La véritable force de cet ouvrage demeure toutefois de nous faire voyager dans le temps. Que l’on soit fan de HP (acronyme plus que douteux, je vous l’accorde. Les histoires du magicien n’ont jamais poussé quiconque à la folie), un lecteur de la première heure, ou un novice, on se promène dans le passé, entre le Triwizard Tournament, marqué par la disparition de Cedric Diggori, et 1981, le soir où Lily et James Potter on sacrifié leur vie pour protéger leur fils contre He Who Cannot Be Named. Je ne m’étais pas rendu compte que j’étais plus jeune que Harry. J’ai toujours cru que nous avions le même âge, qu’il était né, comme moi, en… BIP… et que nous avions grandi ensemble.

Aujourd’hui, The Boy Who Lived a la quarantaine et trois enfants, dont ce Cursed Child imaginé par Jack Thorne. Les uns peuvent s’y identifier, tandis que ma génération se retrouve tiraillée entre le bébé de J. K. Rowling et Daniel Radcliffe, tête d’affiche des huit adaptations cinématographiques. Autrement dit, les presque trentenaires, les Millennials comme moi, sont condamnés soit à régresser, soit à vieillir plus vite, à un moment où, précisément, nous aimerions ralentir le processus de maturité ; à un moment où nous aimerions figer le temps.

Si J. K. a su ensorceler la moitié, voire plus, de la planète, en nous catapultant dans un monde par(t)allèle, aussi merveilleux qu’il peut être sombre, son collaborateur-successeur (l’enfant maudit ?) nous permet, non de rajeunir, mais de renouer avec une époque où nous baignions, pour la plupART, enfants, adolescents, dans l’insouciance.

> Harry Potter and the Cursed Child, Jack Thorne, Little Brown And Cie, 18,81€

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Am stram gram pic et pic et colégram… Instagram. #expo #art #musee #painting… Quel que soit le mot-clé tapé, le résultat de la recherche reste incertain. L’aléatoire a quelque charme pourtant, surtout dans le cadre d’un laboratoire. C’est ainsi que l’on pourrait voir Instagram dans le monde de l’art. L’application, qui permet à l’origine de partager photos et vidéos, est devenue, en quelques années, un support esthétique à part entière, faisant de ses utilisateurs des artistes en puissance. De là de nouveaux enjeux éthiques, qu’il s’agirait peut-être de redéfinir…

Instagram, vitrine de l’art par défaut

Conçue pour accueillir photos et vidéos, l’application semblait prédestinée, par sa nature même, à rejoindre le huitième art. Pourtant, galeries, artistes, et musées ont tardé à l’utiliser. D’où la disparité des œuvres postées, à savoir exposées en ligne.

Sur ses 550 millions d’utilisateurs (dernières données en date), combien d’artistes ou graines d’artiste compte Instagram ? Telle est la question, dont le service de communication n’a pas la réponse. Comment ? Il n’existe pas de logiciel interne capable de recenser certains profils ? Non.

Partons cependant du principe que les musées ont tous, ou presque, fini par se créer un compte, devenant ainsi l’objet d’une mise en abyme. Des galeries dans une galerie sans fond, avec un potentiel de visibilité croissant. Le Louvre, Orsay, Perrotin… plus personne n’échappe à la griffe, aux griffes d’Instagram, qui bourre et bourre et rata… tine les réseaux sociaux concurrents… Plus besoin de se connecter à Facebook ou Twitter. Instagram fait d’une pierre un, deux, voire trois ou quatre coups. L’option « Publier », qui survient à la fin du processus d’édition, propose de partager n’importe quelle image sur d’autres plateformes virtuelles (Tumblr, Flickr), à des fins personnelles ou professionnelles.

Qui se cache derrière les posts de @gagosiangallery, @simonleegallery… ? Le marchand d’art en personne ? Son stagiaire ou, selon ses ressources, un community manager employé dans le seul but de promouvoir une programmation en cours et à venir ? Dans le cadre de cette dernière fonction, Instagram apparaît, certes, comme un précieux outil de communication. De là les opérations dernièrement lancées par les musées, parmi lesquelles #emptylouvre (ouverture de des portes rien que pour les Instagrammers) ou #MuseumInstaSwap (après avoir été nommés “les 10 meilleurs musées de Londres sur Instagram” par la rédaction du Londonist, le British Museum, le Musée du Design, le V&A, le Musée des Sciences, la Wellcome Collection, le Musée d’Histoire Naturelle, le Musée et Jardins Hornimans, l’Imperial War Museums, le Musée des Transports de Londres, et le Royal Museums de Greenwich se sont engagés, le temps d’un weekend, à publier deux par deux, sous forme de montages, des photos de leurs collections). Entre les # (hashtags) et les @ (arobases), on s’y perd. Les profils d’une même entité se démultiplient à l’infini. Doublons, triplons la mise… Dans cette culture de la surenchère, propre à notre chère et pas tendre société de surconsommation, qui dit mieux ?

Certains artistes, qui utilisent aussi Instagram comme galerie, possèdent différents comptes. Tel est le cas d’Anish Kapoor. Sur @anish.kapoor, le plasticien indo-britannique reporte les photos de ses dernières œuvres avec pour légende unique « #anishkapoor #art #contemporaryart », laissant le soin à ses abonnés d’exprimer, en dessous, leur opinion. Les clichés postés sur son @dirty_corner (alias Le Vagin de la Reine, dans sa forme sculpturale, trompe en acier de 60 mètres, plantée au cœur la Fabbrica del vapor à Milan, en 2011) apparaissent, quant à eux, comme des œuvres à part entière, sans titre. Le nom de cet espace virtuel évoque moins une poubelle où l’artiste se débarrasserait de ses ratés, que la matérialité d’une salle d’exposition tenue par quatre murs, un sol, et un plafond. En ce sens, le « coin sale », ou sale coin, de Kapoor doit s’appréhender comme une pseudo-galerie, réservée à des photographies de nature expérimentale. D’ailleurs, ces photos sont-elles qualifiées d’œuvres en raison de leur qualité plastique, ou bien parce qu’elles sont signées d’un artiste de renommée internationale ?

Un nouveau matériau à exposer

Si les clichés de stars rayonnant dans la profession ont plus de chance d’être estampillés chefs-d’œuvre, Instagram se veut une application user-friendly, au sens où elle doit rendre, par ses fonctionnalités, l’art de la photographie accessible à tout un chacun.

L’application puise sa force dans un éventail de filtres, qui donnent à l’utilisateur lambda l’impression de maîtriser la photo. Photographiez une bouteille d’eau sans intérêt, activez l’effet sépia, et le tour est joué ! En quête d’une reconnaissance complète, d’aucuns se voient alors contraints de signaler la beauté « naturelle » de leur clichés par la mention #sansfiltre / #nofilter. Rendons à ces as, ce qui est à ces as. Tout le mérite reviendrait à leur sens inné du cadrage, et non à de vulgaires artifices. C’est de bonne guerre, quoique l’art en général regorge de techniques, de styles différents. Picasso a traversé une phase bleue, avant de voir la vie en rose. Si les filtres se déclinent comme autant de couleurs sur la palette d’un peintre, Instagram se veut une pépinière d’artistes potentiellement dignes d’être exposés.

Pourquoi pas ? Cette année, l’application a franchi un cap et proposé à 25 instagrammeurs – orthographe à la française, pour changer – d’exposer leur vision de Paris. Où ? À la galerie Sparts, dans le 6ème arrondissement. Quand ? C’était du 1er au 4 juillet. Parmi les talents sélectionnés se trouvait Lucille Clerc, auteur d’un des dessins les plus relayés après l’attentat contre Charlie Hebdo. Comment distinguer les bons des mauvais Instartistes ? Qui juge de leur talent ?

Du like à l’arnaque

Instagram démocratise autant la pratique que la critique de la photo. L’essor des réseaux sociaux s’assortit de la culture du « like ». Tout le monde peut donner son avis, à tout à moment, au vu de tous. Un pouce vers le haut. Un pouce vers le bas (pollice verso, en latin), sur Facebook. C’est par ce geste que les empereurs ordonnaient la mise à mort d’un gladiateur vaincu. Un cœur, sur Instagram. Les symboles standardisent l’opinion. Oui. Non. On enchaîne. En ligne, la note est synonyme de cote. Plus un compte a d’abonnés, plus il a de chance, ainsi que la personne qui l’a crée, de devenir célèbre. De même, plus une photo reçoit de commentaires, de préférence positifs, plus elle circule sur la toile, avant d’être accrochée, comble du succès, telle une toile, dans une galerie. Si tous les abonnés – moi y compris – sont des artistes et des critiques de plus ou moins bas étage, Instagram devient un collectif, une communauté dont les membres sont susceptibles d’être plagiés.

En tant que support d’une expression qu’on est libre de qualifier d’artistique ou non, Instagram subit les mêmes dérives que les arts, qu’il s’agisse de la littérature, de la musique, ou de la peinture. En mai 2015, un certain Richard Prince a sélectionné 37 photos sur Instagram et opéré autant de captures d’écran afin de les revendre ensuite à la FRIEZE Art Fair de New York. L’un de ses “chefs-d’œuvre”, inspiré / emprunté à Doe Deere (@doedeere), a été vendu à non moins de 90 000 dollars. Une belle somme dont l’Instagrammeuse ne verra jamais la couleur. Vert. De rage. Celle-ci a d’ailleurs notifié à ses 328 000 followers qu’elle n’avait jamais donné son feu, vert (encore !), pour que Mr. Prince lui “vole” son cliché (le larcin n’en serait plus un avec son approbation). Ultime pied de nez : le cyber-faussaire a intitulé sa dernière exposition « Original ». En somme, Cet incident accuse un vide juridique à l’endroit des Instartistes. 

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1) Au cœur du Lutétia

Début novembre, j’ai eu la chance de visiter en exclusivité le chantier qui (r)anime actuellement les entrailles du Lutetia, emblème du 6e. Quel honneur pour la Germanopratine que je suis de pénétrer les deux seules chambres témoins existantes. Le design, signé Jean-Michel Wilmotte, n’est pas encore validé. L’architecte a toutefois l’intention de solliciter des artistes contemporains pour décorer certaines suites. Parmi les nouveautés les plus attendues, un jardin et un spa. Paradoxalement, ce relooking est l’occasion de réhabiliter certains vestiges Art Déco et Art Nouveau des lieux.

Une belle surprise attend les futurs clients, sur le toit de l’hôtel

2) Quand la Tate Modern…

 …éclaire de nouveau ta lanterne. Avec une rétrospective cette fois consacrée au sculpteur et peintre américain Alexander Calder, celui-là même que j’allais retrouver un mois plus tard, dans le Sud, et dont je m’apprêtais à interviewer le petit-fils, en vue d’un article dû au Journal des arts (à paraître courant janvier).

Hercules, fil de fer : cherchez l’oxymore

3) À la National Gallery : olé olé, allez !

Dans le cadre du même voyage de presse, je me suis débrouillée – ma spécialité – pour aller voir l’exposition de portraits dédiée au maître espagnol Francisco de Goya. Bilan positif, hormis les embouteillages prévisibles en cette journée ordinaire. On ne peut être partout et nulle part à la fois ! Ainsi Flaubert définit l’omniscience divine, par l’ubiquité, pouvoir que je n’ai malheureusement toujours pas développé.

 Esprit de provoc, depuis les toilettes du musée

4) En quête d’un scoop à l’Art Recovery Group

Sur quoi ? Sur les entreprises privées chargées de retrouver des œuvres d’art volées. Enquête en cours. En tout cas, je dois à Christopher Marinello, le fondateur de la société choisie, un accueil aussi chaleureux qu’instructif.

9, Clifford Street : donnons l’adresse, puisque nous en sommes à jouer les détectives. Et Sherlock : 221B, Baker Street.

5) La « Somerset » : Tintin des pieds à la tête !

Derrière la patinoire de la Somerset House, où je me suis risquée à quelques glissades, se cache une expo Hergé. Mise en scène surprenante : les papiers peints reproduisent la page de garde des albums publiés chez Casterman ; certains pans de mur arborent des photographies du dessinateur, avec ses proches et collaborateurs ; des maquettes de décor trônent au milieu de chaque pièce. Trois au total. Le parcours, bien que succinct, s’avère un succès.

 Saperlipopette ! Un livre géant ?!?

6) Unesco & co

Interview du responsable « du programme de lutte contre le trafic illicite de biens culturels et en faveur de leur restitution ». La taille de ce titre est proportionnelle à l’épaisseur du document qu’il me reste encore à lire sur le sujet. Conversation dense et surtout passionnante. Ce jour m’évoque aussi un rendez-vous manqué. J’aurais pu croiser une amie chère dans les bureaux de l’UNESCO… Si seulement la batterie de mon téléphone n’avait pas décidé de rendre l’âme.

Cocorico (quand tu ne sais pas quelle légende écrire) !

7) Olafur Eliasson au Panthéon

Après « Au Panthéon » de JR, la place du Panthéon accueillait les 80 tonnes de banquise sculptées par Olafur Eliasson, à l’occasion de la COP21. L’inauguration a eu lieu à 8h30. Pratique : c’était littéralement au pied de chez moi. Ce que j’ignorais alors, c’est que j’allais retrouver l’artiste danois quelques semaines plus tard, en Scandinavie.

 C’était aussi l’opportunité de passer du temps avec l’auteure de cette photo

8) Après Hergé, à Londres, RG, à Paris

La révélation de la nouvelle affiche Roland Garros est un événement que je ne manquerais pour rien au monde, de même que les autres événements liés au tournoi français. Cette année, c’est le jeu de jambes des champions que le lauréat Marc Desgrandchamps a choisi de mettre en avant.

Nettement mieux que l’année dernière… à mon humble avis

9) Petite blague autour de la Fondation Maeght

« MAAgue ! On dit MAAgue, bon sang ! », insistais-je auprès de mon père qui écorchait volontairement le nom de la fondation. À force, nous avons tous fini par converger vers la prononciation “MAÈgue” ; ma crainte étant alors qu’une fois contaminée, je ne puisse plus revenir en arrière (déjà ici, je fournis un énorme effort pour ne pas utiliser le subjonctif imparfait, qu’impose la concordance des temps). Tous, c’est-à-dire mon frère, mon incroyable belle-sœur, mes parents et moi-même. Un grand merci, soit dit en passant, au service de presse qui m’a accordé cinq laissez-passer pour les fêtes. L’exposition temporaire est un must-go !

 Calder, par terre et dur comme fer 

10) De Stockholm à Sherlock Holmes

La dernière étape artistique de l’année se devait d’être l’apothéose, le clou d’un spectacle qui ne se meurt jamais. Ce fut, en effet, un feu d’artifices avant l’heure. Le Moderna museet fédérait – et fédère toujours – tous mes centres d’intérêt du moment. Au rez-de-chaussée, une sorte de labyrinthe aux murs en plastique de couleur transparents. Ce dédale esthétique et ludique est l’œuvre d’Olafur Eliasson. Encore lui ! Au sortir de la collection permanente, Warhol refait son apparition. Qui suit qui ? Il est là, partout où je vais, depuis cet été. Au MoMA, au Whitney, au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, où nous avons tourné, avec la mystérieuse photographe du Panthéon, le pilote d’une émission sur l’art… Il est partout certes, mais je ne lui savais aucune attache au monde du swing. Noceur notoire, j’ignorais en effet qu’Andy – à stade, j’ai bien le droit de l’appeler par son prénom – appréciait le lindy hop. C’est ce que prouve la dernière toile qui a, cette année, croisé mon regard. Le comble, c’est que j’étais à Stockholm pour le Snowball, l’un des plus grands festivals de swing au monde.

Lindy Tuck-In Variation Turn-Man, 1962

Tant de coïncidences ont de quoi réveiller le détective qui sommeille en chacun d’entre nous. De retour à Paris, mon frère m’annonce que l’épisode “spécial Noël” de Sherlock est sorti. Je n’ai toujours pas réussi à le télécharger. Avide de lecture, je me suis emparée de L’art d’aimer d’Ovide. Une nouvelle page se tourne, aux sens propre et figuré.  

BONNE ANNÉE 2016 !

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Pour composer un tableau, il faut : une palette, une toile, et un sujet. Pour composer un beau tableau, il faut : une palette harmonieuse – à dominante bleue -, une toile solide – 432 pages – et un bon sujet. Un ancien jazzman atteint de médiocrité revient en France avec des rêves de vengeance. Récupérer le Velasquez que les Allemands ont confisqué à ses ancêtres durant la guerre serait un moyen de s’affirmer en tant qu’individu, et de laisser une trace sinon dans l’Histoire, du moins dans celle de sa famille, où il figure comme un raté. Quand le rêve tourne à l’obsession, bien sûr, les passions se déchaînent. En proie à une rafale d’émotions, le lecteur finit par percevoir le dernier livre de Marc Welinski comme une peinture contrastée, où se dessine l’ombre d’une mise en abyme. Un Velasquez n’est-il pas au cœur de Blue Velasquez ?

Conte d’azur

Quelle idée d’avoir associé le nom du maître espagnol au bleu ? L’artiste est en effet connu pour sa gamme de couleurs chaudes. Parlant gamme, le blues est à la source du jazz, genre musical dans lequel verse notre héros… quand il ne verse pas des larmes. « La sensibilité me touche chez les hommes », salue son premier amour, Lucile. Saxophoniste doué, Luc Wahlberg a le bourdon, le blues. Lui qui avait tout pour réussir, n’a pas su tirer parti de ses dons. De la déprime on passe au regret, celui que seule l’ambition supprime. Récupérer le Velasquez de la famille ferait la fierté de sa mère. Cette nouvelle obsession lui inspire le thème de « Blue Velasquez », le meilleur de son répertoire. Enfin, Blue Chat’s est le club où l’artiste se produit toutes les semaines.

Street strates

Ainsi, le bleu domine cette palette littéraire, de même que sol est la dominante des gammes de do majeur et do mineur. Noir sur blanc, s’esquisse le paysage du roman, comme le quadrillage d’une étude préparatoire à la pierre. Entre les lignes, au premier plan, s’étire Paris dont Marc Welinski brosse un portrait des plus flatteurs. Le livre s’ouvre d’ailleurs sur une indication géographique. « Le taxi dépose Luc Walhberg au seuil de l’Hôtel de Picardie, rue de Maubeuge ». Le décor est posé, rive droite, même si l’on sent résonner au fil des pages une nette préférence pour le quartier latin. De chez Lipp (p. 151), le héros se rend à Châtelet, en passant par les boulevards Saint-Germain et Saint-Michel, des étapes dépeintes dans avec force détails.

À ce paysage urbain se superpose un autre cadre, l’ère délétère de la Seconde Guerre Mondiale. Issu d’une famille juive russe, polonaise, et alsacienne, l’auteur prête à son protagoniste des origines similaires. Spoliés, délogés, renommés sous l’Occupation ses grands-parents ont vu tous leurs biens ravis par les nazis, ces vautours manifestes. Retour de manivelle : cet épisode historique justifie la position de repli qu’adoptent encore certains juifs face à d’autres communautés religieuses, potentiellement descendantes de leurs bourreaux passés. Certains juifs, pas tous ; car si Rachel, la mère de Luc, aurait accueilli la « gentille Schiksé » (fille non juive en yiddish) Lucile à bras ouverts, la femme de Claude Kapinsky n’a pas connu le même privilège « … je n’étais pas acceptée par le clan. J’étais la jolie petite provinciale, la goy, une mésalliance notoire pour l’héritier des Kapinsky ». Ce décalage suggère une vision stratifiée, groupusculaire et, partant, crépusculaire du décor. Au-delà des tribus, des lignées, quid des personnages en soi ?

Qui est qui ?

Luc est l’archétype-même de l’anti-héros et non du héros, que l’on admire plus que l’on s’y identifie. D’où l’attachement qu’on lui porte. Brillant, beau, il a gâché sa vie. Avec un soupçon de détermination, une cuillerée de confiance en soi, et une pincée de pragmatisme, il aurait pu accomplir de « grandes choses ». Un peu vague. Disons seulement qu’à échelle humaine, il aurait pu au moins viser gloire et amour. Se faire un nom (sur scène) et/ou un nid (avec Lucile), c’est déjà beaucoup. D’aucuns voient en ses accomplissements des exploits. Pourquoi s’encombrer d’une mission a priori impossible quand nombre d’obstacles entravent déjà la route du bonheur épuré ? Si seulement les démons de sa mère ne l’avaient pas rattrapé… Il n’aurait pas atterri en prison, été forcé de s’exiler aux États-Unis où, au lieu de s’essouffler, sa vendetta lui est montée à la tête. Luc aurait pu profiter de la distance pour se (re)construire. L’excès est l’ennemi du succès ; soit la fuite, de la réussite. S’il avait pris du temps pour réfléchir, ne rien laisser au hasard, s’il n’avait pas cédé aux distractions, aux vices de Las Vegas, sûrement se serait-il trouvé plus rapidement. Foin de cette psychologie de comptoir ! Sans ses défauts, Luc n’aurait pas eu le même potentiel narratif, le même text appeal. Qui veut d’un parangon de perfection ? Une autre lecture consiste à considérer le tableau Trois petits bergers de Castille comme le véritable héros du livre de Welinski. Pourtant sa description, tant attendue, ne survient qu’à la toute fin :

« Elle [Rachel] paraît avoir quitté notre monde pour entrer dans cette peinture, aspirée par elle. Elle est là désormais, au cœur de ce paysage de Castille, parmi les petit bergers qui s’amusent, les moutons qui paissent paisiblement, caressés par une douce lumière dorée. Elle flotte au milieu des nuages qui filent dans le ciel, au-dessus d’une campagne printanière où quelques paysans, au loin, s’adonnent aux travaux des champs. Et puis, il y a cette grange, au second plan. Elle se rapproche. Elle est désormais à l’intérieur. Elle perçoit la fraîcheur de l’ombre et l’odeur du foin. Un rayon de soleil y pénètre par une lucarne et vient illuminer les ballots de paille entassés à l’intérieur sur deux étages ».

Dans l’ensemble, tout se déroule comme si chaque portrait n’était que le repentir d’un autre. Dans sa quête d’identité, Luc se découvre un double, un frère maléfique, Manuel Sagarra, dont le surnom, Man Ray, souligne la sagacité de l’auteur. À l’instar de Nabokov, Marc Welinski jongle avec les prénoms pour créer un réseau de personnages plus ou moins cohérent. En réaction à l’antisémitisme nazi, Menahem et Rosa Weintraub sont rebaptisés Marcel et Rosette. Rien de surprenant, d’ingénieux dans ce parallèle historique. En revanche, n’y a-t-il un peu de Welinski dans Kapinsky et Walhberg ?

A fortiori, Éloïse et Lucile sont unies par une allitération. De son côté, Lucile dérive de Luc. Leur relation coule de source. Elle le connaît par cœur. Et vice versa. Il sait qu’elle désapprouve ses projets de cambriolage. Elle sait qu’elle ne pèse pas assez lourd dans la balance. Il l’a quitté sans le vouloir. Elle l’a attendu sans le pouvoir. Leur retrouvailles ont lieu sans faille, ou presque. Entre eux deux, Éloïse représente la nouveauté, soit l’illusion de la perfection. Lucile, c’est la lucidité. Éloïse, ou Éloise – sans la faveur du tréma -, c’est l’oisiveté. Si l’antéposition du « é » évoque la forme la plus parfaite de la conjugaison grecque, l’aoriste, ce masque sous forme de lettre finit progressivement par tomber. Éloïse se diabolise au fil des pages. Elle qui incarnait l’avenir en est réduite à une cruelle maxime (l’aoriste en grec a une valeur de passé simple ou de présent de vérité générale) : il faut savoir se méfier des apparences. Derrière la veuve éplorée se cache une ancienne call-girl, laquelle a séduit Luc pour le faire accuser des crimes qu’elle commettrait avec son amant, Man Sagarra. Lucile était donc le bon choix. Le choix apparemment le moins facile, puisqu’il impliquait quelques ajustements, mais le bon choix en définitive. Le héros n’avait jamais vraiment renoncé à elle, mais dans son hésitation, il n’a pas su la protéger. Il faudra que celle qu’il tenait pour acquise meure, assassinée, pour que Luc comprenne son erreur. Trop tard ! Injuste ! Tragique ! L’herbe, plus verte ailleurs, est toujours vouée à jaunir. C’est pourquoi mieux vaut parfois entretenir un terrain déjà conquis, y éliminer les mauvaises herbes, y tailler quelques branches rebelles, plutôt qu’aller butiner une fleur, puis une autre, et ainsi de suite, jusqu’à ce que mort ou lassitude s’ensuive, sur un terrain miné de remords.

Style sans fil

C’est pourtant ce qu’est invité à faire le lecteur, butiner. Un peu de musique par-ci, un peu d’art par-là. Welinski procède par petites touches ; une technique favorable au suspense. Doit-on pour autant qualifier son style d’impressionniste ? Oui, si l’on aime les étiquettes, les cases. Quiconque dans ce cas n’hésiterait d’ailleurs probablement pas à se proclamer cubiste… Puisqu’il faut toujours tout ramener à un courant d’art ou, en l’occurrence, à un courant d’air (Monet, Manet & co adoraient travailler en pleine nature) pourquoi ne pas tisser une comparaison avec Matisse, le roi des impros sur papier ? Ce n’est pas pour rien que son premier recueil de collages s’appelle Jazz. De même, Welinski improvise, brode autour de faits réels. Le résultat est si concluant qu’on est contraint de réfuter la proposition suivante (p. 54) : « Tu sais, Luc, le jazz n’intéresse plus grand monde, les jeunes n’en écoutent plus ». Raison de plus pour en lire. En effet, à supposer que l’auteur partage le point de vue de son personnage, on pourrait le soupçonner de proposer un équivalent littéraire à un genre musical en voie de disparition. Moi qui pratique le swing et le charleston parmi des centaines d’autres adeptes, j’aurais tendance à interpréter cette remarque comme une pique ironique, soit la réaffirmation d’un style qui déborde le cadre de la musique. Il est parfois important de se mutiner, de but en blanc, pour pouvoir continuer à butiner. Tel était aussi la philosophie de Montaigne : « Les abeilles butinent de-ci delà les fleurs, mais ensuite elles font le miel, qui est tout à elles; ce n’est plus thym ni marjolaine. Ainsi les pièces empruntées d’autrui, il les transformera et mêlera, pour en composer un ouvrage tout sien, à savoir: son jugement; son éducation, son travail et son étude ne visent qu’à le former » (Livre 1 : XXVI « De l’institution des enfants ») Nous aussi, nous pouvons jouer sur les mots, les références.

> Blue Velasquez, de Marc Welinski, Daphnis et Chloé, 432 p, 18 €

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