Après Fra Angelico et Canaletto, un autre maître de la Renaissance italienne débarque au musée Jacquemart-André, Le Pérugin. Enfin !

Rares sont les louanges quant à l’agencement des salles d’expositions temporaires du fameux hôtel particulier. Ce huis clos de huit salles qu’Hubert LeGall s’échine régulièrement à mettre en scène, depuis 2006. Malgré le talent du scénographe les critiques radotent : pas de place, pas de place ! Le parcours n’en reste pas moins cohérent. En voici les points saillants.

L’ombrien qui fait de l’ombre

Le banquier et collectionneur Agostino Chigi voyait en lui « le plus grand maître d’Italie ». Mais de quelle Italie exactement ? La carrière du Pérugin débute à Pérouse, capitale de l’Ombrie, au centre. Sa formation se poursuit à Florence, foyer artistique européen incontournable au XVe siècle. C’est là, dans l’atelier du peintre Andrea del Verrocchio, qu’il rencontre des artistes aussi réputés que Léonard de Vinci ou Botticelli. De retour dans son fief natal, Le Pérugin honore une commande de sa paroisse, la « niche de Saint Bernadin ». À Rome, le pape Sixte IV lui confie le décor de la chapelle Sixtine, de concert avec d’autres peintres florentins à qui l’Ombrien commencent sérieusement à faire de l’ombre. Son point fort ? Les portraits.

L’Annonciation, vers 1498, collection privée

Entre profane et sacré : le portrait

Un genre qui traverse infailliblement son œuvre. Au-delà de quelques saints, le visage qui a sa préférence n’est autre que celui de la Vierge à l’Enfant – la plus aboutie étant, selon la critique, conservée à la National Gallery of Art de Washington. Ce qui le distingue de ses émules ou rivaux, outre sa maîtrise des drapés et la précision de ses traits ? Le détail de ses paysages en arrière-plan. À l’inverse, Boticelli optait pour des fonds unis, par exemple. 

La Vierge à l’Enfant, vers 1500, National Gallery of Art, Washington

Ce n’est que dans les années 1490 que Le Pérugin s’attèle à des sujets profanes. Son Apollon et Daphnis (1483) se destine à Laurent de Médicis, que d’aucuns reconnaissent dans les traits du berger. En 1503, Isabelle d’Este, marquise de Mantoue, lui commande un tableau allégorique, pour son cabinet de travail (studiolo) au Palais de Mantoue, à accrocher en regard de ses Mategna. C’est ainsi qu’elle hérite du Combat de l’Amour et de la Chasteté. La régularités des contours, les subtils jeux de lumière, l’attention au mouvement… sont autant d’éléments que le maître inspire, sinon inculque, au jeune Raphaël.

Apollon et Daphnis, vers 1490, Louvre, Paris

Péruphaël

Les deux dernières salles de l’exposition intéressent les relations entre le maître d’Urbin et son aîné. Si rien ne prouve que Raphaël a effectivement fréquenté l’atelier du Pérugin, l’influence de ce dernier ne saurait l’avoir épargné. Leur proximité stylistique transparaît notamment dans quelques éléments du Retable de saint Nicolas de Tolentino, daté de 1500. Les poses délicates, les plis marqués évoquent la maestria du peintre ombrien dont deux larges panneaux provenant de l’église Sant’Agostino ponctuent le parcours. Et si on faisait un autre tour ?

 “Le Pérugin, maître de Raphaël”, du 12 septembre au 19 janvier, musée Jacquemart André.

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Le beau Legs

Alors que Fragonard et Watteau s’exposent à Jacquemart-André, le Théâtre de Poche-Montparnasse plonge l’oeuvre de Marivaux dans l’esprit des fêtes galantes.

Hortense aime le chevalier, et réciproquement. Elle est toutefois promise par testament au Marquis, lequel n’a d’yeux que pour la Comtesse, et vice versa. Celui-ci peut se soustraire à ses obligations, moyennant la maudite somme de 200 000 francs. Le cœur ou l’épargne ? Tel est le dilemme que pose Marivaux en 1736, et que nourrit aujourd’hui Marion Bierry de sonnets ronsardiens fusionnés à des mélodies schubertiennes. De trois pierres, un coup ; un coup de théâtre réussi dans l’adaptation de ce grand classique de la littérature française

Fragonard en pièce

L’intrigue se déroule à la campagne. Un parti pris qu’assume la metteur scène en avouant avoir extrapolé, en ce sens, les didascalies. « Je ne sais pas vraiment pourquoi, j’ai toujours pensé monter le Legs (prononcé “laid”, NDLR) en plein air. L’histoire m’évoque un paysage bucolique et champêtre, pavé de rochers et d’herbes folles ». Un paysage qui se prête à quelque badinage, pour ne pas dire fête galante.

Il suffit de comparer le décor planté par Nicolas Sire au premier étage du Poche, à quelques tableaux exposés au Musée Jacquemart-André pour en convenir. Contrastée par la représentation d’une immense jarre en pierre (à gauche de la scène), la végétation à la fois généreuse et vaporeuse qui se profile en toile de fond soutient la fiction, le rêve et la séduction se jouant entre les trois couples du Legs. Le premier tête-à-tête entre Lisette et Lépine, par exemple, fait penser à la Fête Galante avec la Camargo dansant avec un partenaire de Nicolas Lancret (voir ci-dessous). De même, la posture lascive des « marivaudeurs » n’est pas sans rappeler l’attitude frivole de certains personnages fragonardiens.

Nicolas Lancret, Fête Galante avec la Camargo dansant avec un partenaire, vers 1727-1728, huile sur toile, National Gallery of art, Washington, Andrew W. Mellon collection

Un art total

Une artiste totale, surtout car, quoique elle s’en défende, Marion Bierry peut se targuer d’avoir adapté les poèmes de Ronsard à la musique de Schubert, et les lieder du compositeur allemand à la poétique de Marivaux, en scandant les vers français selon la rythmique allemande ; d’avoir dessiné et confectionné les costumes elle-même ; et de jouer le rôle d’Hortence.

Dans cet ensemble harmonieux, on distingue pourtant deux duos. Si l’aisance de Valérie Vogt (La Comtesse) et de Bernard Menez (Le Marquis) sur scène n’a d’égal que leur expérience, la fraîcheur de la soprano Estelle Andrea (Lisette) et de Sinan Bertrand (Lépine) se ressent jusque dans la justesse de leur voix. Pas une fausse note à l’horizon, et cela vaut pour toute la pièce.

Le Legs de Marivaux, Théâtre de Poche-Montparnasse, Paris

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Dur… dur de résumer les galants propos du musée Jacquemart-André. C’est pourtant la lourde tâche qui nous revient aujourd’hui.

Un mot sur le thème traité : c’est la fête !

fête galante : n. f., expression qui désigne un genre pictural né à la fin règne de Louis XIV, mais surtout autour de la figure d’Antoine Watteau (1684-1721). Il se développe sous la Régence (1715-1723) et l’influence de Nicolas Lancret (1690-1743) ainsi que de Jean-Baptiste Pater (1695-1736), qui lui apportent une dimension réaliste. Des œuvres d’artistes contemporains, des costumes de comédiens se retrouvent alors représentées dans quelques toiles. Quant à François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1802), leur influence se lit dans un raffinement et un exotisme accrus.

Un mot sur la scénographie : galant le Gall !

On ne change pas une équipe qui gagne. Pour sa onzième collaboration avec le musée Jacquemart-André (« Désirs & Voluptés à l’époque victorienne », « Canaletto-Guardi, les deux maîtres de Venise », « Fra Angelico et les Maîtres de la lumière »…), Hubert le Gall, qui s’est également illustré à l’Orangerie (« Frida Kahlo/Diego Rivera »), à Orsay (« Masculin/Masculin ») et au Grand Palais (« Odilon Redon, Prince du Rêve », « Aimé Césaire, Lam, Picasso, Monet »…), a opté pour une extrême sobriété. Les murs crème ne sont ornés, en leurs coins, que de branchages tantôt gris tantôt sanguine ; un tracé qui rappelle la gravure, procédé auquel recourait souvent Watteau pour recopier la silhouette des personnages susceptibles de reparaître dans ses futures compositions. Les salles réservées aux dessins arborent, quant à elles, des carrés de tissus ardoise, gansés d’or, évoquant le papier bleu utilisé dans certaines études préparatoires au fusain. Pour une fois lumineuse, la scénographie de cette exposition temporaire reproduit fidèlement l’atmosphère de l’époque et du sujet abordés. L’occasion pour le spectateur de se concentrer sur chaque œuvre et non sur le décor, car « chaque toile appelle à une contemplation attentive », affirme le commissaire général, Mary Tavener Holmes.

Un mot sur l’affiche : l’ancre de Lancret

Il s’agit d’un Lancret. Des “Plaisirs du bain” (1725), pour être exacte. Pourquoi cette toile plutôt qu’une autre ? Peut-être parce que presque chaque salle compte une œuvre de cet artiste ambitieux – contrairement à ses pairs Lancret souhaitait entrer à l’Académie -. Pourquoi mettre l’accent sur lui, dans ce cas ? Parce que « nous avons essayé de donner à voir ici des peintures issues de collections moins connues », dixit Mme. Holmes.

Un mot sur Lancret : le râteau de Watteau

Qu’est-ce qui distingue Lancret de Watteau ? C’est la question que nous avons posée à Miriam Gaudio. D’après la chercheuse italienne, au moins cinq différences opposent les deux artistes, leur traitement du corps, leur utilisation de la couleur, leur sens de la narration, et leur rapport au réel.

Conformément au Traité du Beau du philosophe suisse Jean-Pierre Crousaz (1663) Nicolas Lancret dote ses modèles féminins d’un front large, de grands yeux écartés, et d’un visage rond. Moins physionomiste que son aîné, il avoue peiner à dessiner les pieds.

Si c’est par la forme que Watteau perpétue le mythe de la grâce, c’est à travers une plus riche palette que Lancret se détache. Aux teintes vaporeuses du premier, répondent les vifs aplats du second. Une divergence qui détermine la relation que chacun entretient avec la réalité. De nature nostalgique et maussade, le père des fêtes galantes trouvait refuge dans des scènes oniriques. À l’inverse, son successeur se plaisait à intégrer des éléments préexistants dans ses compositions, tel l’archer de Jacques Bousseau dans « Fête galante avec Persan et statue » (1728). Or qui dit réalisme, dit audaces assumées. La nudité s’avère, en effet, un outil de séduction incontournable chez Lancret.

Enfin, si les toiles de ce dernier ne respectent aucun schéma narratif, les tableaux de Watteau tendent, en revanche, à être lus dans un sens particulier. C’est le cas du fameux « Pèlerinage à l’île Cythère » quoique son intitulé prête à confusion. Certains critiques arguent de techniques de gravure inversant l’image d’origine pour soutenir la thèse d’un retour depuis la Grèce. D’autres s’en réfèrent au titre d’une réplique conservée au Château de Charlottenburg à Berlin, « Embarquement pour Cythère » pour affirmer le contraire. Qu’il s’agisse d’un départ ou d’une arrivée, il y a sens de lecture à suivre.

Une anecdote pour conclure, puisqu’il le faut : « Lorsque Watteau se rendait au théâtre », raconte Miriam Gaudio, « il était jaloux du succès de Lancret auprès des jolies filles, qu’il semblait attirer comme des mouches. »

« De Watteau à Fragonard, les fêtes galantes », du 14 mars au 21 juillet, au Musée Jacquemart André

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Vitrine aussi léchée qu’alléchante de cet hôtel particulier du XVIIIème, ce salon de thé raffiné impose un détour justifié aux visiteurs du musée.

C’est la première chose que l’on aperçoit en montant l’allée pavée du Musée Jacquemart-André : une balustrade peuplée de moineaux. Derrière, se dessine la frêle silhouette de quelques tables en fer. Un design radicalement opposé au classicisme du décor intérieur.

Tea party !

Selon les pays anglophones, l’expression « tea time » désigne soit le déjeuner, soit le goûter. Les deux repas que couvre le salon de thé du musée Jacquemart-André. Un salon de thé que l’on dirait « à l’anglaise », s’il n’arborait des tapisseries françaises et un plafond signé Tieopolo. Les chaises bronze et rouge, les tentures assorties, les moulures haussmanniennes, le service en porcelaine estampillé des initiales J. A. sont autant d’éléments contribuant à l’élégance des lieux. Une élégance qui a un prix.

Une carte variable et variée

Pareil raffinement se retrouve dans l’assiette. Coûteuses, les portions n’en demeurent pas moins généreuses. Avec ses haricots verts croquants, sa tranche de foie gras sur toasts briochés, son chutney de figues, ses tomates cerises, et ses poires caramélisées, la salade Van Dyck vaut son pesant d’or (19,20 euros ! ). À cet amas de verdure se mêlent d’autres plats également équilibrés, de la quiche du jour, au carpaccio, en passant par des poissons frais. S’ensuit un chariot à desserts, inspiré des plus grandes pâtisseries parisiennes.

Au menu permanent répond la « carte spéciale expo », clin d’oeil à l’actualité du musée. Le bœuf sauté à la menthe servi en ce moment, par exemple, est une référence explicite à l’exposition « Désirs & Volupté à l’époque victorienne », laquelle a pris fin aujourd’hui-même. En mars, ce sera au tour de Fragonard et Watteau de prêter leur noms, si ce n’est à leurs chefs-d’œuvre, du moins à quelques hors-d’œuvre.

Emportés par la foule

Il ne faudrait pas croire qu’une entrée au musée garantit une place au café. Bien au contrainte ! Mieux vaut manger avant, qu’après une exposition. Une file d’attente monstrueuse attend les visiteurs qui pensaient naïvement pouvoir réserver. De même le weekend, il est conseillé d’arriver dès 10h30 pour être sûr de pouvoir profiter du brunch.

C’est le problème majeur au musée Jacquemart André : on se bouscule, à tous les niveaux. Aussi bien à l’étage des expositions temporaires, condensées en huit salles étriquées, qu’au rez-de-chaussée, devant et dans le salon de thé. Vive la terrasse ! Quant au jardin d’hiver, il est réservé aux grandes occasions. Il suffit d’inviter plus de quatre-vingt personnes à son mariage pour y accéder en sus de la salle à manger principale. « Je le veux ! »

Café Jacquemart-André

158 boulevard Haussmann, 75008, Paris

01 45 62 11 59

www.musee-jacquemart-andre.com/fr/preparer-sa-visite/restaurant-le-cafe-jacquemart-andre

Ouvert du lundi au vendredi de 11h45 à 17h30 ; et de 11h à 15h, le samedi et le dimanche, pour le brunch. Ouverture en nocturne tous les lundis et samedis jusqu’à 19h (dernière admission 18h30).

L’accès au Café est indépendant de la visite du Musée.

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Que font les musées quand leurs caisses se vident ? Ils louent leurs salles, à des entreprises ou à des particuliers. Dîners d’affaires, anniversaires, lancements de produits, séances de dédicaces…, autant d’événements organisés dans un cadre artistique. Manquent les mariages. Combien d’unions sont-elles aujourd’hui consacrées à côté d’une sculpture ou d’une peinture ? Plus qu’on ne le croit. Voici la liste des musées parisiens où échanger ses voeux.

SILENCE !

Qui dit mariage dit traditionnellement toast, pièce montée, et surtout bal. Pour des contraintes à la fois sociales et patrimoniales, certains musées n’autorisent qu’une musique douce en toile de fond. Se rincer l’oeil, sans que grincent les oreilles des voisins. Voilà ce qu’autorisent les temples d’art soumis à une stricte législation. Comme si l’appel de la panse pouvait masquer l’attrait de la danse…

Le musée des Arts décoratifs

Il s’agit d’une location de salle brute. Le traiteur et le matériel restent à la charge du client. Musique d’ascenseur afin de ne pas endommager les oeuvres. Fin des festivités vers minuit. C’est l’heure où Cendrillon et son prince doivent malheureusement rentrer à la maison.

Le musée Carnavalet

Musique interdite ! Autant être clair, dès le début. Couvre-feu à 23 heures, minuit maximum. Au-delà, les agents de surveillance vont se coucher. Pour compenser le silence obligatoire, une visite guidée d’une heure trente s’offre à tous les convives. En tête de file, le “parcours XVIIIe”, le seul à inclure un tour des jardins. À la location de la salle des Enseignes s’ajoute par conséquent la charge de guides français (250 €) ou étranger (350 €). Autre avantage : le versement s’opère sous forme de don, entraînant une déduction d’impôts sur le revenu.

Le musée Rodin

Le musée Rodin propose également à ses invités un tour du propriétaire. À commencer par un parc de plus de trois hectares pouvant recevoir entre cent et mille cinq cents personnes. À découvrir aussi : l’intérieur classique de cet hôtel particulier où demeurent les oeuvres d’Auguste Rodin. Suite et fin de la visite dans la salle d’exposition temporaire, avant de regagner le jardin, ses sculptures monumentales, parmi lesquelles Le penseur, et une tente dressée pour l’événement. Hélas, contre toute attente, cet espace couvert ne répercute pas le moindre son. Néanmoins, devant toutes les splendeurs aux alentours, on ne peut que s’incliner.

EN PISTE !

Si musique et musées font rarement bon ménage, certains établissements s’avèrent plus tolérants que les précédents.

L’Institut du monde arabe

Enfin un endroit où danser ! Refoulé à l’une des extrémités du boulevard Saint-Germain, l’Institut du monde arabe couvre diverses prestations. Pour les mariages, les salles prêtées varient selon le nombre d’invités ; et les prix selon le créneau horaire choisi. Théoriquement, l’établissement propose des formules de cinq heures. Pourtant, il suffit de payer un supplément pour transformer son cocktail dînatoire en une longue soirée dansante. L’occasion d’ouvrir le bal en contemplant tout Paris ; car les festivités ont lieu au dernier étage de l’établissement. Quoi de plus grisant ?

Le musée Jacquemart André

Trois espaces au choix : le grand salon, le salon de musique ou la salle à manger selon leur capacité, pour une réception longue durée (18 heures-5 heures). Avec l’accord du musée, tout est permis : éclairages spéciaux, musique dansante… Pirouettes et entrechats requièrent la pose exceptionnelle d’un parquet dans le jardin d’hiver.

Le musée des Arts forains

Anciens chais construits au XIXe siècle, les pavillons de Bercy ouvrent leurs portes aux jeunes couples qui viennent de se dire “oui” pour la vie. Cet ensemble comprend le théâtre du Merveilleux, les salons vénitiens et le musée des Arts forains où l’on peut se trémousser sur les tubes de sa génération de 16 heures à minuit, minimum. Manèges et stands de jeux sont mis à la disposition des personnes présentes. À chaque salle correspond un espace extérieur privatisable. Restauration et arts de la table sont gérés par des prestataires de renom. Un traiteur non agréé coûte, en revanche, 3 euros par couvert.

Le Mini Palais

Réservé à nombre d’événements publics, du Salon du livre ancien à La Fête de la danse, en passant par la Soirée FG, le Grand Palais ne célèbre aucune noce. Faute de pouvoir y exposer son amour, on se rabat souvent sur le Mini Palais. À ne pas confondre avec le Petit Palais, ce restaurant jouit d’une façade monumentale flanquée d’une terrasse où il fait bon flâner entre deux danses ; car une large piste y attend les rois du dancefloor. Avec, en outre, un menu du triple étoilé Éric Frechon : difficile d’être déçu. Entre grande table et musée, l’hybride Mini Palais apparaît comme un bon compromis.

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“Je est un autre.” Séisme dans le petit monde de l’art. Un tableau exposé au musée Jacquemart-André représentant le clocher de l’église Sainte-Catherine à Honfleur, attribué à Claude Monet, serait en fait une oeuvre d’Eugène Boudin, son précurseur normand. Pour conforter leur thèse, les spécialistes du musée exposent deux tableaux. À gauche, une petite huile sur panneau de bois, de 32 cm sur 40 cm, attribuée à Eugène Boudin (1824-1898), prêtée par le musée d’art de l’Université du Michigan. À droite, le même sujet, le clocher de Sainte-Catherine, déployé sur une plus grande hauteur (55 cm sur 43 cm) et estampillé “Claude Monet”. Il a été donné en 1964 au musée Eugène-Boudin de la ville d’Honfleur par Michel Monet, fils cadet du peintre impressionniste. Laurent Manoeuvre, commissaire général de l’exposition au musée Jacquemart-André, en est convaincu : c’est Boudin qui a peint cette oeuvre et non Monet (1840-1926).

Entre les deux panneaux, titrés Honfleur, le clocher Sainte-Catherine, les ressemblances sont frappantes. Mais la confusion permet également de rappeler les différences stylistiques qui opposent les deux artistes et l’admiration que vouait le premier au second.

En 1887, Eugène Boudin écrivait : “J’aurai peut-être eu aussi ma très petite part d’influence dans le mouvement qui porte la peinture vers l’étude de la grande lumière, du plein air et de la sincérité dans la reproduction des effets du ciel.” Une déclaration qui invite à le rapprocher du mouvement impressionniste. À tort, puisque le Honfleurais, “ne relevant pas des écoles consacrées… et sacrées”, a toujours revendiqué son indépendance. “Ce n’était pas un peintre de manifeste, déclare Laurent Manoeuvre. C’était un artiste modeste, qui savait très bien s’adapter aux exigences de sa clientèle, sans pour autant renoncer à son esthétique”, ajoute-t-il.

“Beautés météorologiques”

Une modestie qui l’honore étant donné l’influence qu’il a exercée sur ses héritiers. Sans chercher à s’imposer, le paysagiste normand a su s’attirer les grâces de ses contemporains. Si l’on voit en Pissarro le peintre de la terre et en Monet, le maître incontesté de l’eau, Boudin, lui, s’illustre dans le traitement du ciel. Sa technique très enlevée révèle une liberté dont rêvent beaucoup d’artistes. Baudelaire, le premier, exalte les “beautés météorologiques” de son ami. Quant à Monet, sa reconnaissance pour celui que Corot surnommait le “roi des ciels” est sans limite.

Dans ce cas, comment être sûr que la toile présentée à Jacquemart-André est bien d’Eugène Boudin ? Question de style. Plus nerveuse et rectiligne dans les années 1890, la technique du peintre n’a rien à voir avec celle de l’impressionniste parisien, moins précis dans l’exécution de formes géométriques. En outre, la confrontation du Clocher de Sainte-Catherine avec un tableau venu de l’University of Michigan Art Museum (UMMA) a achevé de mettre tout le monde d’accord. Toutes deux peintes sur un panneau en bois, support plus rare chez Monet, les deux versions de l’église honfleuraise partagent le même titre, traduit St. Catherine’s Market in Honfleur par le musée prêteur, et la même gamme de couleurs. Plus resserré, seul le cadrage du pendant américain diffère.

“Les conseils de Boudin”

Loin de diviser, la confusion entre les deux artistes confirme l’amitié que vouait Claude Monet à son aîné. Leur rencontre a lieu au Havre, en 1858. Boudin sort son chevalet pour étudier les variations de lumière, tandis que son futur disciple verse dans la caricature. Le courant passe tout de suite entre les deux hommes. Très vite converti à la peinture sur motif, le père de l’impressionnisme ne jure, à ses débuts, que par son mentor. “Je me réglais exclusivement sur les conseils de Boudin.”

Fasciné par les métamorphoses du temps, Eugène Boudin se plaisait à représenter un même paysage à différentes heures de la journée. Une habitude que s’est appropriée le mouvement impressionniste. Dans la mesure où Monet a poussé encore plus loin la logique de la série, en numérotant ses peintures de nymphéas par exemple, il n’était pas absurde d’en faire l’auteur d’une des vues de Honfleur accrochées à Jacquemart-André. En vérité, Boudin les aurait peintes depuis le premier étage de l’hôtel du Dauphin, lors d’un dernier séjour dans sa ville natale.

“Concours de circonstances”

Plus concrètement, le détournement du Clocher est dû à un concours de circonstances. En 1964, Michel Monet adresse au musée de Honfleur deux huiles sur bois retrouvées dans l’atelier de son père, à Giverny. “Je crois que le Clocher de Sainte-Catherine date de la période Boudin (de mon père) [1858-1861, NDLR].” Le tableau reçoit alors la griffe de l’atelier Claude Monet. Longtemps qualifié d’”inclassable” dans l’oeuvre du célèbre impressionniste, le tableau laisse la critique perplexe. Progressivement, le trouble fait place à une évidence : l’”attribution est davantage fondée sur la provenance que le style”. Pour la conservatrice en chef du musée Eugène-Boudin de Honfleur, la rétrospective du musée Jacquemart-André se présente, en effet, comme “l’occasion d’officialiser une découverte de longue date”.

Le Clocher a sonné, l’école est finie. Méconnu du grand public, Boudin reconnaissait humblement le génie de son successeur. Sûrement aurait-il été honoré de voir son oeuvre assimilée aux travaux de Monet. À moins que l’élève n’ait pas entièrement dépassé le maître…

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