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On dirait bien. À partir du 21 janvier, l’aéroport de Paris-Charles-de-Gaulle expose 35 œuvres de Pablo Picasso. Parfaitement, Picasso ! Pendant ce temps, la SNCF peaufine sa programmation culturelle de l’année. Les hubs urbains sont en train de devenir un tremplin pour l’art.

par Sarah Belmont

1 Ils abritent de plus en plus d’expos.

Entre pianos et panneaux publicitaires, des œuvres d’art ? Pourquoi pas ? « Il y a toujours eu des animations dans les gares ». Pour Patrick Ropert, directeur général de SNCF Gares & Connexions, le phénomène n’est pas nouveau, mais il s’agissait de l’accentuer. Depuis deux ans, les gares de France accueillent une centaine d’événements artistiques, destinés à quelque 10 millions de voyageurs-visiteurs par jour. À ce train-là, la SNCF pourrait prétendre au titre de plus grand musée du monde. Sur 80 millions de passagers annuels, 400 000 foulent les 250m2 de L’Espace Musées, situé au Terminal 2E de l’aéroport CDG. Ce nombre devrait bientôt doubler, quand ladite galerie fermera ses portes à 19h au lieu de 13h. « Nous rejoindrons alors le Top 10 des musées les plus fréquentés, en termes d’expositions temporaires », espère son fondateur Francis Briest.

2 Des œuvres originales y sont présentées.

Adieu les copies ! Bonjour les originaux ! Les œuvres exposées, gratuitement, dans cet espace unique au monde, proviennent des fonds de musées nationaux. Auguste Rodin, le père de la sculpture moderne, était à l’affiche de sa première édition, en janvier 2013. Et aujourd’hui, c’est Picasso, génie incontesté du pinceau, dont on retrouvera aussi une poignée de céramiques conçues sur la Côte d’Azur. De son côté, la SNCF participe à la promotion d’artistes contemporains. Pour la COP21, le sculpteur français Richard Texier (né en 1955) a posté un ours polaire en bronze rouge (7 mètres de haut) devant la Gare du Nord. Le Street artiste Max Tetar est l’auteur de la fresque de 300 m2 qui habille la station Avenue du Président Kennedy, sur la ligne du RER C. Ces installations sur-mesure sont même répertoriées, comme au musée, dans un catalogue d’expositions intitulé « Art en gares ».

3 Place aux experts.

On n’a rien sans rien. La Nuit Blanche et la FIAC comptent parmi les nombreux partenaires de la SNCF. Les artistes sollicités lors de pareilles manifestations sont aussi invités à créer « in situ », c’est-à-dire sur place, dans les gares. Les Aéroports de Paris vont plus loin : le transport des œuvres jusqu’à l’Espace Musées est d’autant plus contraignant qu’elles doivent d’abord passer la douane. Pourtant, le Petit Palais n’a pas hésité à leur céder une partie de ses collections. Comment dire « non », à Serge Lemoine ? L’ex-président du Musée d’Orsay fait partie du comité scientifique des ADP. Et c’est le designer français Hubert Le Gall (né en 1961), responsable d’innombrables décors et parcours artistiques, leur scénographe attitré ! Tous les musées parisiens (Jacquemart-André, le Grand Palais, l’Orangerie…) se l’arrachent ! De quoi rassurer les institutions prêteuses.

4 Tout le monde y trouve son compte.

Si les artistes gagnent ainsi en visibilité, leurs créations redorent le blason des hubs, souvent perçus comme de simples galeries marchandes. M comme « mode » certes, et dorénavant comme « Musée ». Fort de deux expositions par an, le hall M du Terminal 2E n’est plus seulement associé à ses boutiques de luxe mais aussi à l’art. Côté musées, c’est l’occasion soit de prolonger un accrochage, soit de révéler un aspect inédit de leurs fonds. « Ce partenariat avec les ADP nous permet de toucher une clientèle internationale plus large, et de montrer une nouvelle facette de Picasso, à travers des pièces plus ou moins connues », confie Émilie Bouvard, Conservatrice du patrimoine au Musée national Picasso-Paris.

Quoi ?

Picasso Plein Soleil, du 21 janvier au 15 juin, à l’aéroport Paris Charles de Gaulle, en collaboration avec le Musée Picasso.

Et aussi…

- 20 affiches de Camille Lavaud, du 10 janvier 2017 à fin mars, gare Montparnasse et Bordeaux-Saint-Jean.

- Michel Borzoni : Looking for a job et Tim Franco : Metamorpolis, du 21 janvier au 5 mars, Gare de l’Est.

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Brava, la Brafa! On n’en “brave” pas les 18 000 mètres carrés car ils sont savamment agencés. Aucun obstacle en vue. Le parcours est fluide. Les galeries ne sont pas regroupées par section comme dans d’autres foires. Elles dialoguent selon un équilibre redéfini chaque année par l’arrivée de nouveaux exposants. Cette 70ème édition en compte treize, dont quatre galeries d’art contemporain. Telle est l’une des particularités de la Brafa, s’être tournée progressivement vers la modernité et ce, malgré son ancrage originel dans les antiquités. C’est pourquoi, parmi des amphores grecques, des lustres baroques, et des statuettes africaines, on croise Warhol, Mrs. Delaunay, Degas, Ernst… Parmi ces maîtres, deux noms de détachent, à commencer par Paul Delvaux. Quant à Alexander Calder, le roi des mobiles, sa présence se traduit par une série de gouaches méconnues. À croire que les marchands se sont concertés pour le montrer sous un jour nouveau, un jour en 2D.

ÉCOUTER AUSSI : l’enregistrement lié à ce diaporama.

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Am stram gram pic et pic et colégram… Instagram. #expo #art #musee #painting… Quel que soit le mot-clé tapé, le résultat de la recherche reste incertain. L’aléatoire a quelque charme pourtant, surtout dans le cadre d’un laboratoire. C’est ainsi que l’on pourrait voir Instagram dans le monde de l’art. L’application, qui permet à l’origine de partager photos et vidéos, est devenue, en quelques années, un support esthétique à part entière, faisant de ses utilisateurs des artistes en puissance. De là de nouveaux enjeux éthiques, qu’il s’agirait peut-être de redéfinir…

Instagram, vitrine de l’art par défaut

Conçue pour accueillir photos et vidéos, l’application semblait prédestinée, par sa nature même, à rejoindre le huitième art. Pourtant, galeries, artistes, et musées ont tardé à l’utiliser. D’où la disparité des œuvres postées, à savoir exposées en ligne.

Sur ses 550 millions d’utilisateurs (dernières données en date), combien d’artistes ou graines d’artiste compte Instagram ? Telle est la question, dont le service de communication n’a pas la réponse. Comment ? Il n’existe pas de logiciel interne capable de recenser certains profils ? Non.

Partons cependant du principe que les musées ont tous, ou presque, fini par se créer un compte, devenant ainsi l’objet d’une mise en abyme. Des galeries dans une galerie sans fond, avec un potentiel de visibilité croissant. Le Louvre, Orsay, Perrotin… plus personne n’échappe à la griffe, aux griffes d’Instagram, qui bourre et bourre et rata… tine les réseaux sociaux concurrents… Plus besoin de se connecter à Facebook ou Twitter. Instagram fait d’une pierre un, deux, voire trois ou quatre coups. L’option « Publier », qui survient à la fin du processus d’édition, propose de partager n’importe quelle image sur d’autres plateformes virtuelles (Tumblr, Flickr), à des fins personnelles ou professionnelles.

Qui se cache derrière les posts de @gagosiangallery, @simonleegallery… ? Le marchand d’art en personne ? Son stagiaire ou, selon ses ressources, un community manager employé dans le seul but de promouvoir une programmation en cours et à venir ? Dans le cadre de cette dernière fonction, Instagram apparaît, certes, comme un précieux outil de communication. De là les opérations dernièrement lancées par les musées, parmi lesquelles #emptylouvre (ouverture de des portes rien que pour les Instagrammers) ou #MuseumInstaSwap (après avoir été nommés “les 10 meilleurs musées de Londres sur Instagram” par la rédaction du Londonist, le British Museum, le Musée du Design, le V&A, le Musée des Sciences, la Wellcome Collection, le Musée d’Histoire Naturelle, le Musée et Jardins Hornimans, l’Imperial War Museums, le Musée des Transports de Londres, et le Royal Museums de Greenwich se sont engagés, le temps d’un weekend, à publier deux par deux, sous forme de montages, des photos de leurs collections). Entre les # (hashtags) et les @ (arobases), on s’y perd. Les profils d’une même entité se démultiplient à l’infini. Doublons, triplons la mise… Dans cette culture de la surenchère, propre à notre chère et pas tendre société de surconsommation, qui dit mieux ?

Certains artistes, qui utilisent aussi Instagram comme galerie, possèdent différents comptes. Tel est le cas d’Anish Kapoor. Sur @anish.kapoor, le plasticien indo-britannique reporte les photos de ses dernières œuvres avec pour légende unique « #anishkapoor #art #contemporaryart », laissant le soin à ses abonnés d’exprimer, en dessous, leur opinion. Les clichés postés sur son @dirty_corner (alias Le Vagin de la Reine, dans sa forme sculpturale, trompe en acier de 60 mètres, plantée au cœur la Fabbrica del vapor à Milan, en 2011) apparaissent, quant à eux, comme des œuvres à part entière, sans titre. Le nom de cet espace virtuel évoque moins une poubelle où l’artiste se débarrasserait de ses ratés, que la matérialité d’une salle d’exposition tenue par quatre murs, un sol, et un plafond. En ce sens, le « coin sale », ou sale coin, de Kapoor doit s’appréhender comme une pseudo-galerie, réservée à des photographies de nature expérimentale. D’ailleurs, ces photos sont-elles qualifiées d’œuvres en raison de leur qualité plastique, ou bien parce qu’elles sont signées d’un artiste de renommée internationale ?

Un nouveau matériau à exposer

Si les clichés de stars rayonnant dans la profession ont plus de chance d’être estampillés chefs-d’œuvre, Instagram se veut une application user-friendly, au sens où elle doit rendre, par ses fonctionnalités, l’art de la photographie accessible à tout un chacun.

L’application puise sa force dans un éventail de filtres, qui donnent à l’utilisateur lambda l’impression de maîtriser la photo. Photographiez une bouteille d’eau sans intérêt, activez l’effet sépia, et le tour est joué ! En quête d’une reconnaissance complète, d’aucuns se voient alors contraints de signaler la beauté « naturelle » de leur clichés par la mention #sansfiltre / #nofilter. Rendons à ces as, ce qui est à ces as. Tout le mérite reviendrait à leur sens inné du cadrage, et non à de vulgaires artifices. C’est de bonne guerre, quoique l’art en général regorge de techniques, de styles différents. Picasso a traversé une phase bleue, avant de voir la vie en rose. Si les filtres se déclinent comme autant de couleurs sur la palette d’un peintre, Instagram se veut une pépinière d’artistes potentiellement dignes d’être exposés.

Pourquoi pas ? Cette année, l’application a franchi un cap et proposé à 25 instagrammeurs – orthographe à la française, pour changer – d’exposer leur vision de Paris. Où ? À la galerie Sparts, dans le 6ème arrondissement. Quand ? C’était du 1er au 4 juillet. Parmi les talents sélectionnés se trouvait Lucille Clerc, auteur d’un des dessins les plus relayés après l’attentat contre Charlie Hebdo. Comment distinguer les bons des mauvais Instartistes ? Qui juge de leur talent ?

Du like à l’arnaque

Instagram démocratise autant la pratique que la critique de la photo. L’essor des réseaux sociaux s’assortit de la culture du « like ». Tout le monde peut donner son avis, à tout à moment, au vu de tous. Un pouce vers le haut. Un pouce vers le bas (pollice verso, en latin), sur Facebook. C’est par ce geste que les empereurs ordonnaient la mise à mort d’un gladiateur vaincu. Un cœur, sur Instagram. Les symboles standardisent l’opinion. Oui. Non. On enchaîne. En ligne, la note est synonyme de cote. Plus un compte a d’abonnés, plus il a de chance, ainsi que la personne qui l’a crée, de devenir célèbre. De même, plus une photo reçoit de commentaires, de préférence positifs, plus elle circule sur la toile, avant d’être accrochée, comble du succès, telle une toile, dans une galerie. Si tous les abonnés – moi y compris – sont des artistes et des critiques de plus ou moins bas étage, Instagram devient un collectif, une communauté dont les membres sont susceptibles d’être plagiés.

En tant que support d’une expression qu’on est libre de qualifier d’artistique ou non, Instagram subit les mêmes dérives que les arts, qu’il s’agisse de la littérature, de la musique, ou de la peinture. En mai 2015, un certain Richard Prince a sélectionné 37 photos sur Instagram et opéré autant de captures d’écran afin de les revendre ensuite à la FRIEZE Art Fair de New York. L’un de ses “chefs-d’œuvre”, inspiré / emprunté à Doe Deere (@doedeere), a été vendu à non moins de 90 000 dollars. Une belle somme dont l’Instagrammeuse ne verra jamais la couleur. Vert. De rage. Celle-ci a d’ailleurs notifié à ses 328 000 followers qu’elle n’avait jamais donné son feu, vert (encore !), pour que Mr. Prince lui “vole” son cliché (le larcin n’en serait plus un avec son approbation). Ultime pied de nez : le cyber-faussaire a intitulé sa dernière exposition « Original ». En somme, Cet incident accuse un vide juridique à l’endroit des Instartistes. 

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Tout d’abord, que faut-il entendre par nouvelles technologies ? Ordinateurs portables, smartphones, tablettes ?… À la question : « quels sont vos principaux outils de communication ? » la plupart des galeristes répondent qu’ils ont fini par adopter un système de mailing, et par s’inscrire sur les réseaux sociaux. Quand on leur demande s’ils sont familiers des sites mobiles, ils renvoient à leur sites internet ; et quand on s’enquiert de leur rapport aux applications, c’est à leur site mobile qu’ils s’en réfèrent cette fois-ci. Un décalage qui tend pourtant à s’estomper.

En effet, si les galeries ont souvent boudé la technique, et vice versa, elles sont aujourd’hui la nouvelle cible de sociétés mobiles spécialisées dans la conception d’applications iPhone ou Androïd. Parmi ces logiciels électroniques, on distingue les applications fédératrices, proposée par Mappy, les Pages Jaunes, entre autres grosses boîtes, des applications individuelles, destinées à un nom, une enseigne. Dans la première catégorie, dominent les annuaires géolocalisés offrant aux utilisateurs la possibilité de visiter virtuellement leurs adresses favorites au travers de photos et de vidéos. Très appréciées par les diffuseurs d’art, l’application Augment s’offre de publier des clichés d’œuvres en 3D. Artsy est une plateforme d’exposition en ligne que les galeries utilisent surtout durant des foires et les salons. Sans compter les logiciels-répertoires favorisant le recensement et le tri des pièces exposées. Malgré une popularité inégale, ces applications s’avèrent en pleine expansion. Reste à savoir ce qui rebutent certaines galeries.

Petits et gros budgets

Si les galeries ont du mal à adhérer aux nouvelles technologies, c’est souvent pour des raisons pécuniaires. En effet, la Gaîté Lyrique ne jouit pas de la même marge qu’une galerie de quartier, telle Immanence, dans le quinzième arrondissement. Pourtant, il existe des sociétés de téléphonie mobile pratiquant des tarifs plus que raisonnables. Si Mappy demande 700 euros afin d’opérer une seule modification sur le site de ses clients, une entreprise comme Phone Site a le mérite de proposer un abonnement annuel de 350 euros/HT et un supplément de deux cents euros environ lorsque ses partenaires lui confient la charge de rentrer leur base de données.

Sourds à la technique vs. Acheteurs aveugles

La plus grande peur des galeristes demeure toutefois la sédentarisation de leur clientèle. « Avant je recevais 300 personnes à un vernissage ; aujourd’hui, je n’en trouve plus que quinze », déplore le directrice de la Galerie Martine Moisan. La véritable question que soulève cette objection est : peut-on réellement acheter une œuvre sans l’avoir appréciée, physiquement, au préalable ? « Trop aléatoire. On ne fait pas du shopping. Les gens que nous accueillons sont généralement des connaisseurs qui savent ce qu’ils cherchent », rétorque le responsable de la Galerie Thaddaeus Ropac. « On ne vend pas des œuvres d’art comme on vend des CDs à la FNAC » (Air de Paris).

Et pourtant, à la surprise générale, l’acquisition de pièces contemporaines sur la foi d’un support numérique fait de plus en plus d’adeptes. Selon une étude récente du cabinet de recherche ArtTactic, réalisée pour l’assureur spécialiste Hiscox, 71% des collectionneurs rapportent avoir fondé leurs choix sur une image en ligne, tandis qu’un quart se dit prêt à débourser 50 000 € par ce biais. Inversement, 89% des galeristes s’étonnent et se réjouissent de ce que leurs collections parviennent à se vendre en un clic. Pareille pratique comporte un risque : celui de voir se multiplier les achats « à l’aveugle ». Jonas Almgren, CEO d’Artfinder, plateforme de commerce artistique en ligne, déclare que 14% de ses clients finissent par remettre leurs sélections entre ses mains, à peine deux mois après leur première expérience.

Générations (dés)enchantées

Dans la mesure où cette tendance touche le monde de l’art contemporain, l’argument d’un clivage s’impose comme une évidence, l’art classique étant, dans la pensée commune représentée par des galeristes poivre et sel ; et l’art moderne, par de jeunes arrivistes qui mettent partout leur grain de sel. Au refus de changer des habitudes longuement ancrées répond la crainte de heurter une clientèle avancée en âge. C’est du reste l’argument du galeriste de l’Atelier 17 justifiant son désintérêt pour les applications mobiles par une sympathie pour les vieux collectionneurs qui lui rendent visite. Quant au responsable de Galerie Maurice Garnier, par exemple, « on est implantés depuis des années ici, on a une façon de travailler qui n’a nul besoin d’être altérée. À cet odieux personnage on est tenté de demander si le bouche-à-oreille suffit de nos jours. Probablement, pas.

Toutefois, âge et conservatisme ne vont pas forcément de pair. « Le fait que ce nouveau canal de commerce de l’art soit de plus en plus accepté ne peut être qu’une bonne chose, et nous voyons arriver sur le marché de nouveaux acteurs issus de tout un éventail de pays, de tous âges et niveaux de prix », stipule Robert Read, Head of Fine Art pour le groupe Hiscox. Si 72% des ventes en lignes sont le fait de jeunes amateurs over-connectés, le rapport indique que 55% des sondés dans la tranche des plus de 65 ans achètent des œuvres d’art directement en ligne. Alors à quand les expositions sur petits et grands écrans ?

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