Paroles d’instituts !

 Le plus complet : Le Centre Georges Pompidou nous entraîne dans ses collections et expositions temporaires, passées (Boltanski, Bacon…) ou en cours (« Christo et Jeanne-Claude. Paris » aurait dû ouvrir, il y a peu), au travers d’enregistrements d’une demi-heure maximum (deux minutes par oeuvre).

Le plus incarné : La mini-série « Quand la peinture raconte Léonard » tourne autour du maître éponyme, dont le Musée du Louvre détient cinq œuvres. La Joconde, une pop star ? La Belle Ferronnière, une imposture ? Chacune fait l’objet d’un savoureux épisode de sept minutes chrono.

Le plus vertigineux : Conférences, débats, entretiens… autant de rendez-vous sonores classés par exposition. De « Design contre Design » (2007) à « Toulouse-Lautrec » (2020), c’est un véritable voyage dans le temps que nous propose Le Grand Palais.

Le plus mélodieux : Le Musée de l’Homme s’est associé à la Médiathèque musicale de Paris pour composer quinze trajectoires au diapason sa dernière expo, « Nous et les autres ». Une playlist décoiffante, allant de Duke Ellington à Miriam Makeba.

Le plus trognon : Et les enfants alors ? Le Musée d’Orsay a imaginé pour eux « Promenades imaginaires », treize histoires sur ses collections, et « Au pays des monstres », cinq contes inspirés de l’univers de Léopold Chauveaux, héros de sa dernière expo.

Paroles d’individus !

Les plus féminins : « Femmes d’arts » et « Les PassionariArts », donnent la parole au beau sexe.* Lancé par Marie-Stéphanie Servos, journaliste chez ELLE, le premier s’assortit d’un compte Instagram très esthétique. Le second est présenté par Adeline Cubères, fondatrice d’Artwork in promess, qui accompagne la création d’œuvres d’art pour des partenaires donnés.

Le plus pro : On ne présente plus Jean de Loisy, ancien président du Palais de Tokyo, à la tête des Beaux-Arts de Paris. C’est lui qui anime « L’art est la matière » sur France Culture, où il commente l’actu des musées, aux côtés de leurs acteurs.

Le plus pointu : Raphaëlle Le Baud est tombée dans la marmite des métiers d’art, en 2010. Depuis, elle a créé le podcast « The Craft Project », et le Think Tank du même nom, afin de penser à l’avenir des artisans qui passent derrière son micro.

Le plus vivant : Ils sont deux à l’origine du podcast « Le Bruit de l’art », Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne, historiens de l’art qui font en sort d’interviewer un artiste tous les quinze jours.

Le plus pétillant : « Bav{art}dages », sur France Inter, c’était lui. Dans « Bulle d’Art », Julien Baldacchino ne fait plus parler les œuvres. Il les commente lui-même, avec bienveillance, de même que ses artistes, ou expositions-coups de coeur.

* J’allais écrire « galanterie oblige », jusqu’à ce que je me penche sur l’étymologie du mot. Galant, vient de l’ancien verbe galer, qui signifie dissiper en plaisirs, lequel découle de l’ancien bas francique wala, à savoir bien, soit well, en anglais. En voilà un puits (a well, toujours en anglais) de contradictions sans fond ! Sans oublier le dérivé gallo-romain walare, qui veut dire se la couler douce.

Rembobinons (et non embobinons). En inversant le « l » et le « a » de galant, on passe de glander (walare) à bien (wala), et s’amuser (galer). Hey, gals (variante de girls, en américain) ! Attention ! Apparemment, l’habit ne fait pas le damoiseau.

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L’un ausculte le corps à plat ; l’autre, en trois dimensions. Qu’avaient Vinci et Kiki à l’esprit, en étudiant l’anatomie avec autant d’ardeur ?

La matière. Lui, la travaille inlassablement en tentant désespérément de la figer sur papier, sur bois, ou sur toile dans ses jeunes années. Exposé au Louvre, après d’interminables négociations entre les ministres de la culture italien et français, L’Homme de Vitruve témoigne d’un intérêt soudain chez Léonard de Vinci pour l’anatomie. Réalisé vers 1490, ce dessin tant disputé dans le cadre du cinq-centième anniversaire sa mort, s’inspire du fameux traité antique De architectura signé de l’ingénieur romain Vitruve (v. 90-v. 20). D’où son nom. À force d’études préparatoires, les experts ont fini par prétendre que Léonard n’aimait pas peindre. À tort, d’après Vincent Delieuvin, l’un de deux commissaires de la rétrospective qui ouvre aujourd’hui sous la Pyramide.

Elle, à l’inverse, n’a jamais montré de prédisposition pour les arts graphiques. La matière se sculpte avant tout, sous ses doigts. « À force d’insister, j’ai réussi à intégrer le dessin dans ma pratique de l’argile », confiait Kiki Smith à l’inauguration de l’exposition que lui consacre actuellement la Monnaie de Paris.

Étudier l’anatomie permet à Kiki de réfléchir à sa condition de femme. Il y a d’abord ce personnage (dont je n’ai pas photographié la légende, culpa mea) plié en deux, comme pour conjurer un mal de ventre insoutenable. La chaîne de strass qui l’entoure au sol symbolise les fluides susceptibles d’émaner du corps féminin. « Le nombre de fois où je me suis trouvée embarrassée par ce genre de fuite. Urine, sang, sueur… Cela arrive toujours au pire moment. Dès la ménopause, j’ai eu l’impression de revivre ! », lance l’artiste avec sympathie. Son Christ en Croix (lui, privé de titre), suspendu au début du parcours, est hermaphrodite. Ses jambes ont été sculptées à partir d’un modèle masculin ; son buste n’est autre que celui de Kiki. Cette figure christique, contorsionnée, renverse les codes de la sexualité, une question qui taraude de toute évidence la plasticienne. 

Avant 1498, Léonard ne jurait que par l’ingénierie. Les autres sciences le laissaient indifférent. C’est cette rupture qu’accuse l’exposition tant attendue du Louvre, dont les commissaires rejettent le préjugé selon lequel Léonard a peu peint parce qu’il se laissait distraire par mille et une autres activités. « Ce qui peut apparaître comme une dispersion n’en est pas une car, ce qu’il peint est une sorte de restitution de sa compréhension du monde. C’est sans fin », poursuit Delieuvin. « Peu lui importe de peindre à tour de bras, des kilomètres de fresque, des portraits. La qualité primant, l’acte de créer lui demande beaucoup de temps. C’est un très lent perfectionnement. Bien souvent ses réflexions scientifiques avaient pour but d’améliorer sa représentation picturale de la nature. Parce qu’il y a cette intelligence l’être humain, ses tableaux de maturité sont d’une maîtrise et d’une beauté exceptionnelles ».

Kiki Smith, jusqu’au 9 février 2020. Monnaie de Paris.

Léonard de Vinci, jusqu’au 24 février 2020. Musée du Louvre, Paris.

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Un mystère et des obstacles qui appelaient une originalité accrue. « Tout n’a pas été dit sur Léonard. Nous présentons une synthèse sérieuse fondée sur de nouvelles découvertes », explique Vincent Delieuvin, conservateur en chef, chargé de la peinture italienne du XVIème siècle au Louvre. Exit l’accrochage traditionnel qui suit chronologiquement les déplacements de Vinci formé à Florence par le sculpteur Andrea del Verrocchio, partagé entre Milan, Rome, Bologne, et Venise, avant de s’éteindre en France au service du roi François 1er. À la place, les deux commissaires d’exposition ont divisé le parcours en quatre chapitres. « Ombre et lumière », « Liberté », « Science », et « Vie ».

Un découpage inédit qui permet de combattre deux idées reçues : Léonard avait tendance à s’éparpiller et il dédaignait le pinceau au point de bâcler ses œuvres. Au contraire ! La peinture, cette « chose mentale », a ses faveurs, parce qu’elle se fonde sur la science, voire une forme d’omniscience. Il faut tout savoir pour pouvoir rejouer l’acte de la Création, reproduire le monde à la manière de Dieu sur la toile. Tout traité ou dessin engendré dans l’intervalle ne sert que de préparation à l’acte sacré de création picturale. Peindre peu, pour peindre mieux, telle aurait pu être sa devise.

Outre La Cène et La Joconde, qui a inspiré au Louvre sa toute première expérience de réalité virtuelle – à découvrir en sortant de l’exposition –, La Vierge aux rochers est l’un des rares tableaux achevés de Léonard de Vinci. Il en existe deux versions, chacune destinée au retable de la chapelle de la Confrérie de l’Immaculée-Conception à San Francesco Grande, aujourd’hui détruite. La plus ancienne (1483-86) appartient au Louvre. La seconde (1491-99, puis 1506-08), conservée la National Gallery, arbore le même décor, un paysage montagneux dominé par une grotte et un cours d’eau, et les mêmes personnages. Seulement l’ange, qui se tient derrière l’enfant Jésus ne pointe plus dans la direction de saint Jean Baptiste, isolé à gauche de Marie.

On a longtemps cru que la confrérie, insatisfaite, avait rejeté la première mouture de Léonard, l’obligeant à repartir de zéro. En réalité, le peintre n’était pas d’accord avec le tarif que lui proposait ses commanditaires. Il aurait donc modifié son œuvre à la dernière minute pour complaire aux exigences d’un acheteur plus offrant. Une hypothèse qu’atteste la réflectographie infrarouge, technique qui révèle les couches sous-jacentes d’une peinture. Sous le tableau parisien se cache une composition similaire à sa réécriture londonienne. C’est pourquoi quand, une vingtaine d’années plus tard, les frères de l’Immaculée-Conception décidèrent enfin de mettre la main au portefeuille, le maître florentin en profita pour renouer avec la scène qu’il avait initialement imaginée pour eux.

Toutefois, il n’est pas entièrement certain que cette seconde version soit de lui. Entre la France et l’Angleterre, chacun prêche pour sa paroisse. « Il y a une sensation de vie et de mouvement dans notre panneau que l’on ne retrouve pas dans le tableau de Londres », affirme Vincent Delieuvin. « Ce dernier manque de relief. Le geste y semble plus mécanique. La tête de l’enfant pourrait tout aussi bien être de la main de Boltraffio, qui a travaillé dans l’atelier de Léonard. » Son de cloche opposé : « Je n’ai jamais eu de doute sur l’authenticité de notre Vierge », soutient Caroline Campbell, la directrice des Collections et de la Recherche à la National Gallery, imperturbable elle aussi, pour ne pas dire solide comme un roc.

RÉTENTION DE CHEFS-D’ŒUVRE
Comment justifier l’absence d’une icône interdite de voyage par son musée de résidence ? Voici quelques excuses avancées par les derniers musées lésées, en France.
Varier les plaisirs
En 2010, Dieter Bucchart proposait à la Pinacothèque une rétrospective Edvard Munch sans son fameux « Cri ». « Nous ne voulions pas montrer les mêmes 20 tableaux mythiques du peintre norvégien, exposés partout. Nous ne les avons même pas demandés ».
Si tu ne vas pas à Velasquez, Velasquez n’ira pas à toi.
« Les Ménines sont un monument espagnol […] et les monuments on les visite, on ne les déplace pas », dixit Guillaume Kientz, commissaire de l’exposition Diego Velasquez qui s’est tenue au Grand Palais, en 2015.
Alerte à l’émeute
Le Reina Sofia de Madrid ne s’en sépare plus depuis 1981. Si Guernica était venu à Paris pour l’exposition que lui consacrait le Musée Picasso l’an passé, le parcours n’aurait soi-disant pas pu contenir le surplus de visiteurs occasionné par ce miracle.

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Soit MONA, de son acronyme, pour les intimes.

Rien à voir avec la Joconde de Vinci, étape de vingt-six secondes au Louvre.

Né en 1981, ce temple du néon, ouvre Downtown LA, pour déménager hors du centre à l’âge de trente et quelques années.

Anitta & J Balvin, Downtown, ft. Lele Pons y Juanpa Zurita 

Pourquoi y aller ?

- Pour son emplacement de rêve, à la frontière de L. A.

À Glendale ou « Glande Island » – le surnom est laid, certes -, ville non déserte qui invite à l’oisiveté.

Juste à côté, The Americana at Brand, s’apparente à un mall amélioré en plein air, où cohabitent restaurants / tavernes, et boutiques.

Défi loufoque : à deux blocs, le Musée des selfies, explore, sans provoc, sans équivoque, un tic des temps modernes.

- Le billet coûte 10 dollars (8,12 €). Yeah!

L’entrée est même gratuite pour qui achète un livre du même prix à la foire organisée une fois par mois en face du musée.

- Parcours réduit (une large salle qu’introduit un court corridor), coloré, lumineux et non ruineux.

- Lieu unique : seul musée dédié à un support artistique électrique.

Bastion d’une fine équipe de restaurateurs.

A l’origine du Neon Cruise, chouette tour en bus destiné aux piétons qui « losent » à force d’user leurs baskets et souhaitent en savoir plus sur le néon et le musée.

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Mon voyage à L. A. donne le la d’un retour à la vitalité et à la virtualité. J’y ai découvert un cru de Viners, de célébrités qui en eux ont cru. Mes favoris, bien entendu…

… Lele et son prétendu futur mari, Juanpa. Leur fraîcheur m’a incité à franchir le pas et revenir sur mon site à cette heure. Sans d’ailleurs prétendre à quelque influence ou affluence accrues dessus.

Qui dit mots, mémo, dit paroles ! Pourquoi ne pas publier plus dans la catégorie audio ? Sans oublier mes battles – à prononcer « battols » moins pour la frime que pour la rime – sur Insta ? Stop à l’écriture, aux ratures. Basta !

Top ! La voix sera la nouvelle voie pour parler art. Pas le temps d’écrire. Tel est le hic du moment. Je crie musique, en attendant.

Bienvenues seront entrevues et chansons, nouvelle source de tonus (c’est plus vivant) à découvrir dans les bonus (boni ?) dorénavant. Bonne idée, ou non ? A vous de décider à présent.

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Désolée.

En attendant la fin de ce cycle, je ne peux que recycler, à petites doses, mes articles parus dans la presse.

Pas de pression, ici. Juste des impressions publiées ailleurs pour ne pas être oubliée…

Pas de renoncement donc, une pause.

Cette annonce est close.

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1) Kiefer 100% baba

> Kiefer Rodin Cathédrales, du 14 mars au 22 octobre, au musée Rodin, Paris

2) Un « saint » honoré au Grand Palais

Rodin n’avait rien d’un enfant de cœur, mais quel talent ! Il est souvent décrit comme “le meilleur sculpteur après Michel Ange”. On ne présente plus L’Homme qui marche, Le Penseur, La Porte de l’Enfer… Le Grand Palais a aussi voulu levé le voile sur des aspects moins  connus de son œuvre, notamment en montrant l’influence qu’elle a eue sur d’autres artistes, tant disparus que contemporains. Fortes de plus de 200 chefs-d’œuvre rodiniens, la rétrospective en question comporte également des travaux de Bourdelle, Brancusi, Picasso, Matisse, Giacometti, Beuys, Baselitz, Gormley… Et si, pour une fois, l’on avait le droit d’avoir les yeux plus gros que le ventre ?

> Rodin : l’exposition du centenaire, au Grand Palais, du 21 mars au 31 juillet 

3) Tarte à la Reine-Claudel

Après cinq ans de travaux, constamment interrompus, le musée Camille Claudel ouvre enfin ses portes à Nogent-sur-Seine. Si l’élève a depuis longtemps dépassé son maître, si son talent a été reconnu indépendamment de celui qui fut son amant, elle demeure cependant dans l’ombre  de ses contemporains, parmi lesquels Afred Boucher (1850-1934). Sur 250 sculptures, seules 39 sont d’elle.  ”Nous voulions honorer la mémoire de trois artistes nogentais qui permettent de remettre son œuvre dans son contexte”, argue Cécile Bertran, la conservatrice du musée. Que l’on se rassure, Camille n’intervient pas comme la simple cerise sur le gâteau.

> Ouverture officielle, le 26 mars 

4) Éclair de génie à la Doillon

On l’a tant de fois conté, que le récit des amours entre Auguste Rodin et Camille Claudel est presque devenu une tarte à la crème.  C’est pourquoi Jacques Doillon, dans son nouveau film, ne se contente pas  de relater cette passion de dix ans, mais retrace aussi des aventures « moins tyranniques » entre le maître et ses modèles, ainsi que sa relation avec Rose, sa plus fidèle compagne. Vincent Lindon sera-t-il à la hauteur de la prestation de Gérard Depardieu dans le Camille Claudel de  Bruno Nuytten (1987) ?

> Rodin, de Jacques Doillon, avec Vincent Lindon, sortie le 24 mai 

5) Pièces montées à la Monnaie

C’est dans la poche ! La Monnaie de Paris a frappé non des cafés, mais une pièce de 2 euros à l’effigie de Rodin. On doit certains motifs de cette série exceptionnelle à Monsieur Christian Lacroix.

> Distribution entre février et novembre 2017

6) Paris, Brest, et/ou ailleurs

Une brochette d’expositions dans toute la France rend hommage au maître de la sculpture moderne, au musée des Beaux Arts de Calais, à Lyon, Aix Les Bains…  La liste des manifestations à la carte est plus longue que menue.

En espérant que ces teasing vous mettent l’eau à bouche…

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On dirait bien. À partir du 21 janvier, l’aéroport de Paris-Charles-de-Gaulle expose 35 œuvres de Pablo Picasso. Parfaitement, Picasso ! Pendant ce temps, la SNCF peaufine sa programmation culturelle de l’année. Les hubs urbains sont en train de devenir un tremplin pour l’art.

par Sarah Belmont

1 Ils abritent de plus en plus d’expos.

Entre pianos et panneaux publicitaires, des œuvres d’art ? Pourquoi pas ? « Il y a toujours eu des animations dans les gares ». Pour Patrick Ropert, directeur général de SNCF Gares & Connexions, le phénomène n’est pas nouveau, mais il s’agissait de l’accentuer. Depuis deux ans, les gares de France accueillent une centaine d’événements artistiques, destinés à quelque 10 millions de voyageurs-visiteurs par jour. À ce train-là, la SNCF pourrait prétendre au titre de plus grand musée du monde. Sur 80 millions de passagers annuels, 400 000 foulent les 250m2 de L’Espace Musées, situé au Terminal 2E de l’aéroport CDG. Ce nombre devrait bientôt doubler, quand ladite galerie fermera ses portes à 19h au lieu de 13h. « Nous rejoindrons alors le Top 10 des musées les plus fréquentés, en termes d’expositions temporaires », espère son fondateur Francis Briest.

2 Des œuvres originales y sont présentées.

Adieu les copies ! Bonjour les originaux ! Les œuvres exposées, gratuitement, dans cet espace unique au monde, proviennent des fonds de musées nationaux. Auguste Rodin, le père de la sculpture moderne, était à l’affiche de sa première édition, en janvier 2013. Et aujourd’hui, c’est Picasso, génie incontesté du pinceau, dont on retrouvera aussi une poignée de céramiques conçues sur la Côte d’Azur. De son côté, la SNCF participe à la promotion d’artistes contemporains. Pour la COP21, le sculpteur français Richard Texier (né en 1955) a posté un ours polaire en bronze rouge (7 mètres de haut) devant la Gare du Nord. Le Street artiste Max Tetar est l’auteur de la fresque de 300 m2 qui habille la station Avenue du Président Kennedy, sur la ligne du RER C. Ces installations sur-mesure sont même répertoriées, comme au musée, dans un catalogue d’expositions intitulé « Art en gares ».

3 Place aux experts.

On n’a rien sans rien. La Nuit Blanche et la FIAC comptent parmi les nombreux partenaires de la SNCF. Les artistes sollicités lors de pareilles manifestations sont aussi invités à créer « in situ », c’est-à-dire sur place, dans les gares. Les Aéroports de Paris vont plus loin : le transport des œuvres jusqu’à l’Espace Musées est d’autant plus contraignant qu’elles doivent d’abord passer la douane. Pourtant, le Petit Palais n’a pas hésité à leur céder une partie de ses collections. Comment dire « non », à Serge Lemoine ? L’ex-président du Musée d’Orsay fait partie du comité scientifique des ADP. Et c’est le designer français Hubert Le Gall (né en 1961), responsable d’innombrables décors et parcours artistiques, leur scénographe attitré ! Tous les musées parisiens (Jacquemart-André, le Grand Palais, l’Orangerie…) se l’arrachent ! De quoi rassurer les institutions prêteuses.

4 Tout le monde y trouve son compte.

Si les artistes gagnent ainsi en visibilité, leurs créations redorent le blason des hubs, souvent perçus comme de simples galeries marchandes. M comme « mode » certes, et dorénavant comme « Musée ». Fort de deux expositions par an, le hall M du Terminal 2E n’est plus seulement associé à ses boutiques de luxe mais aussi à l’art. Côté musées, c’est l’occasion soit de prolonger un accrochage, soit de révéler un aspect inédit de leurs fonds. « Ce partenariat avec les ADP nous permet de toucher une clientèle internationale plus large, et de montrer une nouvelle facette de Picasso, à travers des pièces plus ou moins connues », confie Émilie Bouvard, Conservatrice du patrimoine au Musée national Picasso-Paris.

Quoi ?

Picasso Plein Soleil, du 21 janvier au 15 juin, à l’aéroport Paris Charles de Gaulle, en collaboration avec le Musée Picasso.

Et aussi…

- 20 affiches de Camille Lavaud, du 10 janvier 2017 à fin mars, gare Montparnasse et Bordeaux-Saint-Jean.

- Michel Borzoni : Looking for a job et Tim Franco : Metamorpolis, du 21 janvier au 5 mars, Gare de l’Est.

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