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La Somerset House est en travaux ? Pourquoi tous ces échafaudages, alors ? La Fashion Week est passée par là. C’est donc l’heure du grand nettoyage.

• Are you a student ? (êtes-vous étudiante?)

• No, I am a journalist. (non, je suis journaliste)

Lucky me, (La chance), un billet gratuit !

Les étages se superposent entre boiseries et marbre, peintures de la Renaissance et toiles impressionnistes que l’on a hâte d’aller contempler au sortir de l’exposition temporaire. On la repère à ses murs rose poudré, une teinte plutôt douce comparée à la noirceur du sujet traité, la finitude angoissante de l’homme. Le parcours ne va pas au-delà de deux salles. Un espace assez grand pour reconstituer l’un des huit albums privés de Francisco de Goya (1747-1828) – notés de A à H – dans son intégralité. Aux croquis liminaires empruntés aux institutions français, hollandaises, et espagnoles, succèdent les 23 pages – elles aussi dispatchées aux quatre coins du monde – constituant un recueil entièrement consacré aux sorcières et aux vieilles dames (1828). Le pessimisme qu’elle semblent véhiculer n’a d’égal que l’ironie qui les colore. Au sens figuré, car la série se cantonne au noir et blanc. L’artiste était certes devenu sourd mais ses croquis sont criants. L’une des légendes suggère même que l’on peut entendre retentir le bruit d’un fouet claquant sur la cuisse d’un vieillard malmené.

 Encore un Renoir !

Les qualia de Goya

Moins que l’orthographe, heureusement (Quoi ! On n’a plus le droit d’être cynique, à présent ? ). Une faute saute aux yeux des hispanophones. Tambien écrit tan bien. À bons entendeurs, désolé. Hormis ce détail, rien d’alarmant. Le charme des pages opère sans mal, ou presque. Il est quand même question de torture, de laideur, de handicap, et de folie. L’humanité au pire de sa forme, physique et morale. Aux silhouettes toutes ratatinées, sans exception, répondent des peaux froissées par le temps, des traits menaçants, des regards emplis de perversion qui n’augurent rien de réconfortant. Et pourtant… chaque feuille transpire l’ironie, ce grain de sable, cette poussière presque imperceptible qui sème le doute dans l’esprit du spectateur. Goya verse-t-il dans le rire ou dans la déprime ? Quelle était son humeur à l’ouvrage ? Tous les hommes, y compris lui-même, se meurent. Qu’y a-t-il d’amusant à cette inéluctable tragédie ? Sa dimension érotique. Le désir et la mort. Le désir de la mort, en tant qu’apogée de la vie. Leurs sorts sont étroitement liés, ligotés, menottés. Ainsi de l’orgasme, l’ataraxie par le plaisir occis. Goya serait donc un porc. Toute de suite ! Heureusement, sa maestria étouffe les préjugés, les conclusions hâtives. La forme transcende le fond, si bien que l’on balance toujours entre deux extrémités sublimes. De la superstition à la sorcellerie, du rêve (érotique) au cauchemar, de la vieillesse à l’au-delà. Voilà les trois grands fils que l’on suit, avec l’équilibre d’un funambule débutant que le fantôme de Goya redresse constamment, tantôt par la gauche (côté associé à la mort dans la civilisation greco-romaine), tantôt par la droite.

En effet, la vieille peau s’apprête à dévorer l’enfant !

“Goya. The witches and Old Women Album”, jusqu’au 25 mai, Courtauld Gallery, Londres. 

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« Inventing Impressionism », du 4 mars au 31 mars, National Gallery, Londres

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“Inventing Impressionism”, du 4 mars au 31 mars, National Gallery, Londres

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Aller à la Tate Britain voir l’exposition Turner, c’est bien. Coupler cette découverte avec une visite de la Tate Modern, où s’achève la rétrospective Malevitch, c’est encore mieux.

L’Eurostar, le train des stars. First et seconde confondues, là n’est pas la question. À la rapidité du check in se conjuguent l’amabilité du personnel de bord, un large choix de lectures… À voyager dans pareilles conditions, je vais finir par préférer le train à l’avion.

Dernier tournant pour Turner

Direction la Tate Britain où se prépare actuellement l’exposition « Late Turner » dédiée, comme son nom l’indique, aux dernières années du peintre anglais. Une foule de journalistes s’est déplacée pour l’occasion. Difficile de se frayer un chemin avec ma mini caméra. Au discours de Penelope Curtis (dans la boîte!), la directrice du musée, succède une présentation de la première salle par Sam Smiles, professeur d’histoire de l’art à l’université d’Exeter. Une salle introductive, à vocation synthétique. Et c’est bien là le problème ! Exposer les thèmes fondateurs du maître dans un même espace dilue le propos. Autrement dit, l’exposé de l’exposition tombe d’emblée – sans jeu de mots douteux – à plat. Quel est l’intérêt de confronter des marines à des toiles mythologiques ? Il ne s’agit pas d’un plan de dissertation ! Et si tel était le cas, quelle en serait la conclusion ? Mis bout à bout, le parcours se découpe en une première étape fourre-tout, quatre thèmes – le voyage, la continuité entre le présent et le passé, les cadres carrés, et les marines -, et en un condensé des dernières œuvres de Turner. Bravo pour la symétrie, zéro pour la clarté. À moins d’être un amateur de Turner.

Venice : Looking across the Lagoon at Sunset, 1840

À la lueur de cette lacune pédagogique, il reste à espérer que le néophytes apprécieront la beauté des toiles dévoilées car l’exposition repose entièrement sur la palette de l’artiste anglais. On ne peut reprocher à la Tate de pas avoir su mettre ses œuvres en valeur. L’alternance des fonds d’accrochage dénonce une réflexion approfondie sur la scénographie. Les murs bordeaux font ressortir des paysages contrastés, le gris souris se fond dans l’onde tumultueuse où le maître puisait fréquemment son inspiration. De même, le talent d’Adrian Moore, qui a veillé à l’harmonie des cadres, ne se dément pas. Sans compter les carnets de croquis attestant l’influence de Fragonard ou du Corrège. Dire que la Tate a su mettre SES œuvres en valeur, c’est bien peu dire. Malgré l’enchaînement des phrases précédentes, le possessif désigne davantage le musée que sa dernière égérie. Les aquarelles et les gouaches figurant Venise, la Suisse ou la France, The Opening of the Wallhalla (1843), Snow Storm – Steam-Boat off a Harbour’s Mouth (1842), les trois quarts des peintures carrées, Rain Clouds (1845), Sunrise, a castle on a Bay : Solitude… autant d’oeuvres appartenant aux collections de la Tate, un navire qui n’est pas prêt de couler.

Approach to Venice, engraved by Armytage, 1859-1861

Malevitch à vif

Parlant bateau, s’ensuit une traversée sur la Tamise à bord de la navette reliant la « Britain » à la « Modern ». Dans le vaste hall de cette dernière, à côté des vestiaires, se dresse la maquette d’un nouveau projet architectural. L’institution londonienne n’a donc pas fini de s’agrandir. L’exposition “Malevich” (en vertu de la translitération internationale, le son “tch” donne “ch”), qui touche à sa fin, repose au deuxième étage. Un parangon d’équilibre. La crainte d’être submergé par onze salles combles de tableaux est immédiatement compensée par un sentiment d’espace. Loin d’être entassées, les œuvres cohabitent en petit comité dans de larges surfaces immaculées. On suit un axe 100% chronologique. Pour une fois, c’est reposant.

Autoportrait, 1908-10

Cette intelligibilité n’est pourtant pas sans faille. On aurait bien voulu, par exemple, que les légendes en russe et, dans la salle 9, en allemand, soient traduites. Et quand on pratique ces deux langues, c’est l’écriture en pattes de mouche de Kasimir Malevitch (orthographe française) que l’on aurait aimé se voir déchiffrer. Un détail face à l’exhaustivité de l’ensemble. Que retient-on en sortant ? Qu’à ses débuts Malevitch admirait grandement Monet ; que, fier de ses origines, il mettait un point honneur à représenter campagne et paysans russes ; que le Manifeste du Futurisme de Filippo Marinetti (1909) l’incita à brouiller de plus en plus les frontières entre le figuratif et l’abstrait ; qu’il enseigna quelque temps aux côtés de Marc Chagall à Vitebsk, avant de fédérer ses émules sous le nom d’UNOVIS ; que le carré noir sur fond blanc est devenu son emblème à partir des années 1920 ; qu’il est le père du suprématisme, mouvement d’art contemporain russe confinant au mysticisme ; que le diktat du Réalisme socialisme, sous Staline, l’obligea à renouer, à contre cœur, avec la figuration… La mémoire est sélective : sûrement auriez-vous retenu, pour ne pas dire appris, autre chose.

Suprématisme, 1915

« Late Turner – Painting Set Free », du 10 septembre au 25 janvier 2015, Tate Britain, Londres

« Malevich », du 16 July au 26 October 2014, tate Modern, Londres

LIRE AUSSI : l’article lié à cette double critique.

VOIR AUSSI : la vidéo liée à cet article.

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Adrian Moore, l’encadreur officiel de l’exposition que consacre aujourd’hui la Tate Britain au peintre anglais.

À mi-parcours, une petite salle peinte en noir marque une pause entre les tableaux historiques et les marines à suivre. Dix toiles carrées y ont été réunies pour la première fois, cristallisant par là-même une sorte de mise en abyme. « An exhibition within an exhibition » est l’expression qu’emploient d’ailleurs les trois commissaires pour désigner cette surprenante antichambre. S’il s’agit bien d’une exposition au sein d’une autre exposition (traduction littérale de la formule ci-dessus), on se demande quel peut être le point commun entre les dix œuvres présentées. Leur format. À partir des années 1840, William Turner opte pour des cadres carrés renfermant des images au périmètre rectiligne, circulaire, ou encore octogonal.

Shade and Darkness – the Evening of the Deluge

La plupart forment des couples unis par les liens sacrés des années. Shade and Darkness – the Evening of the Deluge et Light and Colour (Goeth’s Theory) – the Morning after the Deluge – Moses Writing the Book of Genesis datent tous deux de 1843. Disposés côte à côte, The Angel Standing in the Sun et Undine Giving the Ring to Massaniello Fisherman of Naples ont été réalisés à quelques mois d’intervalle, dans le courant de l’année 1846. Il en va de même pour War : The Exile and the Rock Limpet et Peace – Burial at Sea. Quant au pendant du tableau A River Seen from a Hill (1856), il se trouve pour le moment entre les mains du Premier Ministre, au 10 Downing Street. En ce sens, le véritable électron libre du groupe s’avère Glaucus and Scylla (1841).

Peace – Burial at Sea

Le seul car même Bacchus and Ariadne (1840) et Dawn of Christianity (1841) entretiennent une relation particulière. À l’origine, Turner aurait conféré le cadre du second à la première peinture. Or comme cette dernière ne se vendait pas, elle méritait a priori une enveloppe plus modeste. Cette enveloppe, rien ne prouve qu’elle fût destinée à une peinture circulaire. Les contours de la scène mythologique étant flous, l’intérieur du cadre qui lui était réservé aurait tout à fait pu être octogonal. La présence de tâches de peinture sur le cadre de substitution contredit toutefois cette assomption. À l’inverse, comme en témoignent deux gravures préparatoires, le couple Guerre et Paix a toujours été délimité par des octogones. Si Light and Colour (Goeth’s Theory) et Shade and Darkness font théoriquement la paire, il leur fallait de préférence un cadre identique. C’est pourquoi Adrian Moore a reproduit celui que la National Gallery avait d’office flanqué au second. Un indice ? La copie est beaucoup plus brillante que l’original qui souffre de craquelures visibles. « À quoi bon patiner un ornement sachant qu’il aura la même apparence que son modèle dans quelques années ? », conclue l’artisan qui, comme on dit en anglais, has made his point.

“Late Turner – Painting Set Free”, du 10 septembre au 25 janvier 2015, Tate Britain, Londres

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Penelope Curtis, directrice de la Tate Britain

Bonjour et merci à tous d’être venus.

C’est tout de même incroyable qu’il n’y ait jamais eu d’exposition consacrée aux dernières années de Turner. La nôtre est vraiment la première à se concentrer sur les quinze dernières années de sa vie, depuis ses soixante ans jusqu’à sa mort.

Il s’agit d’un travail d’équipe entre Sam Smiles, professeur d’histoire de l’art à l’université d’Exeter, David Blayney Brown, conservateur des peintures anglaises (1790-1850) à la Tate Britain, et Amy Concannon, conservatrice adjointe à la Tate Britain également. Certains d’entre vous ont déjà pu jeter un œil à l’accrochage mais le trio vous guidera à tour de rôle à travers les salles.

Si nous avons réussi à replacer les œuvres tardives du peintre dans un plus large contexte, c’est grâce à des prêts internationaux. J’espère que nous sommes parvenus à rendre la modernité de Turner qui voyait le passé comme un tremplin vers l’avenir. Sa peinture se lit à double sens : en renouant avec des thèmes de sa jeunesse, il réfléchit à sa propre postérité, en tant qu’héritage pour l’Angleterre tout entière. Comment le verrait-on après sa mort ?

Turner n’était pas classique. Les thèmes antiques ou historiques servaient de pont, de transition, de trait d’union entre le passé et le présent, voire l’avenir.

Sam Smiles, professeur d’histoire de l’art à l’université d’Exeter

Bonjour à tous.
Je m’appelle Sam Smiles. La visite (25-20 minutes) peut commencer.

LIRE AUSSI : l’article lié à cette vidéo.

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MEs MOts d’expos : Vous revendiquez la récurrence de certains motifs dans votre travail, sa circularité. Si vous deviez retourner à un endroit tout de suite, quel serait-il et pourquoi ?

Mary Ellen Mark : J’adore l’Inde et le Mexique. Je trouve que les deux pays se ressemblent par leur aspect tant surréel, vivant, que déjanté.

MME : Qu’y photographierez-vous ?

MEM : Je referais bien une nouvelle série sur le cirque (en 1989 et 1990, la caméra de Mary Ellen a immortalisé dix-huit cirques indiens, NDLR).

National Circus of Vietnam, Lenin Park, Hanoi, North Vietnam, 1994

VOIR AUSSI : la vidéo liée à cette interview.

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