Paroles d’instituts !

 Le plus complet : Le Centre Georges Pompidou nous entraîne dans ses collections et expositions temporaires, passées (Boltanski, Bacon…) ou en cours (« Christo et Jeanne-Claude. Paris » aurait dû ouvrir, il y a peu), au travers d’enregistrements d’une demi-heure maximum (deux minutes par oeuvre).

Le plus incarné : La mini-série « Quand la peinture raconte Léonard » tourne autour du maître éponyme, dont le Musée du Louvre détient cinq œuvres. La Joconde, une pop star ? La Belle Ferronnière, une imposture ? Chacune fait l’objet d’un savoureux épisode de sept minutes chrono.

Le plus vertigineux : Conférences, débats, entretiens… autant de rendez-vous sonores classés par exposition. De « Design contre Design » (2007) à « Toulouse-Lautrec » (2020), c’est un véritable voyage dans le temps que nous propose Le Grand Palais.

Le plus mélodieux : Le Musée de l’Homme s’est associé à la Médiathèque musicale de Paris pour composer quinze trajectoires au diapason sa dernière expo, « Nous et les autres ». Une playlist décoiffante, allant de Duke Ellington à Miriam Makeba.

Le plus trognon : Et les enfants alors ? Le Musée d’Orsay a imaginé pour eux « Promenades imaginaires », treize histoires sur ses collections, et « Au pays des monstres », cinq contes inspirés de l’univers de Léopold Chauveaux, héros de sa dernière expo.

Paroles d’individus !

Les plus féminins : « Femmes d’arts » et « Les PassionariArts », donnent la parole au beau sexe.* Lancé par Marie-Stéphanie Servos, journaliste chez ELLE, le premier s’assortit d’un compte Instagram très esthétique. Le second est présenté par Adeline Cubères, fondatrice d’Artwork in promess, qui accompagne la création d’œuvres d’art pour des partenaires donnés.

Le plus pro : On ne présente plus Jean de Loisy, ancien président du Palais de Tokyo, à la tête des Beaux-Arts de Paris. C’est lui qui anime « L’art est la matière » sur France Culture, où il commente l’actu des musées, aux côtés de leurs acteurs.

Le plus pointu : Raphaëlle Le Baud est tombée dans la marmite des métiers d’art, en 2010. Depuis, elle a créé le podcast « The Craft Project », et le Think Tank du même nom, afin de penser à l’avenir des artisans qui passent derrière son micro.

Le plus vivant : Ils sont deux à l’origine du podcast « Le Bruit de l’art », Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne, historiens de l’art qui font en sort d’interviewer un artiste tous les quinze jours.

Le plus pétillant : « Bav{art}dages », sur France Inter, c’était lui. Dans « Bulle d’Art », Julien Baldacchino ne fait plus parler les œuvres. Il les commente lui-même, avec bienveillance, de même que ses artistes, ou expositions-coups de coeur.

* J’allais écrire « galanterie oblige », jusqu’à ce que je me penche sur l’étymologie du mot. Galant, vient de l’ancien verbe galer, qui signifie dissiper en plaisirs, lequel découle de l’ancien bas francique wala, à savoir bien, soit well, en anglais. En voilà un puits (a well, toujours en anglais) de contradictions sans fond ! Sans oublier le dérivé gallo-romain walare, qui veut dire se la couler douce.

Rembobinons (et non embobinons). En inversant le « l » et le « a » de galant, on passe de glander (walare) à bien (wala), et s’amuser (galer). Hey, gals (variante de girls, en américain) ! Attention ! Apparemment, l’habit ne fait pas le damoiseau.

Cet article Appels d’art est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article Artistes et Robots : Argo est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

1) Kiefer 100% baba

> Kiefer Rodin Cathédrales, du 14 mars au 22 octobre, au musée Rodin, Paris

2) Un « saint » honoré au Grand Palais

Rodin n’avait rien d’un enfant de cœur, mais quel talent ! Il est souvent décrit comme “le meilleur sculpteur après Michel Ange”. On ne présente plus L’Homme qui marche, Le Penseur, La Porte de l’Enfer… Le Grand Palais a aussi voulu levé le voile sur des aspects moins  connus de son œuvre, notamment en montrant l’influence qu’elle a eue sur d’autres artistes, tant disparus que contemporains. Fortes de plus de 200 chefs-d’œuvre rodiniens, la rétrospective en question comporte également des travaux de Bourdelle, Brancusi, Picasso, Matisse, Giacometti, Beuys, Baselitz, Gormley… Et si, pour une fois, l’on avait le droit d’avoir les yeux plus gros que le ventre ?

> Rodin : l’exposition du centenaire, au Grand Palais, du 21 mars au 31 juillet 

3) Tarte à la Reine-Claudel

Après cinq ans de travaux, constamment interrompus, le musée Camille Claudel ouvre enfin ses portes à Nogent-sur-Seine. Si l’élève a depuis longtemps dépassé son maître, si son talent a été reconnu indépendamment de celui qui fut son amant, elle demeure cependant dans l’ombre  de ses contemporains, parmi lesquels Afred Boucher (1850-1934). Sur 250 sculptures, seules 39 sont d’elle.  ”Nous voulions honorer la mémoire de trois artistes nogentais qui permettent de remettre son œuvre dans son contexte”, argue Cécile Bertran, la conservatrice du musée. Que l’on se rassure, Camille n’intervient pas comme la simple cerise sur le gâteau.

> Ouverture officielle, le 26 mars 

4) Éclair de génie à la Doillon

On l’a tant de fois conté, que le récit des amours entre Auguste Rodin et Camille Claudel est presque devenu une tarte à la crème.  C’est pourquoi Jacques Doillon, dans son nouveau film, ne se contente pas  de relater cette passion de dix ans, mais retrace aussi des aventures « moins tyranniques » entre le maître et ses modèles, ainsi que sa relation avec Rose, sa plus fidèle compagne. Vincent Lindon sera-t-il à la hauteur de la prestation de Gérard Depardieu dans le Camille Claudel de  Bruno Nuytten (1987) ?

> Rodin, de Jacques Doillon, avec Vincent Lindon, sortie le 24 mai 

5) Pièces montées à la Monnaie

C’est dans la poche ! La Monnaie de Paris a frappé non des cafés, mais une pièce de 2 euros à l’effigie de Rodin. On doit certains motifs de cette série exceptionnelle à Monsieur Christian Lacroix.

> Distribution entre février et novembre 2017

6) Paris, Brest, et/ou ailleurs

Une brochette d’expositions dans toute la France rend hommage au maître de la sculpture moderne, au musée des Beaux Arts de Calais, à Lyon, Aix Les Bains…  La liste des manifestations à la carte est plus longue que menue.

En espérant que ces teasing vous mettent l’eau à bouche…

Cet article Rodin souffle ses 100 bougies est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Fantin-Latour mi-figue mi-raison

Un titre est le manifeste d’une pensée. Le mien (je ne dis pas qu’il est bon) suggère le flou qui enveloppe certaines œuvres de Fantin-Latour ainsi que ses intentions. Celui du musée du Luxembourg annonce deux axes qui auraient pu être mieux développés.  

« À fleur de peau » évoque l’hypersensibilité du peintre, qui flirta à l’occasion avec le romantisme, et sa pratique virtuose des natures mortes. C’est ce que l’on devine au fil des salles et qui aurait mérité d’être explicité d’emblée. De même que dans « Chefs-d’œuvre de Budapest », le spectateur reçoit des pistes de réflexion que les commissaires avaient la charge de structurer. Or la scénographie se contente de mimer les contradictions qui traversent l’œuvre de Fantin-Latour sans jamais les dépasser. À un exposé binaire s’oppose une lecture dialectique, indispensable pour qui souhaite éviter les contresens, tel « À voile et à vapeur ». Sous-titre hypothétique, ce dernier évoque les paysages en bord de mer montrés dans l’avant-dernière salle de l’exposition ainsi que « la vaporisation des traits » (sic) caractéristiques de la peinture de Fantin-Latour. L’expression en soi peut aussi renvoyer à l’homosexualité de Delacroix à qui le peintre vouait une admiration sans bornes, comme en témoigne le célèbre Hommage à Delacroix (1838), qui ponctue la première galerie.

Malheureusement ou heureusement, la carrière de l’artiste ne se réduit pas à ces trois dimensions. Revenons à l’exposition, tantôt cerise, tantôt pourpre, les cimaises se cantonnent à une palette chaude. Comme quoi les contrastes ne sont pas si marqués ; les contraires, pas si éloignés. Chaque division se pense comme une blessure à panser. La photographie, par exemple, compense l’écart, l’hésitation entre le dessin et la peinture. La première salle se divise entre deux pôles : à gauche, les toiles réalistes ; à droite des productions romantiques, au sens où elles sont chargées d’une plus grande expressivité. Foin du pleinairisme, qui définit, par la négative l’esthétique du peintre. D’un côté, les natures mortes ; de l’autre, les portraits. Un peu plus loin, on comprend le lien entre les deux. Face aux études de fleurs, de feuillages, les soeurs Fantin-Latour posent dans la fleur de leur âge. Les compositions florales de leur frère ont parfois plus d’humanité que ses portraits. C’est le bouquet ! À l’inverse ses autoportraits croqués, et à croquer, regorgent de vitalité. Lui qui ne pouvait voir l’impressionnisme en peinture, représente Manet dans Un atelier aux Batignolles. Cette énième ambiguïté accuse la complexité de sa poiétique. Oyé, parfaitement, puisqu’il s’agit de remettre des points sur les «  i »  ici. Quant à la photographie, dans l’avant-dernière galerie, elle transcende l’alternance dessin / peinture.

On pourrait prendre Coin de table comme manifeste, comme programme de l’œuvre de Fantin-Latour. Ce chef-d’œuvre de 1872 résume à lui seul les problématiques précédemment soulevées. De nombreux dessins préparatoires permettent de suivre l’évolution de cette toile. Originellement conçue à la gloire à Baudelaire, elle s’inscrit dans une série d’hommages rendus à diverses personnalités, de Delacroix à Berlioz, en passant par Wagner et dont la plupart dégénèrent en portrait de groupe. Y figurent douze hommes (de lettres) en colère. Au centre, Émile Blémont, le rédacteur en chef d’une nouvelle revue, Coin de table, entouré de Pierre Elgar et Jean Aicard. Avec Léon Valade, Ernest d’Hervilly, Camille Pelletan, ils représente le mouvement parnassien sur la pente du déclin, tandis que Verlaine et Rimbaud, isolés à gauche, incarnent la modernité en poésie. Le couple est aussi connu pour sa rupture passionnelle. Ainsi, le tableau se présente comme un lieu d’affrontements, à cheval entre réalité et fiction ; Latour n’a pas rencontré Delacroix, par exemple. Le bouquet de fleurs à droite symbolise le poète Albert Mérard. On en revient à l’humanité de la nature morte. La genèse de cette œuvre remonte à 1864 : Fantin projette de présenter au Salon de 1865 un Repas dont le acteurs porteraient un toast à un artiste universellement reconnu. Rembrandt ou Velasquez ? Ce sera Rembrandt, puisqu’il en question plus bas…

Fantin-Latour. À fleur de peau, jusqu’au 14 février. Musée du Luxembourg, Paris

La vie inversée de Hergé

Pourquoi commencer par la fin ? Par souci d’originalité ? Par mimétisme ? Tout le monde sait que le pseudonyme Hergé vient de l’inversion des initiales de Georges Rémi.

« Tout le monde sait ». Tel est sûrement le préjugé qui taraudait les commissaires lors de la conception de cette rétrospective tant attendue. D’où la volonté accrue de se distinguer. Un objectif qui explique le sens du parcours et les efforts ostensiblement investis dans la scénographie. Si la première salle présente le dessinateur sous un jour nouveau, celui d’un collectionneur d’art moderne, la dernière revient sur ses débuts. Entre ces deux extrémités, s’enroule le fil d’une vie remplie. Des années 1970 on aboutit aux années 1920, où Hergé se lance corps perdu dans le neuvième art. Sur les cimaises, les textes cèdent la place à des reproductions géantes de ses albums. Serait-ce pour palier un manque de prêts ? Ou bien seulement pour divertir le visiteur averti ? Bien que suspect, ce remplissage, pour ne pas dire coloriage à grande échelle, a le mérite d’égayer l’espace du Grand Palais que l’on redoute parfois de parcourir tant il est chargé d’œuvres et, partant, de cartels. Autre surprise : le Capitaine Haddock passe pour le grand absent de cette exposition. Lui qui est toujours mis en avant, reste cette fois-ci dans l’ombre de Tintin, entre autres personnages. Heureusement le retrouve-t-on dans la boutique du musée, où l’on est tenté de passer autant de temps que dans les salles d’exposition. Tonnerre de Brest ! Ça « commence » (ou finit ?) mal.

Hergé, jusqu’au 15 janvier. Grand Palais, Paris

Magritte à coups de dynamite

Et non de marteau, quoique le Centre Georges Pompidou se concentre sur la relation qu’entretenait le surréaliste belge avec la philosophie. Un parti-pris novateur jusque dans la scénographie. Chaque thème est illustré d’une toile classique. Coup de cœur de la rentrée.

Magritte, la trahison des images, jusqu’au 31 décembre. Centre Georges Pompidou, Paris

Wild Wilde

Le jeu de mots est facile, je le concède volontiers. Autant que le procédé qui consiste à parsemer les salles d’exposition de citations. Heureusement la galerie centrale vaut le détour. Celle-ci abrite une série de toiles que l’écrivain critiqua dans la presse. Textes à l’appui. What would be the point, otherwise ?

Oscar Wilde, jusqu’au 15 janvier, Petit Palais, Paris.

En rang devant Rembrandt

L’exposition remplit son contrat. On sait que l’on sera serré comme des sardines. On sait que les expositions temporaires à Jacquemart-André sont plutôt classiques, même si le terme reste à définir. On sait à quoi s’attendre. C’est pourquoi le regard et le jugement restent tendres.

Rembrandt intime, jusqu’au 23 janvier. Musée Jacquemart André, Paris.

Mais aussi…

Bouchardon, jusqu’au 5 décembre. Louvre, Paris.

L’œil de Baudelaire, jusqu’au 29 janvier. Musée de la vie romantique, Paris.

Tout est art ? Ben au Musée Maillol, jusqu’au 15 janvier, Paris.

Buffet. Rétrospective, jusqu’au 26 février, au Musée d’art moderne de la Ville de Paris.

Plus jamais seul. Hervé Di Rosa et les arts modestes, jusqu’au 22 janvier. Maison rouge.

Robert Doisneau, jusqu’au 18 janvier. Museum National d’Histoire Naturelle, Paris.

Ludwig van, le mythe Beethoven, jusqu’au 29 janvier. Philharmonie, Paris

Et les doublement, voire triplement monographiques. Les bigraphiques, les trigraphiques ?

Picasso. Giacometti, jusqu’au 5 février. Musée Picasso, Paris.

Hodler, Monet, Munch, jusqu’au 22 janvier. Musée Marmottan, Paris.

Et j’en passe…

Face à ce cataclysme d’expos, l’humeur est aux néologismes.

Cet article Les « mono » expos, yes or no ? est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Le Grand Palais est en travaux ? C’est la première idée qui émerge face aux conteneurs postés dès l’entrée. « On n’y voit rien ». Le titre de feu l’historien de l’art Daniel Arasse convient. Passé le premier virage, à droite, on adopte un point de vue longitudinal qui ne change rien à l’impression originale : on nage en plein cauchemar !

L’installation que propose Huang Yong Ping, cette année, consiste en huit « îlots » (angulaires) survolés par le squelette d’un serpent géant (254 m de longueur). Le chiffre huit symbolise la totalité de l’univers en Chine. Au milieu, un bicorne napoléonien de plus de trois tonnes. Cette réplique en résine, métal et goudron évoque l’ambition et le pouvoir, considérés par l’artiste comme l’un des moteurs de l’évolution.

La disproportion de ces éléments souligne certes la dimension onirique de l’œuvre, mais aussi les contradictions qu’elle renferme. CMA CGM, le troisième groupe mondial de transport maritime et le numéro français, est partenaire de Monumenta2016. À quoi bon s’appuyer sur les acteurs de la mondialisation pour dénoncer la mondialisation ? On comprend pourquoi le serpent de Huang Yong Ping tend à se mordre la queue. Attention ! Le peu de cartels présents (il faut laisser parler le décor, n’est-ce pas ?) s’accordent à nier toute intention critique : ce sont des pistes de réflexion, et non des piques, qui sont ici lancées. Admettons. Dans ce cas, pourquoi l’atmosphère créée est-elle si dysphorique ?

Quel que soit le sens de cette œuvre, elle est hideuse. Tel est l’écho répété en boucle sous la nef du Grand Palais. « C’est moche ! » « C’est laid ! » « Tu comprends, toi ? » Là où le dossier de presse vante une mosaïque de couleurs, on voit un chaos sans fin et sans fond. Il est là le hic. Les uns se projettent dans une décharge peuplée d’une carcasse et d’un vieux chapeau. Ceux qui se complaisent dans une vision maritime semblent plus proches de la vérité, puisque le plasticien naturalisé français est né dans une ville portuaire du sud de la Chine. Peut-être ce Jurassic Park apocalyptique aurait-il été plus attractif en plein air ? Non, l’épine dorsale du reptile ne sert pas de toboggan. Elle se compose de 316 vertèbres et 568 côtes aux accents carcéraux. Let us out !

Il faut atteindre la sortie pour trouver un angle intéressant. Les courbes du squelette épousent enfin l’architecture du Grand Palais. Les arêtes du monstre décharné sont parallèles à celle du bâtiment. Dans ce paysage relativement harmonieux, la gueule béante du serpent paraît prête à dévorer le couvre-chef de l’empereur disparu. C’est d’ailleurs à cet endroit précis que se tient le commissaire d’exposition. Jean de Loisy ! Celui-là même qui vient d’inviter l’atrabilaire Houellebecq au Palais de Tokyo. L’un des responsables d’ « Une brève histoire de l’avenir », exposition inspirée d’un essai des plus pessimistes de Jacques Attali. Exit les Bisounours ! Sauve qui peut dans cette course aux rabat-joies !

Cet article Monumenta ou le flop monumental est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article La FIAC en vrac est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article Élisabeth Vigée-Lebrun, enfin ! est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Les uns vénèrent le père, Jean-Honoré (1732-1806) ; les autres espèrent en savoir plus, prochainement (dès le printemps 2016, à Dijon), sur le fils, Alexandre-Évariste (1780-1850). Leur descendance est, elle, associée à une fragrance, vendue dans le sud de la France et, aujourd’hui au sortir du nouveau parcours que propose le musée du Luxembourg (de même, Francis Kurkdjian lance pour le Grand Palais un flacon inspiré du portrait de Marie-Antoinette signé Élisabeth Vigée-Lebrun). Au lieu d’un aller-retour rectiligne, se succèdent des virages qui semblent mimer les aléas de l’amour, thème nodal de cette délicieuse exposition.

Un banquet de roses

Le motif de la rose est au cœur de l’œuvre de Jean-Honoré Fragonard, souvent perçu comme un fieffé libertin. Il apparaît déjà dans Psyché montre à ses sœurs les présents qu’elle a reçus de l’Amour (1753-1754), tableau de ses débuts. Symbole de pureté, cette fleur romantique par excellence orne certains cadres. Quant au Sacrifice de la rose, exposé dans la dernière salle, il évoque, rien que par son titre, une jeune fille en passe de perdre sa virginité.

Couleur a priori féminine, le rose est omniprésent dans la peinture de Fragonard, en tant que garant de sa sensibilité. Les teints porcelaine aux contours vaporeux semblent préfigurer l’aspect nuageux des toiles d’Auguste Renoir, si ce n’est que l’impressionniste préfèrera décliner les mauves. On retrouve la même délicatesse de tons tant dans les huiles que les pastels d’Élisabeth Vigée-Lebrun, remarque empruntée au commissaire de la rétrospective qui débute seulement au Grand Palais.

Homme à femme(s)

Contrairement à une idée reçue, Fragonard a moins l’esprit mal tourné, que tourné – tout simplement – vers les femmes. Sa « position » est davantage celle d’un voyeur, amoureux du beau sexe, à qui il donne le beau rôle. Une toile telle que La résistance inutile, par exemple, est chargée d’ambiguité. Qui domine ou doit dominer les ébats ? L’homme qui se jette sauvagement sur la soubrette, ou l’inverse ? La résistance est-elle, au contraire, inutile car précisément consentie ? Le désordre des draps dénote-t-il la violence ou la fougue du prétendu agresseur ? Le traversin ressemble a un sexe masculin au repos. Volonté ou étourderie de l’artiste ?

À l’époque de Fragonard, la lecture était encore une activité virile. Pourtant l’artiste, lui-même bibliovore, aimait à figurer ses gracieux modèles en possession d’un livre ; une façon d’universaliser, pour ne pas dire démocratiser (nous ne sommes qu’au temps des Lumières), l’accès au savoir. Fragonard, chienne de garde et/ou gardien de chiennes menottées à leur désir de liberté ? La lecture de Pierre-Antoine Baudoin, autre libertin que les conservateurs ont décidé de mettre en avant, va plus loin dans le sens où elle étend l’indépendance des femmes à la masturbation, plaisir solitaire que l’on croyait à l’origine réservé aux hommes. Sous couleur d’élégance, Fragonard ne fait pas dans la dentelle.

De la fragilité dans l’agilité

Un parallèle s’impose dès lors entre sexe et peinture. Illustrateur de contes licencieux, Frago – surnom qu’il s’est lui-même choisi – travaillait ses toiles au corps. « Je peindrais avec mon cul ». L’expression, galvaudée, prête à l’artiste une vulgarité que corrobore certes une partie de son œuvre, mais qui atteste surtout la passion que lui inspirait ses pinceaux. La fulgurance et la vigueur apparentes de certains traits trahissent une urgence, un besoin incoercible de coucher… la couleur sur quelque support. Les pigments ne giclent pas tant qu’ils émergent de leurs tubes, dans un jet maîtrisé par ce coloriste hors-pair. À la lueur de ce rapprochement, la peinture de Fragonard apparaît finalement comme un creuset de fantasmes inassouvis.

Au-delà de ces pulsions sublimées, de ces odes en trompe-l’œil à la luxure et à l’adultère, se profile pourtant un romantique en puissance. Puits intarissable d’histoires scabreuses – telles les infidélités de Zeus – la mythologie greco-romaine que Fragonard illustrait dans l’atelier de François Boucher reflète une émotion qui le distinguait de ses contemporains. « Fragonard a fait craquer le verni de son maître », déclare le commissaire Guillaume Faroult. Son mérite consistait à peindre, avec des sentiments, l’amour sans sentiments. La vérité, celle que s’évertue à transmettre le musée du Luxembourg, c’est que Jean-Honoré Fragonard était heureux en ménage. D’où la production de compositions plus morales, tel Voeu d’un amour éternel, qui achève de briser, en fin de parcours, le mythe d’un artiste volage.

Fragonard amoureux galant et libertin, jusqu’au 24 janvier. Musée du Luxembourg, Paris.

REGARDER AUSSI : la vidéo liée à cet article.

Cet article Fragonard pour l’amour de l’art est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article Les dessous de ‘L’Atelier’ de Gustave Courbet est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Née en France, élevée puis expatriée, de son gré, aux États-Unis, Niki de Saint Phalle incarne, à bien des égards un paradoxe dans lequel nous plonge d’emblée la scénographie de l’exposition. En proie très jeune à de nombreuses angoisses que cultive éhontément un père incestueux, elle se réfugie dans l’art, un univers où la mort se mêle à une palette colorée. Si rien n’est, à ses yeux, ni blanc, ni noir, le spectateur évolue lui entre des murs gris (ce doit être la mode), au sein d’une terre inconnue qui se teinte à la lumière des thématiques traitées. La maladie, le féminisme, la beauté… autant de concepts fragmentant et cristallisant la personnalité de cette femme phénoménale.

Saint Phalle bicéphale

La presse titre, à l’unisson, une « sacrée/super nana » ; alors même que l’exposition souligne la dualité du personnage. Autodidacte, l’ancien mannequin fétiche de Vogue, Harper’s Bazaar et Life Magazine, s’inspire ouvertement de l’œuvre de Gaudi et de Dubuffet. Les « drippings » (de drip, en anglais, qui signifie couler) de Pollock lui donnent l’idée géniale de tirer sur des surfaces verticales contenant des poches de peinture recouvertes de plâtre blanc. Au coup de feu répond ainsi un coup de maître. « J’ai eu la chance de rencontrer l’art parce que j’avais, sur un plan psychique, tout ce qu’il faut pour devenir une terroriste. Au lieu de cela j’ai utilisé le fusil pour une bonne cause, celle de l’art. »

Cet acte de violence trouve écho dans les thèmes qu’aborde l’artiste névrosée au début de sa carrière, dans les années 1950. Après un séjour à l’hôpital psychiatrique où elle se voit diagnostiquer une schizophrénie aiguë, Niki de Saint Phalle se met à peindre (sur) la mort. Féministe engagée, elle affirme son sérieux au travers de thèmes aussi intriqués que la maternité, l’accouchement, la prostitution, le mariage, que la naïveté apparente de son style aurait pu remettre en question si elle n’avait su jouer de son image. Or, la récurrence de certains sujets et ses interventions répétées dans les médias légitiment sa volonté d’asseoir la suprématie de la femme dans une société largement dominée par le sexe masculin.

Toutefois, la visage qu’offre Saint Phalle de la femme s’avère lui-même contradictoire. Face aux jeunes filles sexuellement abusées, aux épouses claquemurées dans leur vie domestique, s’opposent des des mère castratrices ou bien des femmes épanouies dans leur grossesse, dont Clarisse Rivers lui offre un bel exemple. Où se situe la sculptrice dans ce jardin d’ogresses ? L’ex-top model souffrait-elle à ce point de sa féminité, de sa beauté qu’elle ressentit le besoin de projeter sa force, sa rage, de vivre, de créer, sur tant d’ingrates silhouettes ? La théorie vaut ce qu’elle vaut. « Je passerais ma vie à questionner. Je tomberais amoureuse du point d’interrogation ». D’une extrême richesse, l’exposition enjugue le spectateur à la même ponctuation.

« Niki de Saint Phalle », du 17 septembre au 2 février, au Grand Palais, Paris 

Cet article Niki de Saint Phalle, triomphale est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.