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Parce que le meilleur se garde traditionnellement pour la fin…

Les – : trop-plein de Normandie 

1) L’espace : Rien à faire ! Le parcours des expositions temporaires est toujours aussi peu confortable. La cinquième salle se clôt en cul-de-sac. Demi-tour toute, à contre-courant des visiteurs qui peinent également à nous dépasser, pour découvrir les trois derniers volets de la manifestation.

2) La foule : Et du monde, il y en a ! Preuve de promiscuité ou de qualité ?

3) Le sujet :  À force d’en manger, on ne sait plus à quelle sauce va nous être servi l’impressionnisme. Ici, le courant a été découpé en tranches géographiques. Que Renoir, Monet, Caillebotte passaient le plus clair de leur temps en Normandie, on le sait. En ce sens, le défi relevé par Jacquemart – pour les intimes – semble un peu faiblard. À croire que le commissariat s’est contenté de faire l’appel des peintres qui ont convergé à Cherbourg, Rouen, Honfleur… autant de villes qu’il y a de salles.

Les + : tremplin vers la Normandie

1) Le timing : L’intérêt de l’exposition tient surtout à son contexte. On ne pouvait rêver mieux pour ouvrir la troisième édition du festival Normandie Impressionniste. Plus besoin de contacter l’office de tourisme : se déploie sur les cimaises du musée Jacquemart-André l’itinéraire d’un potentiel road-trip dans le Nord-ouest français.

2) La sélection : Les thuriféraires de l’impressionnisme ainsi que les béotiens en art – pour renforcer le lexique antique – trouveront leur compte dans cet accrochage certes scolaire, mais clair. À des tableaux familiers, se conjuguent des œuvres inconnues. Les deux Renoir nodaux rayonnent de fraîcheur. Préférence toute personnelle pour les petits formats signés Morisot, amour de jeunesse.

3)  Le lieu : Cette visite est aussi l’occasion de parcourir, pour la première ou la énième fois, le musée Jacquemart-André, cet hôtel particulier peuplé de grands maîtres. Botticelli ? Boucher ? Canaletto ? Donatello ? Titien ? Présent ! Présent ! Présent ! …

L’atelier en plein air. Les impressionnistes en Normandie, jusqu’au 25 juillet. Musée Jacquemart-André, Paris. 

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C’est le qualificatif-pivot du premier cartel d’exposition. Visionnaire au grand flair en matière d’art, Paul Durand-Ruel (1831-1922) revêt aussi les statuts de bourgeois, veuf, catholique et monarchiste. Pourtant nul conflit ne semble avoir jamais éclaté entre ses opinions politiques, religieuses et artistiques. À ce pseudo duel idéologique, répond le combat de toute une vie, puisque le galeriste n’a jamais cessé de promouvoir la peinture impressionniste à travers le monde.

Un faux conflit intérieur

Ce qui aurait pu être un critère discriminant n’a jamais été retenu par Paul Durant-Ruel. Ce « vieux chouan », ainsi que le surnommait Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), ne laissait pas son orientation politique entraver sa vision de l’art. D’où son soutien au communard Gustave Courbet (1819-1877), à l’anarchiste Camille Pissarro (1830-1903) ou encore aux républicains, presque homonymes, Edouard Manet (1832-1883) et Claude Monet (1840-1826).

Contraint à la fuite lors de la guerre franco-prussienne et de la Commune, le collectionniste français gagne Londres, en 1870, où il ne cesse de pratiquer son activité. L’exil s’avère finalement salutaire puisque Durand-Ruel fait, à travers le graveur Charles-François Daubigny (1817-1878), la connaissance de Monet et de Pissarro. Les deux artistes avaient déjà exposé au Salon à Paris la décennie précédente, mais le marchand expatrié tombe amoureux de leurs représentations lumineuses de la capitale anglaise. À son retour, Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) et Berthe Morisot (1841-1895) retiennent son attention, au point d’être rassemblés au sein d’une première exposition collective, chez le photographe Nadar (1820-1910), en 1874.

L’avocat du diable impressionniste

Ainsi naît l’impressionnisme, un courant peu apprécié en son temps et que Durand-Ruel défendra becs et ongles toute sa vie durant. Dès 1876, le “vieux chouan” lui consacre une exposition dans sa galerie. Une manifestation dont l’écrivain Théodore Duret (1838-1927) pensait qu’elle allait « attirer l’attention et [être] décisive pour l’ennemi ». L’ennemi, à savoir la critique favorable à la peinture académique. Le primat de cette dernière explique le barrage que formaient les institutions françaises face à l’impressionnisme. Le musée des beaux-arts de Lyon est le premier à solliciter Paul Durand-Ruel pour l’acquisition, en 1901, d’une toile de Renoir intitulée Femme à la guitare. Les réticences de la commission d’acquisition poussent le maire de la ville à s’exprimer sur ce tableau qu’il juge digne d’être exposé dans un musée public. Autre tactique de Durand-Ruel pour imposer ses idées : il organise des expositions individuelles de Boudin, Monet, Pissarro et Sisley. Conspué par certains artistes, ce concept personnalisé, inédit en France, tend à crédibiliser une peinture encore injustement contestée.

« Je travaille avec une ardeur que vous ne soupçonnez pas pour recruter de nouveaux amateurs et chauffer les autres. Je gagne du terrain chaque jour (…) et nous finirons bien par triompher », écrivait l’expert à Claude Monet, le 15 janvier 1886. Durand-Ruel ne croyait pas si bien dire sachant qu’il remporte, au même moment, ses premières victoires à l’étranger. Ses fils et lui exportent des œuvres à Londres, à Berlin et à Boston, en 1883, puis en 1886, à New York, où il finit par ouvrir une galerie. À cet égard, la conquête des États-Unis marque un véritable tournant dans l’entreprise du marchand. Durand-Ruel traite avec des amateurs fortunés, dont les Havermeyer à NY, les Palmer à Chicago ou encore Alexander Cassatt, le frère de Mary, à Philadelphie. En 1905, se voient réunies aux Grafton Galleries de Londres plus de 300 œuvres de son mouvement fétiche. Il s’agit sans doute de la plus grande exposition impressionniste – quantitativement parlant – jamais organisée. Quelle meilleure façon pour le musée du Luxembourg de conclure que sur ce brillant succès ?

« Paul Durand-Ruel. Le pari de l’impressionnisme », du 9 octobre au 8 février 2015, au Musée du Luxembourg, Paris

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Quelle chance de passer toute une journée dans l’enceinte d’un des plus grands musées américains. Il suffisait de demander !

11h55 : Monroe, sur la Blue Line, est la sortie la plus proche. Je m’engage dans la rue du même nom, en direction de Millenium Park. Passés quatre « blocks », soit quatre pâtés de maison, un passage clouté embrasse la largeur de Michigan Avenue. Porte trapue réservée aux « Staff » (le personnel) et « Visitors ». Légère pression sur l’interphone. Aucune réponse. Seconde tentative. Sésame, ouvre-toi. Un étroit couloir en pente mène jusqu’à un agent de la sécurité. Deux registres à signer avant de rencontrer l’instigatrice de mon immersion artistique.

11h-12h20 : Visite guidée de l’exposition « Magritte : The Mystery of the Ordinary » en compagnie de Stéphanie D’Alessandro. Pas un bruit alentour. À croire que les toiles du peintre belge aspirent les spectateurs un à un.

12h20-13h : Déjeuner-express au Museum Café. Ne pas se fier à ses airs de cantine. Chaque stand de ce self haut de gamme, sert des plats fort raffinés, du confit de canard au cabillaud poché en passant par les pommes de terres rôties et les brocolis « vapeur ». Le plus impressionnant demeure l’étalage de desserts trônant au milieu de la pièce. Liquorice-coffee (réglice-café), triple chocolate, banana-walnut (banane-noix), carrot-cumin… Vive les cup-cakes et leur glaçages en spirale ! Networking… Oui, à force de manger de l’anglais toute la journée, je suis condamnée à recracher des anglicismes.

13h-14h : Rendez-vous avec Gloria Groom, conservatrice des salles consacrées à la peinture européenne du XIXe siècle. Flashback sur notre première discussion, il y a deux ans, dans le cadre de l’exposition « L’impressionnisme et la Mode », montrée à Paris, New York et Chicago. Double bise « à la française » avec scansion de mon nom. À croire qu’elle se souvenait de moi. Suffisamment pour vouloir me présenter à l’ensemble de son équipe. Interview-éclair dans son bureau sur la perception du mouvement impressionniste aux États-Unis. Croyant bien faire, mon interlocutrice entame une réponse en français. J’insiste pour qu’elle recoure à anglais. Elle semblait toutefois tenir à pratiquer ma langue. De mon côté, je comptais l’exploiter pour enrichir mon vocabulaire. S’ensuit un dialogue franco-anglais des plus décontractés. Visite privée de son département interrompue par la rencontre d’un « compatriote », Sylvain Bellenger, conservateur des peintures et sculptures européennes, médiévales et modernes depuis l’année 2012. L’Art Institute par-ci, l’Art Institute par là. « Vous avez vu, nous sommes les meilleurs en ceci, et les premiers à avoir effectué cela ». Un peu de retenue ! Même Rebecca Balwin, l’attaché de presse à qui je dois cette journée, n’en ferait pas autant. Sensible à la gêne qui s’instaurait, Gloria m’exhorte devant le fameux tableau « Rue de Paris, temps de pluie » (1877) de Gustave Caillebotte. Sa restauration date d’il y a trois mois à peine. Remarque quant aux murs récemment passés du gris souris à l’ardoise. Emprunt à la l’exposition Magritte dont la scénographie suscite encore des réactions mitigées. Adieux cordiaux…

14h-16h : … suivis d’un entretien avec Allison Langley, conservatrice assignée à la peinture moderne. Savoir prendre son mal en patience. J’aurais dû penser à cela avant de rechigner à l’idée de regarder une série de diapos. Grâce au powerpoint de ma nouvelle hôtesse, je vais pouvoir lancer ma chronique dédiée aux tableaux dissimulant une d’autres peintures (épisode 1 à paraître en septembre). Inversement, au terme de cette précieuse projection, j’étais loin d’imaginer que j’accèderais aux coulisses de l’Art Institute. C’est pourtant là que j’ai atterri, au milieu d’œuvres en cours de restauration. Cri d’effroi ! Allison s’empare nonchalamment d’une toile colorée. Ceci n’est pas une croûte, mais un Braque qui aurait pris l’eau. Ce que l’on pourrait prendre pour de la négligence ou un travail volontairement inachevé apparaît, lunettes grossissantes sur le nez, comme un accident malencontreux dont il faudra à mon guide trois semaines pour le corriger. Ce n’est rien comparé à la fresque du XIVe siècle dont l’inauguration n’aura pas lieu avant 2026. “2026 !” renchérit Allison soulignant le naturel avec lequel sa collègue vient d’évoquer son labeur. À la question « quel aspect de votre métier préférez-vous » toutes deux s’accordent à rappeler leur bagage artistique. « C’est tellement agréable, après des mois de recherches, de se retrouver nez-à-nez avec une toile. » Un conseil déguisé à  appliquer sur le champ. D’où mon retour précipité face à la Toilette de Berthe Morisot, mon tableau préféré à l’Art Institue de Chicago.

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