Et alors ?

Une lumière tamisée éclaire des cimaises de couleurs. Question de conservation. Bleu, rouge, ocre…. La palette royale par excellence car, au XIVe siècle, le portrait se voulait l’apanage des saints et des souverains. Ce n’est qu’au XVIe siècle que les Pays-Bas, décor de cette première partie, ouvrent le genre à la bourgeoisie. Démocratisation qui s’accompagne d’une véritable stylisation. Aux fonds unis, austères, se substituent progressivement des paysages luxuriants, reflets d’humeurs diverses. La confrontation du Portrait d’un homme vu de profil (1513) de Quentin Metsys et de l’Autoportrait (1530-40) de Simon Bening, par exemple, illustre bien cette double évolution. Dans le premier tableau, le profil de Cosimo di Giovanni de’ Medici, à moins qu’il ne s’agisse du duc Philippe le Hardi – les historiens hésitent encore -, se découpe sur un aplat blanc. Le second arbore au contraire une nature verdoyante à l’arrière plan. Dans la salle suivante trône une large borne bordeaux, canapé circulaire caractéristique de l’époque étudiée. Ainsi se poursuit notre voyage dans le temps. La psychologie des modèles ressort au fil des toiles accrochées, comme en témoigne le Portrait d’un homme barbu au béret noir (vers 1530). Les mains du personnage attirent immédiatement le regard. L’une ajuste son couvre-chef ; l’autre, détient une bourse lourde de pièces d’or. L’artiste, Ambrosius Benson, aurait été contraint de les repeindre à la demande du propriétaire, sûrement soucieux d’inspirer le respect. La tendance est lancée : d’un réalisme pur et dur, dictant aux portraitistes de figurer l’homme conformément à l’apparence qu’a voulu lui donner Dieu, c’est-à-dire en respectant les dess(e)ins de la Création, on passe à des représentations idéalistes. A cet égard, L’Autoportrait (1558) d’Anthonis Mor, est une référence pertinente. L’artiste met tout en oeuvre pour se mettre en valeur. Vêtu d’un élégant costume, il fixe le spectateur avec assurance comme pour revendiquer son statut de peintre érudit. Le poème en grec qui surmonte sa palette conclut « Mor… parle ». Et pour cause, on le dirait prêt à dérouler un discours. Aussi le portrait, vecteur d’un individualisme croisssant, est-il progressivement devenu une forme de levier social.

Simon Bening, Autoportrait à l’âge de 75 ans, 1558

Et maintenant ?

Changement d’échelle, de siècle, de lumière, et surtout de support. Faces Now s’étire sur sept salles aux murs immaculés. Adieu gravures et huiles sur toiles, ici la photographie est à l’honneur, soit trente-deux artistes ayant contribué au renouvellement de l’art du portrait, en Europe – et non plus seulement aux Pays-Bas – au cours de ces deux dernières décennies. Les clichés sélectionnés se déclinent cette fois-ci en séries. Plutôt qu’une rupture, ces flagrantes différences ménagent une relative continuité avec l’exposition précédente. Les références à la Renaissance sont omniprésentes. Du bourgeois figé, la sphère du portrait s’est élargie aux passants, quoique l’attitude de certains évoque le hiératisme recherché par les peintres classiques. Debout, de trois-quarts, la Simone Veil de Christian Courrèges adopte la pose d’un conquérant des anciens temps. Les paysages en toile de fond s’urbanisent. Denis Darzacq braque son objectif sur des motards tandis que Boris Mickailov va à la rencontre des sans-abris ukrainiens. L’exploitation de la rue comme décor ou studio pose aussi la question du consentement. Si la noblesse du XVIè demandait à être portraiturée, de nos jours, il arrive très souvent que l’on soit photographié à son insu. C’est le cas des inconnus ciblés par Beat Streuli ou de Luc Delahaye. Parmi les volontaires, en revanche, certains contribuent activement à la mise en scène d’un cliché. Thomas Struth, par exemple, donne carte blanche aux familles qu’il sollicite. Cette liberté surprend : traditionnellement c’est l’artiste qui façonne son modèle.

Beat Streuli, Bruxelles, 2007

Ainsi, dans cette exposition, chaque clin d’oeil au passé nourrit une quête d’identité nouvelle, non plus celle d’une classe, d’une nation, mais bien celle d’une communauté unie dans la diversité. N’est-ce pas le propre de l’Union européenne, berceau des clichés présentés ? Enfin, dans ce jeu de miroirs et d’échos, le spectateur joue un rôle primordial. C’est à travers son regard que le portrait prend sens, prend vie. Encore faut-il que la contemplation soit consentie. Au Bozar, où Faces Then et Faces Now dialogueront jusqu’au 17 mai. A bons entendeurs-lecteurs…

 “Faces then / Faces now”, du 6 février au 17 mai, Bozar de Bruxelles. 

Cet article Bozar à double face est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Depardon en couleurs

 On l’associe d’ordinaire à des images en noir et blanc. Lui-même s’en explique. « Je n’imaginais pas la photographie en couleurs », déclare Depardon comme pour s’excuser. Pardon vite accordé, face à l’arc-en-ciel de clichés déployé. Aux« années déclic », première partie consacrée aux débuts du photographe, succède une section regroupant, sous le titre « Un moment si doux », ses œuvres les plus récentes, dont une série inédite dédiée à la ville de Marseille.

Un moment d’autant plus agréable, pour le spectateur, en présence de l’artiste. Si Hervé Chandès, directeur général de la Fondation Cartier pour l’art contemporain, attire l’attention sur un portrait d’Édith Piaff, des images de Beyrouth ou de Glasgow, entre autres, Depardon finit par prendre le relais. « On ne peut pas venir à Marseille sans prendre de photos ; de même que l’on ne peut s’exposer à Marseille sans y présenter des photos de Marseille». Ça ne pardonne pas, pour le dire grossièrement.

« Raymond Depardon. Un moment si doux », du 29 octobre au 2 mars 2015, au MuCEM, Marseille

Manger, ou ne pas manger ?

 L’entrée de l’exposition, ressemble à une allée de supermarché. Pas si surprenant. Intercalés entre des paquets de pâtes, de sucre, ou de café, des écrans diffusent des scènes étranges. Aussi étranges que la vidéo d’une femme dévorant un oignon (cf. affiche), laquelle clôt le parcours. Avant Marseille, “FOOD” a pris racine à Genève, Oberdan, et Sao Paolo. L’étape française rassemble 37 artistes internationaux offrant une réflexion différente sur les enjeux d’alimentation. Le musée doit à cinq d’entre eux d’avoir incorporé une partie de ses collections dans des installations tant insolites qu’inédites.

C’est le cas, entre autres, de Barthélémy Togo et d’Antonio Miralda. Le premier a relié charrues et herses par des câbles pour illustrer l’énergie dépensée dans les champs, mais aussi dans le gaspillage de nourriture. Quant au second, outre une reproduction de tranches de pains décolorées, il a réuni 124 objets, dont 80 sonnettes de tables et des pichets traditionnels, évoquant le caractère domestique d’un repas. Un seul peintre dans l’exposition : l’artiste grec Vassilis Zografos, qui a rejoint l’aventure marseillaise pour souligner un bouleversement social. Dans l’Antiquité, l’abondance de récoltes justifiait la présence de déchets sur les sols de banquets. Aujourd’hui, alors que la Grèce subit une crise économique, les gens ont faim. Les seuls aliments jonchant la terre sont des motifs de mosaïques. « La beauté sauvera le monde » ? Espérons que Dostoïevski ait raison.

Dans cet extrait,  Ymane Fakhir explique son travail.

« Food. Produire – Manger – Consommer », du 29 octobre au 23 février 2015, MuCEM, Marseille

A FAIRE : Monter sur le toit du MuCEM, où Gérald Passédat propose un buffet gastronomique digne de ce nom.

 À ÉCOUTER AUSSI : l’enregistrement lié à cet article. 

Cet article La crème du MuCEM est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article L’expo idéale #7 est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

MEs MOts d’expos : Vous revendiquez la récurrence de certains motifs dans votre travail, sa circularité. Si vous deviez retourner à un endroit tout de suite, quel serait-il et pourquoi ?

Mary Ellen Mark : J’adore l’Inde et le Mexique. Je trouve que les deux pays se ressemblent par leur aspect tant surréel, vivant, que déjanté.

MME : Qu’y photographierez-vous ?

MEM : Je referais bien une nouvelle série sur le cirque (en 1989 et 1990, la caméra de Mary Ellen a immortalisé dix-huit cirques indiens, NDLR).

National Circus of Vietnam, Lenin Park, Hanoi, North Vietnam, 1994

VOIR AUSSI : la vidéo liée à cette interview.

Cet article Meet Mary Ellen Mark est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Cet article Meet Mary Ellen Mark est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.