Paroles d’instituts !

 Le plus complet : Le Centre Georges Pompidou nous entraîne dans ses collections et expositions temporaires, passées (Boltanski, Bacon…) ou en cours (« Christo et Jeanne-Claude. Paris » aurait dû ouvrir, il y a peu), au travers d’enregistrements d’une demi-heure maximum (deux minutes par oeuvre).

Le plus incarné : La mini-série « Quand la peinture raconte Léonard » tourne autour du maître éponyme, dont le Musée du Louvre détient cinq œuvres. La Joconde, une pop star ? La Belle Ferronnière, une imposture ? Chacune fait l’objet d’un savoureux épisode de sept minutes chrono.

Le plus vertigineux : Conférences, débats, entretiens… autant de rendez-vous sonores classés par exposition. De « Design contre Design » (2007) à « Toulouse-Lautrec » (2020), c’est un véritable voyage dans le temps que nous propose Le Grand Palais.

Le plus mélodieux : Le Musée de l’Homme s’est associé à la Médiathèque musicale de Paris pour composer quinze trajectoires au diapason sa dernière expo, « Nous et les autres ». Une playlist décoiffante, allant de Duke Ellington à Miriam Makeba.

Le plus trognon : Et les enfants alors ? Le Musée d’Orsay a imaginé pour eux « Promenades imaginaires », treize histoires sur ses collections, et « Au pays des monstres », cinq contes inspirés de l’univers de Léopold Chauveaux, héros de sa dernière expo.

Paroles d’individus !

Les plus féminins : « Femmes d’arts » et « Les PassionariArts », donnent la parole au beau sexe.* Lancé par Marie-Stéphanie Servos, journaliste chez ELLE, le premier s’assortit d’un compte Instagram très esthétique. Le second est présenté par Adeline Cubères, fondatrice d’Artwork in promess, qui accompagne la création d’œuvres d’art pour des partenaires donnés.

Le plus pro : On ne présente plus Jean de Loisy, ancien président du Palais de Tokyo, à la tête des Beaux-Arts de Paris. C’est lui qui anime « L’art est la matière » sur France Culture, où il commente l’actu des musées, aux côtés de leurs acteurs.

Le plus pointu : Raphaëlle Le Baud est tombée dans la marmite des métiers d’art, en 2010. Depuis, elle a créé le podcast « The Craft Project », et le Think Tank du même nom, afin de penser à l’avenir des artisans qui passent derrière son micro.

Le plus vivant : Ils sont deux à l’origine du podcast « Le Bruit de l’art », Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne, historiens de l’art qui font en sort d’interviewer un artiste tous les quinze jours.

Le plus pétillant : « Bav{art}dages », sur France Inter, c’était lui. Dans « Bulle d’Art », Julien Baldacchino ne fait plus parler les œuvres. Il les commente lui-même, avec bienveillance, de même que ses artistes, ou expositions-coups de coeur.

* J’allais écrire « galanterie oblige », jusqu’à ce que je me penche sur l’étymologie du mot. Galant, vient de l’ancien verbe galer, qui signifie dissiper en plaisirs, lequel découle de l’ancien bas francique wala, à savoir bien, soit well, en anglais. En voilà un puits (a well, toujours en anglais) de contradictions sans fond ! Sans oublier le dérivé gallo-romain walare, qui veut dire se la couler douce.

Rembobinons (et non embobinons). En inversant le « l » et le « a » de galant, on passe de glander (walare) à bien (wala), et s’amuser (galer). Hey, gals (variante de girls, en américain) ! Attention ! Apparemment, l’habit ne fait pas le damoiseau.

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Il est mort à 28 ans. Mon âge. Difficile de ne pas se projeter, même inconsciemment. Si cette précocité force a priori la tendresse, Frédéric Bazille ne sort que rarement de l’ombre de ses contemporains, exposés en vis à vis. Avis à ceux que l’objectivation hégelienne taraude : ce destin pré-impressionniste donne encore plus envie de laisser une trace, et surtout de parfaire celle-ci avant de quitter cette terre.

Le parcours, thématique et chronologique, confronte les toiles de Bazille à celles de ses pairs, parmi lesquels Renoir et Monet, avec qui il partagea un atelier dans le 6ème arrondissement de Paris. Passées les premières salles nourries de cette profonde amitié, le spectateur est voué à s’arrêter devant un portrait qui fut longtemps considéré comme un autoportrait. Cette ténébreuse silhouette brossée sur un paysage normand, soulève une question : comment se représenter soi-même de profil ? L’autoportrait en question vient d’être attribué à Claude Monet, qui l’aurait exécuté, non au Saint-Sauveur comme l’indiquent certains titres sur internet, mais à Saint-Siméon. D’ailleurs, s’agit-il vraiment de Frédéric Bazille ? Pour peu qu’un modèle masculin de cette époque porte une barbe, il se voit immédiatement associé à Bazille, le hipster du XIXe siècle. La composition qui ponctue la section précédente contrarie cette intuition, au vu de la pilosité des personnages représentés. Ces réflexions me sont parvenues de la bouche d’un spécialiste qui sillonnait l’exposition en en soulignant haut et fort les défauts. Plus désagréable tu meurs, comme on dit.

Comme Bazille, à 28 ans. Autant dire que l’impressionniste en herbe n’a pas véritablement eu le temps de développer son style. C’est le sentiment qui domine au sortir du parcours, bien que celui-ci soit bien construit. Difficile, dans ces conditions, d’en dresser le profil artistique. La Normandie de Monet fait de l’ombre à ses scènes forestières. Sa palette se révèle, à peu de choses près, moins nuancée que celle de Renoir. Les bouquets de Fantin-Latour sont plus vivants que nature. Au milieu de ses maîtres, Bazille passe presque inaperçu. Presque. Le « nu étendu » qui marque ses débuts a beau s’inspirer d’« Olympia », il présente une technique et une sensualité à part. Ceci n’est, bien sûr, que mon humble opinion. Je regrette même que la boutique vende l’icône de Manet plutôt que la déesse bazillienne en carte postale. Là où le jeune peintre se distingue vraiment, c’est dans la représentation des lumineux remparts d’Aigues-Mortes. Voilà le filon qu’il aurait pu exploiter s’il avait vécu plus longtemps. Quel soulagement ! En fin de compte, sur lui, « le soleil se lève aussi ».

> Frédéric Bazille (1841-1870). La jeunesse impressionniste, jusqu’au 5 mars. Musée d’Orsay, Paris. 

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Ingénieur, collectionneur, peintre et régatier. Gustave Caillebotte jouit d’un statut particulier dans le mouvement impressionniste. C’est ce que révèle l’exposition « Caillebotte, peintre et jardinier » que propose actuellement le musée phare de Giverny.

Linge séchant, Petit Gennevilliers, 1888

Un artiste à part

Pendant longtemps on a vu en lui un amateur d’art aisé. Désormais, il apparaît comme l’une des figures majeures de l’impressionnisme. Fort d’une formation en droit, c’était un habile régatier, ainsi qu’un jardinier méticuleux. Après avoir étudié le Paris d’Haussmann (salle 1) sous toutes ses coutures, Caillebotte tomba sous le charme de la Normandie, où il put donner libre cours l’une de ses passions, la navigation. Ses bateaux étaient même munis de voiles en soie. Une idée que lui inspira sûrement feu son père, lequel fit fortune en vendant des draps aux armées napoléoniennes.

Le Boulevard vu d’en haut, 1880

À la même époque, en 1881 pour être précis, il acquit le Petit Gennevilliers, où il finit par s’installer définitivement en 1888. C’est là qu’il cultiva son amour des plantes. Il fit construire dans sa future résidence principale une serre. L’artiste, qui initia Monet à l’horticulture, conçut également dans ce havre végétal quelques projets décoratifs, dont Parterre de Marguerites, que le musée des impressionnismes de Giverny entend voir entrer dans ses collections d’ici la rentrée 2016. Pour ce faire, l’établissement appelle à la générosité des visiteurs. « Un musée se définit de nos jours par ses collections, voire par une œuvre en particulier. On ne pouvait pas s’acheter un Monet. En revanche cette œuvre, quoique inachevée, est plus que présentable. Elle représente des marguerites. Giverny est connu pour ses jardins… », explique Frédéric Frank, le directeur du musée.

Autoportrait, 1891-1892

Des collections particulières

Avant de devenir un peintre reconnu, Gustave Caillebotte se distinguait, parmi ses confrères impressionnistes, comme un collectionneur d’art. Il soutint le groupe de mille et une façons. Sa première acquisition, Un coin d’appartement, est signée de Claude Monet, à qui il loua, peu de temps après, un appartement près de la gare Saint-Lazare. Financer des expositions, procurer l’argent nécessaire à l’achat d’un matériel de peinture haut de gamme, allait dans la continuité de sa bienveillance. Il eut également en sa possession Le Moulin de la Galette d’Auguste Renoir, tableau qui apparaît dans l’un de ses autoportraits (salle 2).

Autoportrait au chevalet, 1879-1880

Cette toile est l’un des rares prêts publics – il provient du musée d’Orsay – de l’exposition. Les trois quarts des œuvres présentées sont en effet issues de collections particulières. Pourquoi ? Parce que la célébrité de Caillebotte était limitée jusqu’à présent. Sa cotte grimpe timidement depuis quelques années. En France, Giverny sait gré au Conseil départemental du Val d’Oise, à la galerie Berès, au musée Marmottan Monet, au musée Tavet-Delacour Pontoise, et au musée des Beaux-Arts de Rennes, d’avoir bien voulu participer à son projet. Parmi les prêteurs étrangers, on compte le Brooklyn Museum, la National Gallery of Art de Washington et l’Association des Amis du Petit Palais de Genève. Dans le domaine privé, une mention spéciale s’impose pour les descendants de l’artiste. Qui sont-ils ? À suivre.

Caillebotte, peintre et jardinier, jusqu’au 3 juillet. Musée des impressionnismes, Giverny. 

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Du latin prostituo, le verbe prostituer signifie avant tout se mettre en avant. Or, n’est-ce pas précisément ce que fait le musée d’Orsay ? Depuis quelques années, l’institution impressionniste verse dans des thèmes de plus en plus provocateurs, semble-t-il. Rien de choquant dans « Degas et le nu », la nudité traversant l’histoire de l’art. Le véritable tournant s’opère, aux confins du scandale, avec « Masculin / Masculin ». Quant à « Sade. Attaquer le Soleil », ainsi pourrait-on résumer l’audace : prenez un auteur aux mœurs légères, empruntez-lui quelques citations, ajoutez-y une poignée de tableaux en guise d’illustrations, mélangez le tout et vous obtenez une polémique. À ce rythme – crescendo –, on pouvait s’attendre à ce que la prochaine exposition « Splendeurs et misères. Images de la prostitution, 1850-1910 » puise sa source dans l’ancienne gare parisienne. À tort. L’initiative vient du Van Gogh Museum, sa seconde étape. Frappé par l’acquisition d’une toile licencieuse, l’un des conservateurs du musée néerlandais s’est tourné vers Guy Cogeval, qui n’a su repousser les avances d’un ancien partenaire (« Millet / Van Gogh », 1998). Ainsi est né le projet.

Henri de Toulouse-Lautrec, Conquête de passage, 1896

Si la prostitution est une industrie légale aux Pays-Bas, elle existe en France sans être réglementée. Il aura fallu attendre 1946 pour que cette dernière exige, via la loi Marthe Richard, la fermeture des maisons closes ! Au vu de leur histoire, les deux pays étaient donc les mieux placés pour aborder le sujet. Au soupçon de provocation, la conservatrice du Van Gogh Museum d’Amsterdam, Nienke Bakker, rétorque  : « Cette exposition se concentre exclusivement sur l’art français du XIXème siècle ». Le contexte politique s’édulcore au fil des toiles. Et le Red Light District ? Et les putes claquemurées dans des vitrines, que la ville d’Amsterdam rachète actuellement afin de limiter « le trafic d’êtres humains » ? Tous ces clichés, le spectateur est invité à les chasser de son esprit, afin de pouvoir croquer le fruit de recherches scientifiques (sur une autre époque) à pleines dents. « Nous adoptons la posture d’historiens de l’art. Nous avons choisi ce thème parce qu’il est omniprésent en peinture et que personne ne lui avait consacré d’exposition auparavant. Il y avait un vide à combler ».

Vincent Van Gogh, Tête d’une prostituée, 1885

Un point pour la Hollande et son sérieux (pour ne pas dire alibi) ! En attendant de voir quelle scénographie proposera le musée Van Gogh début 2016, on ne peut s’empêcher de lire dans l’approche théâtrale du musée d’Orsay une forme d’opportunisme. Qui signe la mise en scène de « Splendeurs et misères… » ? Robert Carson, encore et toujours lui ! On reconnaît la dominante rouge qui sévit depuis « L’Impressionnisme et la Mode », en 2013 ; les chaises or et bordeaux imaginées à la même occasion. Le canapé en velours circulaire qui trône à mi-parcours renferme quelques documents d’archives. Des battants de portes ont été creusés dans les cimaises, non pour évoquer l’atmosphère d’un saloon américain, loin de là, mais pour recréer l’intimité d’une maison close. D’épaisses tentures indiquent enfin l’entrée et la sortie de deux salles « interdites aux moins de 18 ans », dont on interroge l’utilité avant même d’y pénétrer. « Elles permettent de contextualiser », poursuit Nienke Bakker. Contextualiser quoi ? L’essor de la photographie ou le simple fait que Paris grouillait de péripatéticiennes ? Pour la plupart anonymes, les clichés présentés ne révèlent aucune qualité plastique. N’est-ce pas gênant dans le cadre d’un projet ouvertement qualifié de « scientifique » ? Le risque n’est-il pas qu’un public moins aguerri, s’il l’apprend (par la presse), ne se rende à l’exposition que pour se rincer l’œil ? Sûrement, mais le but n’est-il pas d’attirer le plus de monde possible ?

Au-delà de cette contextualisation forcée, l’exposition dévoile une vraie cohérence. « Le thème n’a repoussé aucun de nos collaborateurs », affirme Nienke Bakker. « Au contraire, tous voyaient l’initiative d’un bon œil ». Pas de résistance en termes des prêts, donc. Parmi les plus prestigieux, on compte un Toulouse-Lautrec venu tout droit de l’Art Institute de Chicago. Quand tout à coup, on tombe nez à nez avec Olympia, Rolla, la Femme piquée par un serpent d’Auguste Clésinger, et la Fille aux joncs d’Ernest Hébert, autant de chefs-d’œuvres conservés à Orsay. À ceux qui déploreraient l’effet « recyclage », on répond que cette sélection tient debout, sur un trottoir d’adresse. Les artistes n’avaient pas besoin de fréquenter les bordels pour que leurs modèles soient pris pour des putains. Ce renversement de points de vue non seulement trouve sa place dans le propos de l’exposition, mais contribue également à l’enrichir. Le musée d’Orsay a beau se vendre (seconde acception du verbe prostituere), cette fois-ci il se vend particulièrement bien.

À LIRE AUSSI : Les Prostituées, onze nouvelles, de Guy de Maupassant, Gallimard – Folio Classique, 288 p, 5,88 €. Cette publication fait ouvertement écho à l’exposition.

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Dans cet extrait, témoin d’une conférence dévolue à l’annonce de cet événement exceptionnel, Isabelle Cahn, conservateur en chef des peintures, revient sur les étapes de cette entreprise. Lorraine Mailho, chef du département restauration du C2RMF, explique ensuite le rôle de ses équipes avant de céder la parole à Isolde Pludermacher, conservateur des peintures à Orsay, qui replace enfin la toile actuellement rénovée dans son contexte.

REGARDER AUSSI : la vidéo liée à cet extrait.

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Le sexe pénètre les musées parisiens. Si la Pinacothèque adopte un point de vue spirituel à travers le prisme de l’Orient, le Musée d’Orsay fait de la pensée de Sade le point de départ de la modernité littéraire et picturale en Occident. Parallèlement à ces deux manifestations, le Musée de l’érotisme rend hommage au dessinateur André-François Barbe, tandis que la Cité des sciences passe par Titeuf pour expliquer aux enfants comment on fait des enfants, justement.

Le sexe décomplexé

En bon missionnaire, l’exposition de la Pinacothèque a pour but de rendre au Kâma-Sûtra ses lettres de noblesses. L’expression convient d’autant plus qu’il s’agit d’un ouvrage indûment qualifié de pornographique. Bien qu’il recense plus de quatre-vingts positions, ce texte en sanskrit instruit le kâma, troisième pilier, palier dans l’hindouisme, où l’homme prend pleinement conscience de sa vigueur corporelle et spirituelle.

Cette vigueur se traduit par un appétit sexuel débordant le cadre de l’intimité. Chez les Hindous, la sexualité relève du domaine public. L’érotisme n’est pas coupable en tant que tremplin de la reproduction. Le désir du périnée – celui qui provient et s’adresse au – est par conséquent pérenne.

Autant de « décomplexion » force flexions et réflexions. La lumière tamisée au sein des salles bariolées convie le visiteur à se pencher, bien souvent en avant, soit pour déchiffrer une légende, soit pour observer un objet difficile d’accès. Dans ce parcours contorsionné, la bande-son d’une profonde suavité diverge de verges qui bandent. Choqués la par crudité de certaines vitrines, les visiteurs s’éternisent plutôt devant les cartels.

Heureusement, dans ce joyeux « bordel », amour rime avec humour. En plus d’encourager l’adultère, la mythologie hindoue brouille les genres. Dieux et déesses sont interchangeables en tant qu’ils arborent les deux sexes. Reste à savoir si cet hermaphrodisme frauduleux doit appuyer ou dissimuler leurs penchants homosexuels. Deux dieux entre eux ne dérogent pas aux lois naturelles si l’un jouit d’attributs féminins, non ? En fin de parcours, une sorte de godemichet géant, appelé lingam, sert à surprendre les femmes durant la Holi, fête printanière des couleurs. Provocation candide qui discrédite l’érection d’un sexe faible dans la religion hindoue. Si soumission il y a, elle se veut consentie. On est loin des scènes de violences défilant au Musée d’Orsay.

« La Kâma Sûtra : spiritualité et érotisme… », jusqu’au 11 janvier, à La Pinacothèque, Paris

Une révolution des sens

La presse s’est fourvoyée en annonçant un parcours proprement débridé. L’exposition que propose aujourd’hui le Musée d’Orsay porte moins sur la perversité que la violence ; moins sur Sade, le libertin, que le sadisme en soi, c’est certain.

Prenez sept thèmes, dont le leitmotiv de la violence, et une centaine de chefs-d’œuvre éclairés par des citations d’un seul et même auteur. Secouez bien fort et vous obtenez l’exposition « Sade. Attaquer le soleil ». « Éclairés », c’est précisément le terme qu’emploie la co-commissaire Annie LeBrun pour expliquer le rôle de l’écrivain anticlérical dans la formation d’un nouveau paysage mental dès la fin du XVIIIe siècle. En d’autres termes, Sade serait le briquet de nombreuses passions. Son rayonnement est tel qu’il aurait influencé, outre des hommes de lettres, des peintres. Si Flaubert lui vouait un culte, son ombre planerait au-dessus de Picasso, Delacroix, Kubin, Duchamp… et bien d’autres encore.

Or ces rapprochements, ces « éclairages », tout pertinents qu’ils soient dans le cadre d’un travail scientifique, semblent quelque peu artificiels à la lumière du soleil, astre de la vérité. Entre quelques clichés pornographiques, de pénis turgescents ou de jambes écartées, certains prêts irradient par leur rareté. C’est le cas de Figures au bord de la mer, emprunté au musée Picasso et encadré pour l’occasion, ou encore de L’enlèvement cézannien provenant du Fitzwilliam Museum de Cambridge. Néanmoins, le caractère exceptionnel de ces trophées ne suffit pas à rendre l’ensemble de la collection éblouissant de justesse. À la lueur de ce feu follet plastique, on serre les fesses pour le dire aussi vulgairement qu’aurait pu le faire l’intéressé.

« Sade. Attaquer le soleil… », du 14 octobre au 25 janvier, au Musée d’Orsay, Paris

À VOIR AUSSI :

« André Barbe, salut l’artiste… », jusqu’au 31 octobre, au Musée de l’Érotisme, Paris

« Zizi sexuel, enfin le retour », du 14 octobre au 2 août 2015, à la Cité des sciences, Paris

À VENIR : « Le Baiser », du 25 mars au 26 juillet, Musée Maillol, Paris

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LIRE AUSSI : l’article lié à cet enregistrement.

À VOIR AUSSI : “Paul Durand-Ruel. Le marchand des impressionnistes”, le documentaire faisant écho à l’expo.

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