Dur… dur de résumer les galants propos du musée Jacquemart-André. C’est pourtant la lourde tâche qui nous revient aujourd’hui.

Un mot sur le thème traité : c’est la fête !

fête galante : n. f., expression qui désigne un genre pictural né à la fin règne de Louis XIV, mais surtout autour de la figure d’Antoine Watteau (1684-1721). Il se développe sous la Régence (1715-1723) et l’influence de Nicolas Lancret (1690-1743) ainsi que de Jean-Baptiste Pater (1695-1736), qui lui apportent une dimension réaliste. Des œuvres d’artistes contemporains, des costumes de comédiens se retrouvent alors représentées dans quelques toiles. Quant à François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1802), leur influence se lit dans un raffinement et un exotisme accrus.

Un mot sur la scénographie : galant le Gall !

On ne change pas une équipe qui gagne. Pour sa onzième collaboration avec le musée Jacquemart-André (« Désirs & Voluptés à l’époque victorienne », « Canaletto-Guardi, les deux maîtres de Venise », « Fra Angelico et les Maîtres de la lumière »…), Hubert le Gall, qui s’est également illustré à l’Orangerie (« Frida Kahlo/Diego Rivera »), à Orsay (« Masculin/Masculin ») et au Grand Palais (« Odilon Redon, Prince du Rêve », « Aimé Césaire, Lam, Picasso, Monet »…), a opté pour une extrême sobriété. Les murs crème ne sont ornés, en leurs coins, que de branchages tantôt gris tantôt sanguine ; un tracé qui rappelle la gravure, procédé auquel recourait souvent Watteau pour recopier la silhouette des personnages susceptibles de reparaître dans ses futures compositions. Les salles réservées aux dessins arborent, quant à elles, des carrés de tissus ardoise, gansés d’or, évoquant le papier bleu utilisé dans certaines études préparatoires au fusain. Pour une fois lumineuse, la scénographie de cette exposition temporaire reproduit fidèlement l’atmosphère de l’époque et du sujet abordés. L’occasion pour le spectateur de se concentrer sur chaque œuvre et non sur le décor, car « chaque toile appelle à une contemplation attentive », affirme le commissaire général, Mary Tavener Holmes.

Un mot sur l’affiche : l’ancre de Lancret

Il s’agit d’un Lancret. Des “Plaisirs du bain” (1725), pour être exacte. Pourquoi cette toile plutôt qu’une autre ? Peut-être parce que presque chaque salle compte une œuvre de cet artiste ambitieux – contrairement à ses pairs Lancret souhaitait entrer à l’Académie -. Pourquoi mettre l’accent sur lui, dans ce cas ? Parce que « nous avons essayé de donner à voir ici des peintures issues de collections moins connues », dixit Mme. Holmes.

Un mot sur Lancret : le râteau de Watteau

Qu’est-ce qui distingue Lancret de Watteau ? C’est la question que nous avons posée à Miriam Gaudio. D’après la chercheuse italienne, au moins cinq différences opposent les deux artistes, leur traitement du corps, leur utilisation de la couleur, leur sens de la narration, et leur rapport au réel.

Conformément au Traité du Beau du philosophe suisse Jean-Pierre Crousaz (1663) Nicolas Lancret dote ses modèles féminins d’un front large, de grands yeux écartés, et d’un visage rond. Moins physionomiste que son aîné, il avoue peiner à dessiner les pieds.

Si c’est par la forme que Watteau perpétue le mythe de la grâce, c’est à travers une plus riche palette que Lancret se détache. Aux teintes vaporeuses du premier, répondent les vifs aplats du second. Une divergence qui détermine la relation que chacun entretient avec la réalité. De nature nostalgique et maussade, le père des fêtes galantes trouvait refuge dans des scènes oniriques. À l’inverse, son successeur se plaisait à intégrer des éléments préexistants dans ses compositions, tel l’archer de Jacques Bousseau dans « Fête galante avec Persan et statue » (1728). Or qui dit réalisme, dit audaces assumées. La nudité s’avère, en effet, un outil de séduction incontournable chez Lancret.

Enfin, si les toiles de ce dernier ne respectent aucun schéma narratif, les tableaux de Watteau tendent, en revanche, à être lus dans un sens particulier. C’est le cas du fameux « Pèlerinage à l’île Cythère » quoique son intitulé prête à confusion. Certains critiques arguent de techniques de gravure inversant l’image d’origine pour soutenir la thèse d’un retour depuis la Grèce. D’autres s’en réfèrent au titre d’une réplique conservée au Château de Charlottenburg à Berlin, « Embarquement pour Cythère » pour affirmer le contraire. Qu’il s’agisse d’un départ ou d’une arrivée, il y a sens de lecture à suivre.

Une anecdote pour conclure, puisqu’il le faut : « Lorsque Watteau se rendait au théâtre », raconte Miriam Gaudio, « il était jaloux du succès de Lancret auprès des jolies filles, qu’il semblait attirer comme des mouches. »

« De Watteau à Fragonard, les fêtes galantes », du 14 mars au 21 juillet, au Musée Jacquemart André

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Souvent laissés pour compte, les arts graphiques s’exposent pourtant dans quelques institutions muséales. Voici donc le top 5 des expos à ne pas manquer.

Première question : que sont les arts graphiques ? Mieux vaut, à cet égard, ne pas consulter le web ; la définition en deviendrait aussi fourre-tout. Pour le dire simplement, l’expression désigne l’ensemble des processus propres à la conception et à l’agencement de créations artistiques. Chefs-d’œuvres à part entière ou études préparatoires, certaines de ces créations font parfois l’objet d’expositions spécifiques. C’est le cas actuellement aux quatre coins de la France.

1) Autant en emporte Rouen

Il ne reste qu’une semaine pour aller découvrir les cent cinquante feuilles exposées au musée des Beaux-Arts de Rouen. Rares sont celles qui ont déjà été montrées au public. Aux pastels de Watteau se mêlent les aquarelles de David, les croquis de Boucher, les pastels de Fragonard, les gouaches d’Hubert Robert ainsi qu’une quinzaine de tableaux, sculptures et manuscrits issus des collections les plus prestigieuses de France. Qui eût cru que le dessin occupait une place si importante au Siècle des Lumières ? Pas aussi importante que dans la dernière salle de l’exposition, où petits et grands sont invités à copier les œuvres qui auront marqué leur visite. J-7, attention !

« Les trésors de l’ombre. Chefs-d’œuvre du dessin français du XVIIIè siècle. Collection de la Ville de Rouen », du 22 novembre au 24 février, au Musée des Beaux-Arts de Rouen.

François Boucher, “Tête de vieillard vue de profil”, Bibliothèque municipale de Rouen, © Th. Ascencio-Parvy, P. Ganaye, Bibliothèque municipale de Rouen

2) Le grand saut, à Sceaux

On brasse plus large au Château du Domaine départemental de Sceaux, puisque la période traitée s’étire du XVIè au XIXè siècle. Au cœur de l’exposition : cent dessins empruntés au musée des Beaux-Arts d’Angers. Parmi les travaux exposés, impossible de passer à côté de La Vierge à l’Enfant du Guerchin, des Deux prisonniers enchaînés de Pierre Paul Rubens, de L’Arabe couché d’Eugène Delacroix, de L’Appareillage d’Eugène Boudin… Fragonard, Poussin, Greuze, Gérard, Ingres, Lagneau, Devéria, Blanchet… Les noms défilent comme autant de rimes pour renom. La France n’est pas la seule représentée : l’école étrangère pavoise aux couleurs de Parmesan, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Romano, entre autres. Le domaine a été dessiné par André Le Nôtre, qui fêtait son quatre-centième anniversaire l’année dernière. Pourquoi ne pas visiter le parc restauré à cette occasion ? À tester bientôt, également, le nouveau restaurant du musée.

« De Rubens à Delacroix. 100 dessins du musée des Beaux-Arts d’Angers », du 21 mars au 20 juin, au Musée du Domaine départemental de Sceaux.

Guerchin, dit le Francesco Barbieri, “Vierge à l’enfant”, Plume et encre brune, 16 x 12,5 cm, © Musées des Beaux-Arts d’Angers

3) L’art selon Vollard

En 1896, le célèbre collectionneur parisien Ambroise Vollard monte l’exposition « Les Peintres graveurs », où se cristallise la passion des Nabis pour de l’estampe. Bonnard en conçoit l’affiche avant que le musée qui porte désormais son nom se lance, près d’un siècle plus tard, dans une reconstitution de l’événement. Odilon Redon, Paul Gauguin, Rivière, Maillol, Vallotton et Toulouse-Lautrec… si les graveurs sollicités pour la manifestation n’avaient aucune maîtrise de l’estampe, il doivent leur succès à leur grande sensibilité. « Ce qui pouvait être pris pour une gageure fut une grande réussite d’art », soutenait alors Vollard. Aujourd’hui, tandis que s’ouvre le second volet de cette riche collection, la curiosité du public grandit : plus que des feuilles isolées, ce sont des séries qui éveillent un intérêt croissant, parmi lesquelles les Aspects de la vie de Paris, La Petite blanchisseuse ou L’Enfant à la lampe, de Bonnard, ainsi que les Instruments de musique de Vallotton. Vivement le 15 mars !

« Bonnard, Vuillard & Les Nabis », du 15 mars au 15 juin, musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard, “Autoportrait”, vers 1904, crayon graphite, achat avec l’aide du Fram, 2010

4 ) Tout bénef pour la BnF

Printemps 2014 : la BnF s’apprête à mettre en ligne l’inventaire des dessins français du XVII^e siècle. L’occasion de révéler une partie de sa réserve au grand jour. Pourquoi ? Pour montrer le lien étroit qui unissait dessins et estampes du XVIIè au XIXème siècle, tant dans le domaine artistique, funéraire, architectural, médiatique, que dans le monde de la mode, en plein essor sous Louis XIV. Une centaine de feuilles, pour la plupart inédites, incarnant la maestria de maîtres présentés dans l’ordre chronologique, tels Martin Fréminet, Jacques Callot, et Simon Vouet. Point fort de l’exposition : un ensemble d’études couvrant toute la carrière de Charles Le Brun, Premier Peintre du Roi… du Roi Soleil, bien sûr.

« Dessins français XVIIème siècle » 18 mars au 15 juin, BnF

Michel Corneille le père (1603-1664), “Hercule”, pour le plafond de la galerie de l’hôtel Amelot de Bisseuil à Paris, Pierre noire avec rehauts de craie blanche, BnF, département des Estampes et de la photographie

5) La légende Doré

Enfant prodige, Gustave Doré entame sa carrière de caricaturiste à l’âge de quinze ans seulement, mesurant son art aux plus grandes plumes de la littérature de Dante à Rabelais, en passant par Perrault, Cervantes, Milton, Shakespeare, Hugo, Balzac, Poe… Un talent immense qui illustre et s’illustre dans divers genres, la satire, la peinture d’histoire, le paysage, le portrait, l’aquarelle, la gravure… Véritable passeur de la culture européenne, Doré influence Van Gogh, Terry Gilliam, ainsi que les pionniers de la bande-dessinée. C’est la première rétrospective qui lui est consacrée ; une rétrospective ancrée jusqu’au 11 mai à Orsay.

« Gustave Doré (1832-1883). L’imaginaire au pouvoir », du 18 février au 11 mai, Musée d’Orsay

Gustave Doré, “Le Petit Chaperon rouge dans le lit de sa grand-mère avec le loup. Extrait des contes de Charles Perrault. Préface de P.-J. Stahl, Hetzel, 1862, Bilbiothèque de Bourg-en-Bress

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