L’un ausculte le corps à plat ; l’autre, en trois dimensions. Qu’avaient Vinci et Kiki à l’esprit, en étudiant l’anatomie avec autant d’ardeur ?

La matière. Lui, la travaille inlassablement en tentant désespérément de la figer sur papier, sur bois, ou sur toile dans ses jeunes années. Exposé au Louvre, après d’interminables négociations entre les ministres de la culture italien et français, L’Homme de Vitruve témoigne d’un intérêt soudain chez Léonard de Vinci pour l’anatomie. Réalisé vers 1490, ce dessin tant disputé dans le cadre du cinq-centième anniversaire sa mort, s’inspire du fameux traité antique De architectura signé de l’ingénieur romain Vitruve (v. 90-v. 20). D’où son nom. À force d’études préparatoires, les experts ont fini par prétendre que Léonard n’aimait pas peindre. À tort, d’après Vincent Delieuvin, l’un de deux commissaires de la rétrospective qui ouvre aujourd’hui sous la Pyramide.

Elle, à l’inverse, n’a jamais montré de prédisposition pour les arts graphiques. La matière se sculpte avant tout, sous ses doigts. « À force d’insister, j’ai réussi à intégrer le dessin dans ma pratique de l’argile », confiait Kiki Smith à l’inauguration de l’exposition que lui consacre actuellement la Monnaie de Paris.

Étudier l’anatomie permet à Kiki de réfléchir à sa condition de femme. Il y a d’abord ce personnage (dont je n’ai pas photographié la légende, culpa mea) plié en deux, comme pour conjurer un mal de ventre insoutenable. La chaîne de strass qui l’entoure au sol symbolise les fluides susceptibles d’émaner du corps féminin. « Le nombre de fois où je me suis trouvée embarrassée par ce genre de fuite. Urine, sang, sueur… Cela arrive toujours au pire moment. Dès la ménopause, j’ai eu l’impression de revivre ! », lance l’artiste avec sympathie. Son Christ en Croix (lui, privé de titre), suspendu au début du parcours, est hermaphrodite. Ses jambes ont été sculptées à partir d’un modèle masculin ; son buste n’est autre que celui de Kiki. Cette figure christique, contorsionnée, renverse les codes de la sexualité, une question qui taraude de toute évidence la plasticienne. 

Avant 1498, Léonard ne jurait que par l’ingénierie. Les autres sciences le laissaient indifférent. C’est cette rupture qu’accuse l’exposition tant attendue du Louvre, dont les commissaires rejettent le préjugé selon lequel Léonard a peu peint parce qu’il se laissait distraire par mille et une autres activités. « Ce qui peut apparaître comme une dispersion n’en est pas une car, ce qu’il peint est une sorte de restitution de sa compréhension du monde. C’est sans fin », poursuit Delieuvin. « Peu lui importe de peindre à tour de bras, des kilomètres de fresque, des portraits. La qualité primant, l’acte de créer lui demande beaucoup de temps. C’est un très lent perfectionnement. Bien souvent ses réflexions scientifiques avaient pour but d’améliorer sa représentation picturale de la nature. Parce qu’il y a cette intelligence l’être humain, ses tableaux de maturité sont d’une maîtrise et d’une beauté exceptionnelles ».

Kiki Smith, jusqu’au 9 février 2020. Monnaie de Paris.

Léonard de Vinci, jusqu’au 24 février 2020. Musée du Louvre, Paris.

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Un mystère et des obstacles qui appelaient une originalité accrue. « Tout n’a pas été dit sur Léonard. Nous présentons une synthèse sérieuse fondée sur de nouvelles découvertes », explique Vincent Delieuvin, conservateur en chef, chargé de la peinture italienne du XVIème siècle au Louvre. Exit l’accrochage traditionnel qui suit chronologiquement les déplacements de Vinci formé à Florence par le sculpteur Andrea del Verrocchio, partagé entre Milan, Rome, Bologne, et Venise, avant de s’éteindre en France au service du roi François 1er. À la place, les deux commissaires d’exposition ont divisé le parcours en quatre chapitres. « Ombre et lumière », « Liberté », « Science », et « Vie ».

Un découpage inédit qui permet de combattre deux idées reçues : Léonard avait tendance à s’éparpiller et il dédaignait le pinceau au point de bâcler ses œuvres. Au contraire ! La peinture, cette « chose mentale », a ses faveurs, parce qu’elle se fonde sur la science, voire une forme d’omniscience. Il faut tout savoir pour pouvoir rejouer l’acte de la Création, reproduire le monde à la manière de Dieu sur la toile. Tout traité ou dessin engendré dans l’intervalle ne sert que de préparation à l’acte sacré de création picturale. Peindre peu, pour peindre mieux, telle aurait pu être sa devise.

Outre La Cène et La Joconde, qui a inspiré au Louvre sa toute première expérience de réalité virtuelle – à découvrir en sortant de l’exposition –, La Vierge aux rochers est l’un des rares tableaux achevés de Léonard de Vinci. Il en existe deux versions, chacune destinée au retable de la chapelle de la Confrérie de l’Immaculée-Conception à San Francesco Grande, aujourd’hui détruite. La plus ancienne (1483-86) appartient au Louvre. La seconde (1491-99, puis 1506-08), conservée la National Gallery, arbore le même décor, un paysage montagneux dominé par une grotte et un cours d’eau, et les mêmes personnages. Seulement l’ange, qui se tient derrière l’enfant Jésus ne pointe plus dans la direction de saint Jean Baptiste, isolé à gauche de Marie.

On a longtemps cru que la confrérie, insatisfaite, avait rejeté la première mouture de Léonard, l’obligeant à repartir de zéro. En réalité, le peintre n’était pas d’accord avec le tarif que lui proposait ses commanditaires. Il aurait donc modifié son œuvre à la dernière minute pour complaire aux exigences d’un acheteur plus offrant. Une hypothèse qu’atteste la réflectographie infrarouge, technique qui révèle les couches sous-jacentes d’une peinture. Sous le tableau parisien se cache une composition similaire à sa réécriture londonienne. C’est pourquoi quand, une vingtaine d’années plus tard, les frères de l’Immaculée-Conception décidèrent enfin de mettre la main au portefeuille, le maître florentin en profita pour renouer avec la scène qu’il avait initialement imaginée pour eux.

Toutefois, il n’est pas entièrement certain que cette seconde version soit de lui. Entre la France et l’Angleterre, chacun prêche pour sa paroisse. « Il y a une sensation de vie et de mouvement dans notre panneau que l’on ne retrouve pas dans le tableau de Londres », affirme Vincent Delieuvin. « Ce dernier manque de relief. Le geste y semble plus mécanique. La tête de l’enfant pourrait tout aussi bien être de la main de Boltraffio, qui a travaillé dans l’atelier de Léonard. » Son de cloche opposé : « Je n’ai jamais eu de doute sur l’authenticité de notre Vierge », soutient Caroline Campbell, la directrice des Collections et de la Recherche à la National Gallery, imperturbable elle aussi, pour ne pas dire solide comme un roc.

RÉTENTION DE CHEFS-D’ŒUVRE
Comment justifier l’absence d’une icône interdite de voyage par son musée de résidence ? Voici quelques excuses avancées par les derniers musées lésées, en France.
Varier les plaisirs
En 2010, Dieter Bucchart proposait à la Pinacothèque une rétrospective Edvard Munch sans son fameux « Cri ». « Nous ne voulions pas montrer les mêmes 20 tableaux mythiques du peintre norvégien, exposés partout. Nous ne les avons même pas demandés ».
Si tu ne vas pas à Velasquez, Velasquez n’ira pas à toi.
« Les Ménines sont un monument espagnol […] et les monuments on les visite, on ne les déplace pas », dixit Guillaume Kientz, commissaire de l’exposition Diego Velasquez qui s’est tenue au Grand Palais, en 2015.
Alerte à l’émeute
Le Reina Sofia de Madrid ne s’en sépare plus depuis 1981. Si Guernica était venu à Paris pour l’exposition que lui consacrait le Musée Picasso l’an passé, le parcours n’aurait soi-disant pas pu contenir le surplus de visiteurs occasionné par ce miracle.

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Une lutte moderne, de Delacroix à nos jours, du 11 avril au 23 juillet. Musée Delacroix, Paris. 

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1) Kiefer 100% baba

> Kiefer Rodin Cathédrales, du 14 mars au 22 octobre, au musée Rodin, Paris

2) Un « saint » honoré au Grand Palais

Rodin n’avait rien d’un enfant de cœur, mais quel talent ! Il est souvent décrit comme “le meilleur sculpteur après Michel Ange”. On ne présente plus L’Homme qui marche, Le Penseur, La Porte de l’Enfer… Le Grand Palais a aussi voulu levé le voile sur des aspects moins  connus de son œuvre, notamment en montrant l’influence qu’elle a eue sur d’autres artistes, tant disparus que contemporains. Fortes de plus de 200 chefs-d’œuvre rodiniens, la rétrospective en question comporte également des travaux de Bourdelle, Brancusi, Picasso, Matisse, Giacometti, Beuys, Baselitz, Gormley… Et si, pour une fois, l’on avait le droit d’avoir les yeux plus gros que le ventre ?

> Rodin : l’exposition du centenaire, au Grand Palais, du 21 mars au 31 juillet 

3) Tarte à la Reine-Claudel

Après cinq ans de travaux, constamment interrompus, le musée Camille Claudel ouvre enfin ses portes à Nogent-sur-Seine. Si l’élève a depuis longtemps dépassé son maître, si son talent a été reconnu indépendamment de celui qui fut son amant, elle demeure cependant dans l’ombre  de ses contemporains, parmi lesquels Afred Boucher (1850-1934). Sur 250 sculptures, seules 39 sont d’elle.  ”Nous voulions honorer la mémoire de trois artistes nogentais qui permettent de remettre son œuvre dans son contexte”, argue Cécile Bertran, la conservatrice du musée. Que l’on se rassure, Camille n’intervient pas comme la simple cerise sur le gâteau.

> Ouverture officielle, le 26 mars 

4) Éclair de génie à la Doillon

On l’a tant de fois conté, que le récit des amours entre Auguste Rodin et Camille Claudel est presque devenu une tarte à la crème.  C’est pourquoi Jacques Doillon, dans son nouveau film, ne se contente pas  de relater cette passion de dix ans, mais retrace aussi des aventures « moins tyranniques » entre le maître et ses modèles, ainsi que sa relation avec Rose, sa plus fidèle compagne. Vincent Lindon sera-t-il à la hauteur de la prestation de Gérard Depardieu dans le Camille Claudel de  Bruno Nuytten (1987) ?

> Rodin, de Jacques Doillon, avec Vincent Lindon, sortie le 24 mai 

5) Pièces montées à la Monnaie

C’est dans la poche ! La Monnaie de Paris a frappé non des cafés, mais une pièce de 2 euros à l’effigie de Rodin. On doit certains motifs de cette série exceptionnelle à Monsieur Christian Lacroix.

> Distribution entre février et novembre 2017

6) Paris, Brest, et/ou ailleurs

Une brochette d’expositions dans toute la France rend hommage au maître de la sculpture moderne, au musée des Beaux Arts de Calais, à Lyon, Aix Les Bains…  La liste des manifestations à la carte est plus longue que menue.

En espérant que ces teasing vous mettent l’eau à bouche…

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Jean de Loisy traverse la Mezzanine – c’est ainsi que l’on appelle le premier étage du très séduisant Monsieur Bleu – avec l’énergie qu’on lui connaît. “Vous allez bien ?”, lance-t-il après avoir embrassé une poignée de journalistes. “Michel ne va pas tarder”. Michel, c’est Michel Houellebecq, l’auteur de mille et un poèmes, de La Possibilité d’une île, adapté à l’écran en 2008, de La Carte et le Territoire, Prix Goncourt 2010 ; cet être mystérieux que l’on perçoit soit comme un provocateur-né, soit comme l’écrivain français le plus connu de la planète. Dire que cet aimant à controverses verse également dans la photographie ! Sa première exposition ”Before Landing” date de 2014. C’était au Pavillon Carré de Baudoin. Cette année, Houellebecq récidive à la demande de son ami de toujours, Jean de Loisy. Népotisme ? Clientélisme ? Favoritisme ? On peut en dire autant des privilégiés venus écouter la présentation de ce duo inattendu. Alors motus !

Aux happy few présents Jean de Loisy présente Happy Sapiens, la nouvelle saison du Palais de Tokyo, laquelle regroupe des artistes “tant émergents qu’immergés”. Barges et/ou en marge, en somme. Tous ont commun leur optimiste ainsi qu’un intérêt, sinon un amour, marqué pour les animaux. Marguerite Humeau ressuscite des sons émis par des espèces préhistoriques. Dans une des vidéos de Mila Rottenberg, un homme éternue des lapins. Ami des bêtes, David Ryan “chasse des trèfles à quatre feuilles”. Enfin, dans “Rester vivant”, titre de son exposition, Michel Houellebecq rend hommage à feu son chien, Clément.

Quand on parle du loup ! Le voilà qui déboule dans la pièce, un verre à la main. Il prend place sur la banquette du fond et une pose un tantinet nonchalante, tandis que son voisin continue d’animer la galerie. Clope au bec, le bec dans autre chose que de l’eau, l’humeur n’a pas l’air à plaisanterie. Et pourtant, son regard vogue vers la fenêtre sans le moindre vague à l’âme. Le public, qui ne demande qu’à boire ses paroles, est enfin servi. “Salle 2… abstraite… Salle 7…. tourisme… Salle 14… femmes dénudées… Salle 15 autobiographique….” Et entre les deux ? Ces bribes ne suffisent pas. On reprend depuis le début.

Les serveurs veillent à la plénitude des verres. Le maître de cérémonie coupe court au discours de son ami. Soi-disant par courtoisie. “Vous avez compris ce qu’a dit Michel” ?, a loisir de répéter de Loisy. Si la description du parcours demeure quelque peu floue, il est vrai, l’utilité des cadres selon Houellebecq ne manque pas de clarté. “Ils emprisonnent l’image dans un monde à part. C’est d’ailleurs paradoxal que j’aie oublié d’en doter mes photos”, marmonne l’écrivain qui, contrairement aux apparences, sait parfaitement où il va. Peu importe si on l’interrompt à l’occasion. Revenir sur son plan, c’est déjà lui donner satisfaction. Pourvu que chaque visiteur refasse un deuxième tour de l’exposition, une fois arrivé à son terme. “Si je parviens à susciter cette envie chez au moins une personne par jour, c’est gagné”.

On reprend donc. La salle 2 abrite des outils de travail, carnets, stylos, cameras, et… la photo d’un bouddha. “À une époque, j’aimais m’arrêter pour méditer. Généralement, quand on me met dans un endroit, je ne bouge pas”. Un peu plus loin, des images liées au tourisme étonneront par leur grand format. Certaines font cinq mètres de large. “Je suis mauvais en Photoshop. Je ne retouche pas ou peu mes photos. Il faut regarder sans juger. Le meilleur moyen de critiquer est, en effet, de décrire la réalité”. Quant à la deuxième partie du parcours (eh oui, il y avait une première partie !), celle-ci se veut nettement plus intime. Les sections 12 et 14 sont respectivement consacrées à Robert Combas et aux femmes. Le peintre français apprécie tellement Houellebecq-le poète, qu’il l’a accueilli dans une antre à laquelle même sa femme n’a pas accès. C’est sur chaque recoin de cette antre que s’est fixé l’objectif de l’écrivain. À côté des clichés féminins, se verront projetés des extraits de “La Rivière”, court-métrage de Houellebecq diffusé en 2001 sur Canal + . L’auteur-réalisateur justifie cet érotisme, que Jean de Loisy qualifie à juste titre de “saphique”, par les moindres qualités plastiques du corps masculin. “Les hommes sont plus durs à photographier et ne m’intéressent pas”. La scénographie de cet espace a été confié à Maurice Renoma, dont l’heure de gloire remonte aux années 1980″. Je ne prends pas des freaks purs et simples”, s’empresse d’ajouter Houellebecq, sentant l’ignorance du public résonner dans le silence ambiant.

Cette double invitation soulève une question capitale : qui est le véritable commissaire de “Rester vivant” ? Officiellement, “il ne s’agit pas d’une exposition “sur” Houellebecq mais d’une exposition “de” Houellebecq”. Je dirai même plus de Houellebecq par Houellebecq ! L’accroche du communiqué de presse laisse entendre que l’écrivain s’est contenté de fédérer ses artistes préférés autour d’un thème précis, alors que ce sont Karène et Jean de Loisy qui ont incité leur ami proche à exposer son œuvre photographique au sein du Palais de Tokyo. Pour autant, ces derniers avouent n’avoir pris part ni à la sélection ni à l’agencement des pièces présentées. “Tout le mérite revient à Michel”, sujet et objet de ce “plan” dont les subtilités et transitions nous échappent encore. Dans ce cas, pourquoi Michel ? “C’est une personnalité polyvalente, un auteur imprégné par le monde des images”. Autrement dit, son intervention prolonge la série de cartes blanches attribuées par le Palais de Tokyo à des écrivains, parmi lesquels Raymond Roussel (2013), John Giorno (2015), et Jean-Michel Alberola (2016). Quant aux chouchous de Houellebecq, d’où viennent-ils ? Pourquoi Renaud Marchand ? “Ses sculptures correspondent à mes photos”. Et Combas ? “De profondes affinités nous lient”. De son côté, Renoma “s’intéressait aux tissus ; et je voulais que l’on ait envie de toucher la salle érotique”.  Iggy Pop, lui, “a fait un disque inspiré de la “Possibilité d’une île”".

Son nom favorise l’évocation de l’avant-dernière salle, hommage à l’amour inconditionnel, véritable, absolu, celui que l’on porte aux animaux et que Houellebecq vouait à son chien, Clément. Jean de Loisy profite de ce moment pour projeter “en exclusivité” le diaporama que l’écrivain a dédié à son feu son fidèle compagnon. En toile de fond, une chanson d’Iggy Pop passe en boucle, justement. “On pourrait arrêter ?  Cela m’émeut trop”, demande Houellebecq avant de conclure au bord des larmes. “Ce type d’amour requiert de la vaillance”. “Or, il faut de la vaillance pour “Rester vivant”", rebondit Jean de Loisy, lequel ne perd pas une occasion de remettre la discussion sur les rails.

 À ce stade, il convenait sans aucun doute d’expliquer le titre. Non, Johnny n’est pas à l’origine de cette formule, ironise Jean de Loisy.  Paru en 1991 chez La Différence, et non 2014, “Rester vivant” est l’un des premiers essais signés Houellebecq. Rendre à Houellebecq ce qui est à Houellebecq n’éclaire pas la signification dudit ouvrage. S’agit-il de laisser une trace ? L’exposition en tout cas invite à l’objectivation par le travail – concept hegelien. Le travail de l’objectif, en l’occurrence. “Je ne sais ce qui restera”… Et Houellebecq d’évoquer à plusieurs reprises ses “successeurs”, quels qu’ils soient. Plutôt que s’interroger sur leur identité, on se demande si l’écrivain n’a pas des problèmes de santé, au vu de sa consommation attestée de substances plus ou moins douteuses. Le mystère ne plane pas bien longtemps.

Jean de Loisy clôt la conversation sur une annonce. Dans le cadre de Manifesta, la Biennale européenne d’art contemporain qui aura lieu à Zurich, cette année, Michel Houellebecq a prévu d’exposer dix IRMs personnels ; et leur  facture, afin de montrer que la santé a malheureusement un prix. Cet ensemble de selfies médicaux s’est vu intitulé “Is Michel Houellebecq okay ?” Attention ! Spoiler alert ! “Oui, je vais bien. Je n’aurais pas dû le dire car il faudrait que les gens, après avoir vu mes œuvres, aillent consulter un médecin pour vérifier que je vais bien”. “Fuck DEATH, non?”, renchérit Jean de Loisy.

Et si l’on retenait ce cri du cœur, comme mot de la fin ? Il est 20h. Un barrage d’attachées de presse se dresse progressivement devant la star du jour. Dans l’incapacité de poser ne serait-ce que deux ou trois questions complémentaires, la plupart des journalistes restent sur leur faim. Quel soulagement de ne pas en faire partie…

Rester vivant, du 23 juin au 11 septembre. Palais de Tokyo, Paris 

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