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Pour du sur-mesure, c’est du sur-mesure ! Le maître de lieux s’enquiert immédiatement de nos préférences. Pour en voir le plus possible, opter pour un parcours chronologique, celui que propose d’ailleurs l’établissement. Dédiées à l’art international, les galeries du rez-de-chaussée débutent par le cubisme. Quelques Picasso pour ouvrir le bal… Et hop ! On tombe sur l’une des toiles les plus célèbres d’Amedeo Modigliani, Femme assise en robe bleue.

Place ensuite au surréalisme. Parmi les ambassadeurs de ce mouvement artistique, Marcel Duchamp très largement représenté au fil des salles. D’un petit ready-made en forme de peigne, on passe à une toile monumentale (201,3 x 346,5 cm) de Salvador Dalí intitulée L’énigme de Guillaume Tell. La provocation atteint alors son paroxysme. Cette représentation d’un homme nu à trois jambes fléchies rebute autant qu’elle intrigue. Quel soulagement de se voir bientôt confronté à un ensemble de monochromes !

Warhol domine la dernière section. On reconnaît une toile de la série Fleurs (1964), dont une dizaine de pièces se trouve actuellement exposée au Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Ce n’est pas le seul emprunt de l’institution parisienne. Le cube estampillé « Brillo », que l’on remarque dans un coin, s’assortit d’exemplaires actuellement regroupés dans la capitale française. Cette sculpture en trompe-l’œil imite l’emballage d’une marque de savon célèbre. Juste en face, à l’autre bout de la salle, la fameuse sérigraphie de Marilyn Monroe se décline en noir et blanc. Le plus étonnant demeure ce fond gris marqué de traces de pas numérotées. Ce dessin très technique évoque un enchaînement de danse. « The Lindy Tuck-In Variation ». Warhol dansait le lindy hop ? Cette hypothèse fait figure de clin d’œil au festival de swing où l’on compte passer le réveillon.

Toujours au même niveau, deux expositions temporaires font fureur. On croit le conservateur sur parole, tant il y a peu de monde alentour. Et on est loin de s’en plaindre, au contraire ! À côté du café du musée, se déploie un labyrinthe de murs en plastique de couleur transparents. Une installation signée Olafur Eliasson. Ce nom sonne familier. N’est-ce pas l’artiste danois qui vient, au nom de la COP21, de présenter 80 tonnes de banquise sur la place du Panthéon ? Tout à fait ! Dans la salle suivante, une soixantaine de maisons en pain d’épice sont en lice. Chacune est l’œuvre d’un inconnu. Résultats de ce concours improbable, à venir le 6 janvier. Suspense !

Peplum - 7 janvier 2016 

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Pas un couac dans le projet servi au 11, avenue du Président Wilson. Son titre, Warhol Unlimited, renvoie tant à la démarche obsessionnelle d’Andy Warhol, le roi de la sérigraphie, qu’à l’ampleur du marché qu’il représente. Une vingtaine d’expositions par an lui est consacrée dans le monde entier. C’est pourquoi les co-commissaires Sébastien Gokalpet et Hervé Vanel tenaient coûte que coûte à éviter l’angle rétrospectif. Mission accomplie, grâce à un prêt exceptionnel de la Dia Foundation. Venue pour la première des États-Unis, la série Shadows évoque une forme de mégalomanie, une esthétique de l’itération et un dynamisme, qui caractérisent tous autant le pape incontesté du Pop Art.

Dans l’ombre de Warhol

Dans la première salle, un autoportrait. Quoi de plus logique d’ouvrir l’exposition sur son sujet, pour ne pas dire objet d’étude ? En effet, la présence de quelques boîtes de soupe Campbell (1962), dont la majorité repose actuellement au MoMA, en face, participe presque à une personnification, à moins que l’approche de Warhol ne tende, au contraire, à une réification. Animés, inanimés, ses modèles, quels qu’ils soient, méritent d’être démultipliés, en théorie, à l’infini. Pourtant, aucune réplique ne se ressemble ; chacune se distingue par sa palette, sa matière… Les traces d’écoulement de peinture, les morceaux de toile déchirée sont autant d’ « accidents de surface » auxquels Warhol aspirait. « J’essaie de faire les choses très mal, mais très bien », prétendait-il. Ce paradoxe est d’autant plus étonnant de la part d’un dandy à perruque qui passait son temps à essayer de maquiller ses défauts.

Parmi les motifs warholiens, on retrouve, dès la troisième salle, les chaises électriques (1963), images funestes dont l’artiste imposa au Whitney de les plaquer sur un papier peint jaune, constellé de vaches mauves. Pourquoi avoir reconstitué cet accrochage ? Pour montrer que le génie de Warhol s’étendait au domaine de la mise en scène. La combinaison d’un thème aussi violent que la peine de mort avec un fond trivial relève clairement de la provocation, une parmi tant d’autres. De même, les commissaires ont reproduit l’imprimé mural qui soutenait la série de portraits dédiée à Mao, en 1973. Dans la section intermédiaire, réservée aux fleurs, le parallèle entre l’activité de peintre et de scénographe saute aux yeux. Warhol débordait souvent des contours, ainsi que du cadre institutionnel. Libérer la couleur du carcan pictural traditionnel lui procurait autant de joie que déstabiliser le personnel d’un musée. Produits d’une pensée en perpétuel mouvement, ses audaces sauvent le public d’une contemplation statique.

Ça tourne !

Quoi de plus mobile que le septième art ? En 1965, Andy Warhol décrète se retirer de la scène picturale, afin de se consacrer exclusivement au cinéma (de κίνησις, en grec ancien, le mouvement). Au-delà des premières marches, dans le hall d’entrée, se voit projeté Kiss (1963), film muet qui montre une succession de couples en train de s’embrasser, pendant une petite heure. Une dizaine d’écrans animés des traits de Niki de Saint Phalle, DeVeren Bookwalter, Mario Montez marque la deuxième étape du parcours. Au-delà de l’espace bucolique susmentionné, on tombe dans une pièce circulaire rythmée par les images et la bande-son d’un clip réalisé par le Pop artiste pour le groupe The Velvet Underground.

« C’est plus simple d’appuyer sur un bouton ». Ainsi Warhol justifiait sa fascination pour la caméra. Fausse paresse. Contrairement à ses déclarations, il ne renonça toutefois jamais au dessin. L’apologie du mouvement, et de la liberté qui en découle, atteint son paroxysme dans une pièce peuplée de ballons argent gonflés à l’hélium. Grâce au soutien de l’agent de la sécurité, le commissaire Hervé Vanel a obtenu le maintien de cette installation, tandis que la direction du musée craignait, elle, de voir les coussins volants flirter avec des toiles. S’ensuit Empire, plan fixe de l’Empire State Building depuis le coucher du soleil jusqu’à la tombée complète de la nuit, dont le but est de déjouer la contemplation du spectateur par un manque évident de contenu.

Les ombres de Warhol

De même, l’accrochage de Shadows, réservé, tel le meilleur, pour la fin, plonge les visiteurs dans une dynamique particulière et ce, malgré son statisme apparent. Cet ensemble de cent deux toiles déclinées dans dix-sept tons différents se déroule sur les dernières cimaises de l’exposition, à l’instar d’une pellicule de film. Vouée à être examinée panneau par panneau, cette œuvre synthèse se balaye, dans un premier temps, du regard. Comment monter une installation aussi monumentale ? « Nous avons décidé d’accrocher les toiles au fil du déballage ; ce qui nous a pris quatre jours. Il nous aurait fallu des semaines pour déterminer quelle couleur rattacher à une autre ». Pourquoi cent deux ? À l’origine, Warhol avait conçu cent huit séquences. Son commanditaire en a exclu six. De toute façon, ainsi que l’affirme Hervé Vanel, il est peu probable que les visiteurs s’amusent à dénombrer les ombres juxtaposées. Sur ce, en avant, marche !

“Warhol unlimited”, jusqu’au 7 février. Musée d’art moderne de la Ville de Paris

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Le visiteur est invité à franchir deux seuils parisiens, celui du 33, rue Saint-James, et celui du 55, rue de Babylone. Ces deux adresses correspondent respectivement à la dernière demeure de Jacques Doucet (1853-1929), ainsi qu’à l’appartement qu’Yves Saint Laurent (1936-2008) partageait avec son compagnon et associé Pierre Bergé.

Picasso wall

Passés quelques Picasso, un Man Ray, un Manet et des masques africains, une question taraude pourtant le spectateur : où suis-je ? Aussi louable soit-elle, cette sensation de dépaysement est propice à la déconcentration. Au lieu d’apprécier les œuvres, le public se demande constamment où il met les pieds. Suis-je arrivé chez Saint Laurent ? Où suis-je encore chez Doucet ? La couleur des cimaises est un indice aussi faible que la provenance des œuvres. Oiseuse s’avère toute quête de points de repère, à moins de s’en référer au fascicule distribué à l’entrée. Encore faut-il l’avoir ! Autrement, on est voué à errer entre deux univers aux frontières incertaines. Bonjour le flou artistique !

Andy Warhol wall

Le doute une fois dissipé – les trois premières salles sont consacrées à Doucet ; les deux dernières, à Saint Laurent -, une seconde visite s’impose, d’autant plus que l’espace est restreint, pour ne pas dire intime. Le point du fort du parcours demeure sans nul doute les œuvres. Parmi les pièces présentées, on compte des Warhol, un Rousseau, des Chirico, un Mondrian, un Brancusi… De ce point de vue-là, bien entendu, il n’y a rien à dire. Qui ne rêverait de vivre entouré de pareilles merveilles ?

Ambiance

Toutefois, la sélection de la Fondation Pierre Bergé Yves Laurent est-elle vraiment idéale ? Il aura fallu deux ans à Jérôme Neutres et à son équipe pour regrouper des œuvres dispersées aux quatre coins de la planète. Quel intérêt de recomposer une partie de la collection vendue en 2009 au Grand Palais ? La présence de Doucet se justifie-t-elle par le refus de certains prêts ? De même, la reconstitution de l’appartement d’Yves Saint Laurent et de Pierre Bergé n’est pas fidèle à la réalité. Si le foyer du couple était connu pour être surchargé, la scénographie de l’ensemble s’avère, à l’inverse, relativement épurée. Enfin, les deux couturiers, nés à des époques différentes, ne se sont, cela va de soi, jamais fréquentés. Autrement dit, l’exposition ne repose que sur leur passion commune pour l’art. Est-ce suffisant ? Sûrement pour les esthètes venus se repaître de palettes et de contours exceptionnels. Les autres n’ont plus qu’à faire un petit tour du côté de chez Malraux et de son musée imaginaire.

Jacques Doucet -Yves Saint Laurent. Vivre pour l’art, jusqu’au 14 février (la Saint-Valentin). Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris. 

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Vous l’aurez compris, le stade de Roland Garros abrite un musée. Un musée qui relate l’histoire du tennis français et, par conséquent, la genèse de l’unique tournoi du grand Chelem sur terre battue. Or qui dit musée, dit généralement œuvres d’art.  À juste titre car l’ex- « tenniseum » renferme d’insoupçonnables trésors.

En bas des escaliers encadrés par une vitrine de raquettes, un projet d’affiche, réalisé par l’ancien joueur de rugby et artiste toulousain Jean-Pierre Rives (né en 1952), accueille les visiteurs. Une œuvre hybride, à cheval entre peinture et sculpture.

Jean-Pierre Rives, Projet d’affiche pour l’Open de Paris, 1995, peinture et métal

Posté à l’entrée de la salle d’exposition permanente, un assemblage de raquettes signé Arman (1928-2005) – et non Armand comme le footballeur, une confusion est vite arrivée – annonce d’emblée la couleur : le tennis est un pilier de l’art contemporain.

Comme quoi, Arman n’a pas compressé que des instruments

Parlant pilier, c’est derrière une colonne blanche, que se cache l’œuvre légendée : « Maître Corbeau / Sur un arbre perché / Tenait dans son bec un cordage / Babo le Renard / Qui passait par là, / Attiré par l’odeur accordée, / Lui tint, détendu, ce langage : / “Quelque chose circule dans mes veines / Et ce n’est pas un fromage…” / On connaît la suite ». Certes.

Raquette immaculée, légère comme une plume ?

Côté peinture, le musée n’est pas en reste avec, pour commencer, un tableau que l’agilité de Suzanne Lenglen (1899- 1938) aurait inspiré au peintre cubiste André Lhote (1885-1962).

André Lhote, Double mixte, 1917

Un peu plus loin, dans la continuité d’une vitrine dédiée  aux Quatre Mousquetaires, trône un Warhol (1928-1987). Parfaitement ! Son modèle : la championne américaine Chris Evert (née en 1954), sept fois gagnante à Roland Garros, que le maître du Pop Art représente dans le même style que ses portraits de Marilyn Monroe et de Liz Taylor. Une autre version, déclinée en vert, serait détenue par la tenniswoman.

Andy Warhol, Chris Evert, 1984

À droite, en sortant de la salle d’exposition permanente, s’étire une galerie confrontant diverses toiles de Juan Uslé (né en 1954), y compris l’affiche du tournoi de cette année.

Viva Juan Uslé !

En effet, depuis 1980, la FFT (Fédération Française de Tennis) invite des artistes à marquer Roland Garros, et son poster annuel, de leur empreinte. Ainsi, le tennis français se plonge tour à tour dans les univers d’Arroyo, Garache, Miro, Pignon-Ernest, Di Rosa, Plensa… Des noms que l’on retrouve placardés sur un mur séparant deux expositions temporaires, et dont les originaux reposent secrètement dans les réserves du musée. Un trésor qui laisse rêveur…

 Les fameuses affiches qui ont incarné le tournoi  de 1980 à aujourd’hui

ÉCOUTER AUSSI : les deux enregistrements liés à cet article.

Musée de la Fédération Française de Tennis

Stade Roland Garros

2, avenue Gordon-Bennett

75016 Paris

Ouvert de 10h à 18h les mercredis, vendredis, samedis et dimanches (TOUTE L’ANNÉE et non pas seulement durant les deux semaines de tournoi)

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