Paroles d’instituts !

 Le plus complet : Le Centre Georges Pompidou nous entraîne dans ses collections et expositions temporaires, passées (Boltanski, Bacon…) ou en cours (« Christo et Jeanne-Claude. Paris » aurait dû ouvrir, il y a peu), au travers d’enregistrements d’une demi-heure maximum (deux minutes par oeuvre).

Le plus incarné : La mini-série « Quand la peinture raconte Léonard » tourne autour du maître éponyme, dont le Musée du Louvre détient cinq œuvres. La Joconde, une pop star ? La Belle Ferronnière, une imposture ? Chacune fait l’objet d’un savoureux épisode de sept minutes chrono.

Le plus vertigineux : Conférences, débats, entretiens… autant de rendez-vous sonores classés par exposition. De « Design contre Design » (2007) à « Toulouse-Lautrec » (2020), c’est un véritable voyage dans le temps que nous propose Le Grand Palais.

Le plus mélodieux : Le Musée de l’Homme s’est associé à la Médiathèque musicale de Paris pour composer quinze trajectoires au diapason sa dernière expo, « Nous et les autres ». Une playlist décoiffante, allant de Duke Ellington à Miriam Makeba.

Le plus trognon : Et les enfants alors ? Le Musée d’Orsay a imaginé pour eux « Promenades imaginaires », treize histoires sur ses collections, et « Au pays des monstres », cinq contes inspirés de l’univers de Léopold Chauveaux, héros de sa dernière expo.

Paroles d’individus !

Les plus féminins : « Femmes d’arts » et « Les PassionariArts », donnent la parole au beau sexe.* Lancé par Marie-Stéphanie Servos, journaliste chez ELLE, le premier s’assortit d’un compte Instagram très esthétique. Le second est présenté par Adeline Cubères, fondatrice d’Artwork in promess, qui accompagne la création d’œuvres d’art pour des partenaires donnés.

Le plus pro : On ne présente plus Jean de Loisy, ancien président du Palais de Tokyo, à la tête des Beaux-Arts de Paris. C’est lui qui anime « L’art est la matière » sur France Culture, où il commente l’actu des musées, aux côtés de leurs acteurs.

Le plus pointu : Raphaëlle Le Baud est tombée dans la marmite des métiers d’art, en 2010. Depuis, elle a créé le podcast « The Craft Project », et le Think Tank du même nom, afin de penser à l’avenir des artisans qui passent derrière son micro.

Le plus vivant : Ils sont deux à l’origine du podcast « Le Bruit de l’art », Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne, historiens de l’art qui font en sort d’interviewer un artiste tous les quinze jours.

Le plus pétillant : « Bav{art}dages », sur France Inter, c’était lui. Dans « Bulle d’Art », Julien Baldacchino ne fait plus parler les œuvres. Il les commente lui-même, avec bienveillance, de même que ses artistes, ou expositions-coups de coeur.

* J’allais écrire « galanterie oblige », jusqu’à ce que je me penche sur l’étymologie du mot. Galant, vient de l’ancien verbe galer, qui signifie dissiper en plaisirs, lequel découle de l’ancien bas francique wala, à savoir bien, soit well, en anglais. En voilà un puits (a well, toujours en anglais) de contradictions sans fond ! Sans oublier le dérivé gallo-romain walare, qui veut dire se la couler douce.

Rembobinons (et non embobinons). En inversant le « l » et le « a » de galant, on passe de glander (walare) à bien (wala), et s’amuser (galer). Hey, gals (variante de girls, en américain) ! Attention ! Apparemment, l’habit ne fait pas le damoiseau.

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Il est mort à 28 ans. Mon âge. Difficile de ne pas se projeter, même inconsciemment. Si cette précocité force a priori la tendresse, Frédéric Bazille ne sort que rarement de l’ombre de ses contemporains, exposés en vis à vis. Avis à ceux que l’objectivation hégelienne taraude : ce destin pré-impressionniste donne encore plus envie de laisser une trace, et surtout de parfaire celle-ci avant de quitter cette terre.

Le parcours, thématique et chronologique, confronte les toiles de Bazille à celles de ses pairs, parmi lesquels Renoir et Monet, avec qui il partagea un atelier dans le 6ème arrondissement de Paris. Passées les premières salles nourries de cette profonde amitié, le spectateur est voué à s’arrêter devant un portrait qui fut longtemps considéré comme un autoportrait. Cette ténébreuse silhouette brossée sur un paysage normand, soulève une question : comment se représenter soi-même de profil ? L’autoportrait en question vient d’être attribué à Claude Monet, qui l’aurait exécuté, non au Saint-Sauveur comme l’indiquent certains titres sur internet, mais à Saint-Siméon. D’ailleurs, s’agit-il vraiment de Frédéric Bazille ? Pour peu qu’un modèle masculin de cette époque porte une barbe, il se voit immédiatement associé à Bazille, le hipster du XIXe siècle. La composition qui ponctue la section précédente contrarie cette intuition, au vu de la pilosité des personnages représentés. Ces réflexions me sont parvenues de la bouche d’un spécialiste qui sillonnait l’exposition en en soulignant haut et fort les défauts. Plus désagréable tu meurs, comme on dit.

Comme Bazille, à 28 ans. Autant dire que l’impressionniste en herbe n’a pas véritablement eu le temps de développer son style. C’est le sentiment qui domine au sortir du parcours, bien que celui-ci soit bien construit. Difficile, dans ces conditions, d’en dresser le profil artistique. La Normandie de Monet fait de l’ombre à ses scènes forestières. Sa palette se révèle, à peu de choses près, moins nuancée que celle de Renoir. Les bouquets de Fantin-Latour sont plus vivants que nature. Au milieu de ses maîtres, Bazille passe presque inaperçu. Presque. Le « nu étendu » qui marque ses débuts a beau s’inspirer d’« Olympia », il présente une technique et une sensualité à part. Ceci n’est, bien sûr, que mon humble opinion. Je regrette même que la boutique vende l’icône de Manet plutôt que la déesse bazillienne en carte postale. Là où le jeune peintre se distingue vraiment, c’est dans la représentation des lumineux remparts d’Aigues-Mortes. Voilà le filon qu’il aurait pu exploiter s’il avait vécu plus longtemps. Quel soulagement ! En fin de compte, sur lui, « le soleil se lève aussi ».

> Frédéric Bazille (1841-1870). La jeunesse impressionniste, jusqu’au 5 mars. Musée d’Orsay, Paris. 

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Malgré leurs vingt années d’écart, tous deux sont nés d’un père artiste. De là, la précocité de leur vocation, pour ne pas dire talent, que confirme la confrontation de leurs travaux adolescents. À un héritage similaire s’ajoute une fascination pour la préhistoire, la mort, l’éros, quoique l’érotisme soit peut-être plus présent dans l’œuvre de Picasso. Et encore, cela reste à prouver. De la théorie, on glisse doucement vers le concret. Rencontre il y a bien eu entre ces deux géants, ces deux génies, en 1931. Une rencontre qui, contrairement à leurs œuvres (salle 5) ignore le plat, soit le plan. Non, leur amitié n’est pas un mythe, comme en témoignent les archives dévoilées au premier étage. Un ami commun, Georges Bataille, entre autres. Contrairement à Giacometti, Picasso, qui admirait le mouvement, ne s’est jamais mêlé au surréalisme. Communistes, obsédés par la question du réalisme (tout court), aucun n’a pourtant cédé au réalisme socialisme. C’est ce que nous révèle le bestiaire final, nous invitant à aller récupérer nos affaires au vestiaire. Le temps n’est pas encore à la fourrure, heureusement. Si certaines comparaisons auraient mérité d’être approfondies, la pertinence du propos global nous réchauffe le cœur. Coup de foudre garanti ! Avanti !*

Picasso-Giacometti, jusqu’au 4 octobre. Musée Picasso, Paris.

* référence à L’Homme qui marche (I), qui se dresse dans l’entrée, et auquel s’oppose, un peu loin, un étage plus haut, une Femme qui marche. Cette sculpture, méconnue, effectue un plus petit pas que son homologue masculin. 

REGARDER AUSSI : la vidéo liée à cet article.

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Paru dans The Art Newspaper, le 21 septembre 2016

Jean-Michel Othoniel’s Peony Knot (2015) is installed on Level 3 of the Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace (Image: MMFA, Denis Farley)It is already the largest museum complex in Quebec, but the Montreal Museum of Fine Arts (MMFA) is about to not only get bigger but also holistic, with the launch of its fifth pavilion in November. The museum’s director, Nathalie Bondil, recently took us on a tour of the light-filled but still largely empty Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace.

“This work fits in perfectly,” Bondil said, standing under Jean-Michel Othoniel’s mirrored glass sculpture Peony, The Knot of Shame (2013). “In China, peonies symbolise wellbeing.” This focus on visitors’ welfare is at the new structure. “The pavilion’s two lower levels will be devoted to education and community programmes, with a strong focus on art therapy,” Bondil explained. “It will be a place for families to find medical guidance; two doctors, including my own, will take turns. It will also serve as a place to learn and practise art.”

The Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace – International Art and Education (image: © Marc Cramer)

Art “brings peace to the soul”, Bondil said, which is how the pavilion got its name. “It also refers to Quebec being a refuge for so many people around the world, including Michal and Renata Hornstein themselves,” she explained. After they survived the Second World War by going into hiding, and found themselves in the same safe house in Bratislava, the Polish-Jewish couple immigrated to Montreal in 1951.

Michal joined the MMFA’s board of trustees in 1970. Over the years, the couple has donated 30 paintings and 330 drawings, including works by Willem van Aelst, Ferdinand Bol, Bartholomeus Breenbergh, Jan Brueghel the Elder, Pieter Claesz, Adriaen Isenbrandt, Jacob Van Ruisdael, Jan Steen, David Teniers the Younger, Willem Van de Velde the Younger and Philips Wouwermans. They also helped the museum to acquire many other works, with Michal serving as the chairman of the acquisitions committee from 1982.

In 2012, the couple donated 75 Old Master works valued at over $75m to the museum. “The government realised we needed a new pavilion to house it and granted us special funding,” Bondil said. “Quebec artists were then commissioned to make a peace-inspiring installation to complement the art already on display.” In addition to Othoniel’s suspended flower, six contemporary works will be displayed along side the Hornstein collection. “Although Patrick Beaulieu’s bird-filled installation won unanimously, I also wanted to involve the other competing artists in the building,” Bondil said.

The new pavilion is not the first to recognise the Hornsteins; they helped to pay for the restoration of the 1912 pavilion on Sherbrooke Street, which was named after them in 2000. “To avoid any confusion, we decided to add the title ‘For Peace’ in the name of our newest pavilion”, Bondil said.

Sadly, neither benefactor will attend the pavilion’s launch. Michal died in April this year, followed by Renata, three months later. “She was the one to encourage her husband to start an art collection,” Bondil said. “They will certainly be missed.”

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(faute de temps, cette chronique se veut ouvertement incomplète et déstructurée)

Je sais, je sais. J’avais mis un point d’honneur à… je m’étais fait un devoir de… ne parler que d’art sur ce site. Honneur. Devoir. Deux thèmes qui traversent la suite inattendue des aventures d’Harry Potter, rebaptisé Arty Potter pour l’heure. Elle ne devait pas raccrocher J. K. ? À croire que non. Et si, pour raccrocher les wagons justement (du HogwARTs Express), j’opérais moi aussi un tour de passe-passe ? Un tour de force ? Une farce, tout au plus, puisque je n’ai pas l’imagination de l’auteur. Des auteurs. En effet, ils sont trois à l’origine de ce spin off littéraire. J, J, J. J. K. Rowling elle-même, John Tiffany, et Jack Thorne, à qui l’on doit cette version dramatique. (J’ouvre une parenthèse,  prothèse rhétorique, pour protester contre l’emploi souvent déplacé du mot “théâtral” en français. Cf. n’importe quel dictionnaire).

Par souci de cohérence avec le reste de mes papiers sur l’art donc, je glisserai un “t” après la syllabe [ar]. Ainsi oserai-je gloser l’œuvre d’art – que je n’irai pas jusqu’à qualifier de chef-d’œuvre – “Harry Potter and the Cursed Child”, le huitième enfant de la saga dont nous sommes presque tous gaga (y compris la Lady ?). Pas loin de deux millions d’exemplaires vendus en deux jours, tout de même !

Le subterfuge est d’autant plus légitime que cela fait des années qu’HogwARTs  nous est présentée comme THE “School of  Witchcraft” (Oui, je l’ai acheté au Québec ; lu, en anglais, éternel favori. Exit ma langue maternelle) and Wizardry.” Autrement dit, la magie chez Rowling ressemble à un art, un artisanat ; et Potter (potier, chez les British), à un un artiste, un artisan qui pratique la Defence Again the Dark Art (détour obligatoire  par l’anglais car la traduction française “Défense contre les forces du Mal” corrompt mon argument).

Première question : pourquoi “ça” mar(t)che ? Pourquoi adhère-t-on à la magie, à l’art de Jack Thorne ?  Il doit y avoir un truc. Ou plusieurs. Tout d’abord, le dramaturge a su imiter la plume de Rowling. Ce n’est pas J. K. Ok ? On dirait, mais non. Il ne fait que pARTager (pas besoin de ruser) gloire et crédits avec l’auteure et John Tiffany, le metteur en scène. Deux gar(t)çons, une fille. Que ce soit voulu ou non, le trio évoque immanquablement la triade héroïque du livre. Voilà la magie du mar(t)keting…

Structurellement par(t)lant, certains modèles de l’heptalogie originale ont été reconduits. Pour le dire vulgairement, on ne change pas une équipe qui gagne. A la trinité Hermione-Harry-Ron répond le couple Albus-Scorpius, associé tantôt à Deplhi, la méchante (et moi qui vénérais l’oracle de Delphes… Pas de pitié chez la Pythie) ; tantôt à Rose, une gentille méchante. Ces structures agissent directement sur l’inconscient, réactivant des émotions éprouvées à la lecture des premières aventures de Mr. Potter.

Autres ARTifices : on compte quelques clins d’œil aux films. “Bloody brilliant!”. À ces mots, par(t) exemple, nos yeux entendent – pour ceux qui la connaissent – la voix de Rupert Grin.

Du point de vue du fond, à présent. Comme on pouvait s’y attendre, la pièce “Harry Potter and the Cursed Child” joue sur la nostalgie du lecteur. The oldest trick in the book!  La familiar(t)ité entretenue avec les personnages joue un rôle crucial dans l’appréciation de cette suite. Même Hermione ne raisonne qu’en stéréotypes. “Ron you have always been such a…” This and that. “Harry, why do you always have to…” Always. Always. “Forever and ever”, chanterait Aretha. Arrêtons-là. Quant à Giny, elle laisse aussi indifférent que dans les derniers épisodes de la série, lorsqu’elle commence à se rapprocher du héros. “Giny, who does not really know what to be”. Égale à elle-même, l’épouse potiche de notre cher Potter ne sait pas où se mettre.  Il semblerait que l’auteur ait choisi de noyer le lecteur dans sa comfort zone, pour amortir le choc d’un dépaysement nécessaire à son propre épanouissement en tant qu’écrivain. En d’autre termes, Jack Thorne préfère rassurer quant à son respect envers J. K. Rowling, avant de s’affranchir, toute proportion gardée, de cette dernière. 

La trame ne se complique pas outre mesure. Thorne s’est contenté d’inverser certains rapports, quoique en forçant lourdement le trait. He is trying too har(t)d (comme moi en jouant les Van Damme et en ajoutant des “t” inutiles). “Que ferais-je sans toi”, déclar(t)e Har(t)ry à Giny, après l’avoir envoyé promener. Harry désagréable ? Oui. De même, Draco se montre tour à tour aimable, amoureux, coopératif. Hermione souffre d’un accès d’étourderie. C’est le “et si” effect qui est à l’œuvre. Puis, tout rentre dans l’ordre. Comme il se doit. J’avais bien dit qu’il était question de devoir, autant pour l’auteur que pour l’héritier du grand Harry Potter, qui tente, pauvre “fils de”, de se forger un prénom.

Parmi les moindres modulations du dramaturge, l’absence quasi totale des Moldus dans sa pièce, laquelle présente, en contrepartie, l’avantage d’être courte.

Là où l’auteur exagère, c’est quand il fait de Bellatrix Lastrange la BIP de BIP ; et Delphi, la BIP de BIP.  SPOILER ALERT ! J’ar(t)rête, au risque de me montrer aussi peu subtile que Jack Thorne tirant sur un fil, déjà blanc dans les premiers chapitres. Un peu facile.

La véritable force de cet ouvrage demeure toutefois de nous faire voyager dans le temps. Que l’on soit fan de HP (acronyme plus que douteux, je vous l’accorde. Les histoires du magicien n’ont jamais poussé quiconque à la folie), un lecteur de la première heure, ou un novice, on se promène dans le passé, entre le Triwizard Tournament, marqué par la disparition de Cedric Diggori, et 1981, le soir où Lily et James Potter on sacrifié leur vie pour protéger leur fils contre He Who Cannot Be Named. Je ne m’étais pas rendu compte que j’étais plus jeune que Harry. J’ai toujours cru que nous avions le même âge, qu’il était né, comme moi, en… BIP… et que nous avions grandi ensemble.

Aujourd’hui, The Boy Who Lived a la quarantaine et trois enfants, dont ce Cursed Child imaginé par Jack Thorne. Les uns peuvent s’y identifier, tandis que ma génération se retrouve tiraillée entre le bébé de J. K. Rowling et Daniel Radcliffe, tête d’affiche des huit adaptations cinématographiques. Autrement dit, les presque trentenaires, les Millennials comme moi, sont condamnés soit à régresser, soit à vieillir plus vite, à un moment où, précisément, nous aimerions ralentir le processus de maturité ; à un moment où nous aimerions figer le temps.

Si J. K. a su ensorceler la moitié, voire plus, de la planète, en nous catapultant dans un monde par(t)allèle, aussi merveilleux qu’il peut être sombre, son collaborateur-successeur (l’enfant maudit ?) nous permet, non de rajeunir, mais de renouer avec une époque où nous baignions, pour la plupART, enfants, adolescents, dans l’insouciance.

> Harry Potter and the Cursed Child, Jack Thorne, Little Brown And Cie, 18,81€

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Am stram gram pic et pic et colégram… Instagram. #expo #art #musee #painting… Quel que soit le mot-clé tapé, le résultat de la recherche reste incertain. L’aléatoire a quelque charme pourtant, surtout dans le cadre d’un laboratoire. C’est ainsi que l’on pourrait voir Instagram dans le monde de l’art. L’application, qui permet à l’origine de partager photos et vidéos, est devenue, en quelques années, un support esthétique à part entière, faisant de ses utilisateurs des artistes en puissance. De là de nouveaux enjeux éthiques, qu’il s’agirait peut-être de redéfinir…

Instagram, vitrine de l’art par défaut

Conçue pour accueillir photos et vidéos, l’application semblait prédestinée, par sa nature même, à rejoindre le huitième art. Pourtant, galeries, artistes, et musées ont tardé à l’utiliser. D’où la disparité des œuvres postées, à savoir exposées en ligne.

Sur ses 550 millions d’utilisateurs (dernières données en date), combien d’artistes ou graines d’artiste compte Instagram ? Telle est la question, dont le service de communication n’a pas la réponse. Comment ? Il n’existe pas de logiciel interne capable de recenser certains profils ? Non.

Partons cependant du principe que les musées ont tous, ou presque, fini par se créer un compte, devenant ainsi l’objet d’une mise en abyme. Des galeries dans une galerie sans fond, avec un potentiel de visibilité croissant. Le Louvre, Orsay, Perrotin… plus personne n’échappe à la griffe, aux griffes d’Instagram, qui bourre et bourre et rata… tine les réseaux sociaux concurrents… Plus besoin de se connecter à Facebook ou Twitter. Instagram fait d’une pierre un, deux, voire trois ou quatre coups. L’option « Publier », qui survient à la fin du processus d’édition, propose de partager n’importe quelle image sur d’autres plateformes virtuelles (Tumblr, Flickr), à des fins personnelles ou professionnelles.

Qui se cache derrière les posts de @gagosiangallery, @simonleegallery… ? Le marchand d’art en personne ? Son stagiaire ou, selon ses ressources, un community manager employé dans le seul but de promouvoir une programmation en cours et à venir ? Dans le cadre de cette dernière fonction, Instagram apparaît, certes, comme un précieux outil de communication. De là les opérations dernièrement lancées par les musées, parmi lesquelles #emptylouvre (ouverture de des portes rien que pour les Instagrammers) ou #MuseumInstaSwap (après avoir été nommés “les 10 meilleurs musées de Londres sur Instagram” par la rédaction du Londonist, le British Museum, le Musée du Design, le V&A, le Musée des Sciences, la Wellcome Collection, le Musée d’Histoire Naturelle, le Musée et Jardins Hornimans, l’Imperial War Museums, le Musée des Transports de Londres, et le Royal Museums de Greenwich se sont engagés, le temps d’un weekend, à publier deux par deux, sous forme de montages, des photos de leurs collections). Entre les # (hashtags) et les @ (arobases), on s’y perd. Les profils d’une même entité se démultiplient à l’infini. Doublons, triplons la mise… Dans cette culture de la surenchère, propre à notre chère et pas tendre société de surconsommation, qui dit mieux ?

Certains artistes, qui utilisent aussi Instagram comme galerie, possèdent différents comptes. Tel est le cas d’Anish Kapoor. Sur @anish.kapoor, le plasticien indo-britannique reporte les photos de ses dernières œuvres avec pour légende unique « #anishkapoor #art #contemporaryart », laissant le soin à ses abonnés d’exprimer, en dessous, leur opinion. Les clichés postés sur son @dirty_corner (alias Le Vagin de la Reine, dans sa forme sculpturale, trompe en acier de 60 mètres, plantée au cœur la Fabbrica del vapor à Milan, en 2011) apparaissent, quant à eux, comme des œuvres à part entière, sans titre. Le nom de cet espace virtuel évoque moins une poubelle où l’artiste se débarrasserait de ses ratés, que la matérialité d’une salle d’exposition tenue par quatre murs, un sol, et un plafond. En ce sens, le « coin sale », ou sale coin, de Kapoor doit s’appréhender comme une pseudo-galerie, réservée à des photographies de nature expérimentale. D’ailleurs, ces photos sont-elles qualifiées d’œuvres en raison de leur qualité plastique, ou bien parce qu’elles sont signées d’un artiste de renommée internationale ?

Un nouveau matériau à exposer

Si les clichés de stars rayonnant dans la profession ont plus de chance d’être estampillés chefs-d’œuvre, Instagram se veut une application user-friendly, au sens où elle doit rendre, par ses fonctionnalités, l’art de la photographie accessible à tout un chacun.

L’application puise sa force dans un éventail de filtres, qui donnent à l’utilisateur lambda l’impression de maîtriser la photo. Photographiez une bouteille d’eau sans intérêt, activez l’effet sépia, et le tour est joué ! En quête d’une reconnaissance complète, d’aucuns se voient alors contraints de signaler la beauté « naturelle » de leur clichés par la mention #sansfiltre / #nofilter. Rendons à ces as, ce qui est à ces as. Tout le mérite reviendrait à leur sens inné du cadrage, et non à de vulgaires artifices. C’est de bonne guerre, quoique l’art en général regorge de techniques, de styles différents. Picasso a traversé une phase bleue, avant de voir la vie en rose. Si les filtres se déclinent comme autant de couleurs sur la palette d’un peintre, Instagram se veut une pépinière d’artistes potentiellement dignes d’être exposés.

Pourquoi pas ? Cette année, l’application a franchi un cap et proposé à 25 instagrammeurs – orthographe à la française, pour changer – d’exposer leur vision de Paris. Où ? À la galerie Sparts, dans le 6ème arrondissement. Quand ? C’était du 1er au 4 juillet. Parmi les talents sélectionnés se trouvait Lucille Clerc, auteur d’un des dessins les plus relayés après l’attentat contre Charlie Hebdo. Comment distinguer les bons des mauvais Instartistes ? Qui juge de leur talent ?

Du like à l’arnaque

Instagram démocratise autant la pratique que la critique de la photo. L’essor des réseaux sociaux s’assortit de la culture du « like ». Tout le monde peut donner son avis, à tout à moment, au vu de tous. Un pouce vers le haut. Un pouce vers le bas (pollice verso, en latin), sur Facebook. C’est par ce geste que les empereurs ordonnaient la mise à mort d’un gladiateur vaincu. Un cœur, sur Instagram. Les symboles standardisent l’opinion. Oui. Non. On enchaîne. En ligne, la note est synonyme de cote. Plus un compte a d’abonnés, plus il a de chance, ainsi que la personne qui l’a crée, de devenir célèbre. De même, plus une photo reçoit de commentaires, de préférence positifs, plus elle circule sur la toile, avant d’être accrochée, comble du succès, telle une toile, dans une galerie. Si tous les abonnés – moi y compris – sont des artistes et des critiques de plus ou moins bas étage, Instagram devient un collectif, une communauté dont les membres sont susceptibles d’être plagiés.

En tant que support d’une expression qu’on est libre de qualifier d’artistique ou non, Instagram subit les mêmes dérives que les arts, qu’il s’agisse de la littérature, de la musique, ou de la peinture. En mai 2015, un certain Richard Prince a sélectionné 37 photos sur Instagram et opéré autant de captures d’écran afin de les revendre ensuite à la FRIEZE Art Fair de New York. L’un de ses “chefs-d’œuvre”, inspiré / emprunté à Doe Deere (@doedeere), a été vendu à non moins de 90 000 dollars. Une belle somme dont l’Instagrammeuse ne verra jamais la couleur. Vert. De rage. Celle-ci a d’ailleurs notifié à ses 328 000 followers qu’elle n’avait jamais donné son feu, vert (encore !), pour que Mr. Prince lui “vole” son cliché (le larcin n’en serait plus un avec son approbation). Ultime pied de nez : le cyber-faussaire a intitulé sa dernière exposition « Original ». En somme, Cet incident accuse un vide juridique à l’endroit des Instartistes. 

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America after the Fall. Painting in the 1930s, jusqu’au 18 septembre. The Art Institute of Chicago. 

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Paru dans le Journal des arts, le 29 juillet 2016

NEW DELHI (INDE) [29.07.2016] – Syed Haider Raza, l’un des pionniers de l’art contemporain indien, s’est éteint le 23 juillet, à l’âge de 94 ans.

Le temps a fait son œuvre : Syed Haider Raza n’est plus. D’après son ami le poète Ashok Vajpeyi, le peintre inspiré aurait rendu son dernier souffle aux alentours de 11h, samedi dernier, après avoir passé deux mois en soins intensifs dans un hôpital privé de New Delhi. Il rejoint ainsi sa femme, feue l’artiste française Janine Mongillat (1929-2002), qui n’est pas sans avoir renforcé ses liens, déjà puissants, avec l’Hexagone.

Né en 1922 dans le Madhya Pradesh, Etat du centre de l’Inde où il a demandé à être enterré, Syed Haider Raza étudie l’art et la poésie à Nagour (1939-1945) et Bombay (1945-1948), avant de rejoindre l’École des beaux-arts de Paris, en 1950. Sans bourse, le diplômé trentenaire économise afin d’acheter du matériel de qualité, plutôt que de refaire sa garde-robe. Sur les conseils d’Henri Cartier-Bresson, rencontré peu avant sa venue en France, il se penche sur les compositions de Cézanne, pour se tourner progressivement vers l’abstraction. Couronné du Prix de la critique en 1956, il se voit exposé, deux ans plus tard, à la galerie Lara Vincy, rue de Seine.

L’Inde reste malgré tout très présente dans son œuvre. Dans les années 1980, après un exil volontaire de près de soixante ans, Raza décide de renouer avec ses racines. Un retour aux sources qui confirme son statut de pont entre divers continents, civilisations, voire religions. Son intérêt se porte alors sur le tantrisme, en tant que modèle d’unité. Calvaires bretons et temples hindouistes cohabitent en parfaite harmonie dans ses créations. Sa palette cézanienne embrasse et embrase des formes géométriques évoquant le « bindu », cette origine du monde que les Indiennes arborent souvent, sous forme de point rouge, sur leur front. Le pluralisme s’estompe sur la route qu’il emprunte et préconise vers le nirvana. Un et un ne font plus deux, mais un. L’artiste redécouvre le patrimoine culturel de son pays, la poésie, la musique et la danse indiennes…

Ces nouvelles pistes, il les creuse à distance, avant de rentrer définitivement au bercail, en 2010. Ses dernières années en France, Raza les partage entre son atelier parisien et sa résidence secondaire de Gorbio, village perché sur les hauteurs de Menton, auquel il cède un ensemble de toiles évalué à 10 millions d’euros, en 2008. Cette donation comporte, outre une partie de sa collection, des travaux personnels qui accusent, là encore, son biculturalisme.

Son œuvre des plus syncrétiques lui vaut maintes récompenses au fil des ans. Nommé commandeur de la Légion d’honneur en 2015, il doit également au gouvernement indien de prestigieuses distinctions telles que le Padma Shri (1981), le Padma Bhushan (2007) et le Padma Vibhusan (2013), qui témoignent de son influence croissante sur la scène artistique internationale.

Fer de lance du Progressive Artist Group, qu’il cofonde en 1948 contre le traditionalisme de l’École du Bengale, Sayed Haider Raza est devenu, en quelques années seulement, l’un des artistes indiens les plus connus et, par là même, cotés de sa génération. En 2005, La Terre, une huile datant de 1984, est achetée 196 418 euros par une galerie américaine chez Artcurial, à Paris. Une semaine plus tard, Le Village, un tableau de 1998 estimé 40 000 euros, secoue le Landerneau des ventes, en atteignant l’enchère la plus élevée (303 200 euros) chez Christie’s. L’année qui suit, à Drouot, deux de ses acryliques sur toile, Sans titre, 77 et La Terre, 71, sont adjugées pour respectivement 158 000 et 79 000 euros (prix d’origine : 45 000 et 35 000 euros). Puis, chez Christie’s, une toile de 1975 atteint la somme sommet de 744 000 euros. Enfin, 2010 bat tous les records : la collectionneuse Kiran Nadar débourse 2,3 millions de livres sterling, soit presque trois millions d’euros, pour une pièce de Raza.

Ainsi, grâce à ce génie de la plastique « fusion », l’art contemporain indien s’est progressivement ouvert au reste monde.

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