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Mais où est donc Guernica ? Pas au Musée Picasso, en tout cas. Peu importe ! L’exposition consacrée au chef-œuvre du maître espagnol – conservé depuis 1992 au Musée Reina Sofia de Madrid – vaut vraiment le détour. On y va… Pas de quartier !

Guernica, du 27 mars au 29 juillet. Musée Picasso, Paris (75003).

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Malgré leurs vingt années d’écart, tous deux sont nés d’un père artiste. De là, la précocité de leur vocation, pour ne pas dire talent, que confirme la confrontation de leurs travaux adolescents. À un héritage similaire s’ajoute une fascination pour la préhistoire, la mort, l’éros, quoique l’érotisme soit peut-être plus présent dans l’œuvre de Picasso. Et encore, cela reste à prouver. De la théorie, on glisse doucement vers le concret. Rencontre il y a bien eu entre ces deux géants, ces deux génies, en 1931. Une rencontre qui, contrairement à leurs œuvres (salle 5) ignore le plat, soit le plan. Non, leur amitié n’est pas un mythe, comme en témoignent les archives dévoilées au premier étage. Un ami commun, Georges Bataille, entre autres. Contrairement à Giacometti, Picasso, qui admirait le mouvement, ne s’est jamais mêlé au surréalisme. Communistes, obsédés par la question du réalisme (tout court), aucun n’a pourtant cédé au réalisme socialisme. C’est ce que nous révèle le bestiaire final, nous invitant à aller récupérer nos affaires au vestiaire. Le temps n’est pas encore à la fourrure, heureusement. Si certaines comparaisons auraient mérité d’être approfondies, la pertinence du propos global nous réchauffe le cœur. Coup de foudre garanti ! Avanti !*

Picasso-Giacometti, jusqu’au 4 octobre. Musée Picasso, Paris.

* référence à L’Homme qui marche (I), qui se dresse dans l’entrée, et auquel s’oppose, un peu loin, un étage plus haut, une Femme qui marche. Cette sculpture, méconnue, effectue un plus petit pas que son homologue masculin. 

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Le visiteur est invité à franchir deux seuils parisiens, celui du 33, rue Saint-James, et celui du 55, rue de Babylone. Ces deux adresses correspondent respectivement à la dernière demeure de Jacques Doucet (1853-1929), ainsi qu’à l’appartement qu’Yves Saint Laurent (1936-2008) partageait avec son compagnon et associé Pierre Bergé.

Picasso wall

Passés quelques Picasso, un Man Ray, un Manet et des masques africains, une question taraude pourtant le spectateur : où suis-je ? Aussi louable soit-elle, cette sensation de dépaysement est propice à la déconcentration. Au lieu d’apprécier les œuvres, le public se demande constamment où il met les pieds. Suis-je arrivé chez Saint Laurent ? Où suis-je encore chez Doucet ? La couleur des cimaises est un indice aussi faible que la provenance des œuvres. Oiseuse s’avère toute quête de points de repère, à moins de s’en référer au fascicule distribué à l’entrée. Encore faut-il l’avoir ! Autrement, on est voué à errer entre deux univers aux frontières incertaines. Bonjour le flou artistique !

Andy Warhol wall

Le doute une fois dissipé – les trois premières salles sont consacrées à Doucet ; les deux dernières, à Saint Laurent -, une seconde visite s’impose, d’autant plus que l’espace est restreint, pour ne pas dire intime. Le point du fort du parcours demeure sans nul doute les œuvres. Parmi les pièces présentées, on compte des Warhol, un Rousseau, des Chirico, un Mondrian, un Brancusi… De ce point de vue-là, bien entendu, il n’y a rien à dire. Qui ne rêverait de vivre entouré de pareilles merveilles ?

Ambiance

Toutefois, la sélection de la Fondation Pierre Bergé Yves Laurent est-elle vraiment idéale ? Il aura fallu deux ans à Jérôme Neutres et à son équipe pour regrouper des œuvres dispersées aux quatre coins de la planète. Quel intérêt de recomposer une partie de la collection vendue en 2009 au Grand Palais ? La présence de Doucet se justifie-t-elle par le refus de certains prêts ? De même, la reconstitution de l’appartement d’Yves Saint Laurent et de Pierre Bergé n’est pas fidèle à la réalité. Si le foyer du couple était connu pour être surchargé, la scénographie de l’ensemble s’avère, à l’inverse, relativement épurée. Enfin, les deux couturiers, nés à des époques différentes, ne se sont, cela va de soi, jamais fréquentés. Autrement dit, l’exposition ne repose que sur leur passion commune pour l’art. Est-ce suffisant ? Sûrement pour les esthètes venus se repaître de palettes et de contours exceptionnels. Les autres n’ont plus qu’à faire un petit tour du côté de chez Malraux et de son musée imaginaire.

Jacques Doucet -Yves Saint Laurent. Vivre pour l’art, jusqu’au 14 février (la Saint-Valentin). Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris. 

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A Lyon, on ne présente plus Jacqueline Delubac. Peut-être les Parisiens ont-ils néanmoins besoin d’une piqûre de rappel. D’où l’intérêt de la première salle de l’exposition, une antichambre regroupant une nature de morte de Pierre Bonnard, Poisson sur une assiette (1921) (première toile à entrer au musée, NDLR) et, au fond, une vitrine parsemée de clichés noirs et blancs, parmi lesquels des photomatons potaches. Un portrait d’Isabelle Delubac, la mère, le coach de Jacqueline, par Paul Audra (1913) introduit les visiteurs dans le vif du sujet. Francis Bacon, Auguste Rodin, Jean Dubuffet… autant de noms accrochés dans l’entrée de l’appartement de celle que l’on finit par surnommer « la femme la plus élégante de Paris ». Et la visite ne fait que commencer ! Au milieu d’œuvres que la coquette décida de léguer à l’institution lyonnaise en 1993, à savoir quatre ans avant sa malencontreuse disparition.

Roger Kahan, Jacqueline Delubac, (c) Succession Delubac 

De la scène au rôle de mécène

Rien ne prédestinait Jacqueline Delubac à collectionner des œuvres d’art. Sa vocation première était de devenir danseuse. Le destin la hissera sur la scène des Bouffes Parisiens puis, sur un piédestal dont Sacha Guitry, devenu son Pygmalion en 1934, ne la poussera jamais malgré un divorce consenti en 1939. Elle doit au dramaturge d’avoir propulsé sa carrière d’actrice, façonné son image, ainsi qu’un certain goût, pour ne pas dire un goût certain pour l’art. Un certain goût parce qu’elle développera une sensibilité plus moderne que son amant et mentor, classique comme son père. La plupart des toiles tapissant les murs du 18, avenue Élysée Reclus appartenaient, en effet, à Lucien Guitry, ami d’Auguste Rodin, Renoir et Claude Monet, dont l’hôtel particulier fait, à Lyon, l’objet d’une reconstitution virtuelle. Face au film projeté à mi-parcours, les tableaux auxquels la troisième épouse de Guitry Junior eut l’occasion de côtoyer pendant quatre années.

Iris, messagère des dieux, 1895 (particulièrement chère aux Guitry) 

Passé un couloir évoquant les succès de la starlette tant sur scène que, plus tard, à l’écran, se profile une vaste pièce éclatante. Ce « salon rouge », à l’instar des autres salles de l’exposition, reproduit, photos à l’appui, l’une des pièces de l’appartement où Jacqueline Delubac s’installa après la mort de son second mari, le diamantaire Myran Eknayan. Veuve précoce, elle hérita de pépites impressionnistes, dont le fragment central du Déjeuner sur l’herbe de Claude Monet (1865-66), offert en dation à l’État avant d’atterrir, au musée d’Orsay, en 1987.

Pierre-Auguste Renoir, Jeune fille au ruban bleu, 1888

Une collectionneuse (bien) conservée

De même à l’étage, les cartels s’appuient sur des clichés témoignant d’une profonde correspondance entre la scénographie de l’exposition et les appartements de son égérie. Une exactitude dans la recherche que l’on doit en grande partie à la commissaire Salima Hellal, par ailleurs conservateur du patrimoine des Objets d’art au musée des Beaux-Arts de Lyon. Au « corridor » regroupant des œuvres inclassables, des dessins de Paul Delvaux, un tableau d’Odilon Roche et un portrait de Jacqueline Delubac par Paol Vallorz, succède une reproduction du « grand salon », où cohabitaient un Picasso,« Femme assise sur la plage » (1937), un Georges Braque, « Femme au chevalet » (1936), quelques Rodin (encore et toujours !), un Fernand Léger, « Les Deux Femmes au bouquet » (1921). Pourquoi tant de figures féminines chez l’ancienne comédienne ? Sûrement pour affirmer son indépendance, son célibat, face à l’autorité maternelle. S’ensuivent des cimaises vert bouteille, “citation volontaire” des murs de la salle à manger du Quai d’Orsay. Jacqueline Delubac y partageait ses repas avec Raoul Dufy, Léger, Miró… ”J’ai un bon œil, j’ai eu le bonheur d’avoir un assez bon instinct et d’acheter des peintures de Poliakoff, de Fautrier, de Dubuffet qui étaient peu connus et j’ai la joie de la avoir acquises quand tout le monde se moquait de moi”. Or, qui pourrait aujourd’hui avoir l’audace de se moquer d’une femme ayant eu l’intelligence de placer un Manet (Jeune femme à la pèlerine, Jeanne Demarsy, 1881) au-dessus de son lit ?  

Le Grand salon du Quai d’Orsay

À force de vivre parmi des œuvres d’art, Jacqueline Delubac était vouée à en devenir une. C’est l’impression qu’inspire la photo ponctuant le parcours. Dans ce portrait signé Bernard Buffet, la robe Pierre Cardin que porte la célèbre collectionneuse forme une sorte de damier asymétrique avec un double fond noir et blanc, une composition digne du mouvement cubiste. Ce n’est pas le premier photographe pour qui posa l’ex-ambassadrice de la Maison Poquin – à qui Guitry vouait une fidélité sans nom -. Roger Kahan (cf. photo 1), André Durst, Georges Mathieu, entre autres, peuvent se targuer d’avoir immortalisé l’élégance cette figure de mode. Toutefois, la coquetterie de Jacqueline Delubac nourrit un paradoxe surprenant. Férue de mondanités, elle errait d’un bal à l’autre et ce, même après s’être retirée de la scène pour ne pas avoir à subir la concurrence de beautés plus jeunes qu’elle. Elle incarne, à son époque déjà, l’archétype de la Parisienne, une étiquette qu’elle assumait parfaitement et lui valut d’être classée par le magazine américain Life parmi les cinq femmes les plus chics du monde. De là, la dernière vitrine consacrée à quelques unes des plus belles tenues de l’ancienne comédienne, un modèle de Mariano Fortuny (1930), une robe d’automne d’Emanuel Ungaro (1967), une robe de soirée griffée Azzedine Alaïa (1993), toutes propriétés du musée de la Mode et du Textile. Une couleur dominante : le vert, le même couleur qui aurait causé la rupture entre Delubac et Guitry, vert, lui, de rage, à l’idée qu’elle pût porter cette teinte. Qu’aurait pensé le dramaturge de la salle-à-manger sapin de son ex-femme, une femme au caractère bien trempé qui disparaît, le 14 octobre 1997, sous l’assaut d’un cycliste maladroit. Un accident qui lui aura au moins permis de préserver son image jusqu’au bout, selon ses propres vœux.

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Dimanche 19 octobre,

Au Musée Picasso.

Intérieur sobre

Par la presse pris d’assaut.

Parcours désarticulé

Aux parois immaculées.

Tableaux-rois aux murs

Moulures en pierre, moulures

En bois restant. En bas, les ateliers

De Boisgelais à Mougins

En passant par un engin

Cubique traversant les paliers.

Cubisme de l’ascenseur au premier.

Visages trop familiers,

De Dora Maar au Minotaure.

Perdue à raison ou à tort.

Labyrinthe qui s’éreinte,

Au quatrième étage :

De Gauguin les paysages

Dialoguent sans étreintes

Directes avec Cézanne, Renoir…

… « Degas paie et s’en va », ose

Le titre d’un dessein noir

Et blanc de maison close.

Chose aisée dans ce nouvel écrin

Que la (re-)descente au jardin.

Sous une tente, un jus Alain Millat

Et mon regard s’écarquilla.

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VOIR AUSSI : l’article lié à cette expo idéale.

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Le musée Soulages ouvre ses portes en mai. L’occasion de recenser tous les musées de France consacrés exclusivement, ou presque, à un artiste. 

Plus qu’un hommage, c’est un retour aux sources que revendiquent certains musées. Le retour aux sources d’un artiste dans la ville qui l’a vu pousser son premier cri, ou rendre son dernier souffle. Entre inspiration et expiration, vingt-six monuments, chacun dédié à un peintre français. Ce n’est pas tant leur appellation que leurs collections qui importe. Bien que rebaptisé musée Hyacinthe Rigaud (1959), par exemple, le musée des beaux-arts de Perpignan n’est pas uniquement dévolu à l’œuvre du célèbre portraitiste. On pourrait aussi croire que le musée Nicolas Poussin ne possède des toiles issues que d’une palette, alors que son nom et sa fierté ne tiennent qu’au seul « Coriolan supplié par sa famille ». À l’inverse, le musée Soulages, qui s’apprête à ouvrir ses portes à Rodez, se concentre sur des Outrenoirs réalisés de 1979 à nos jours, marques de fabrique dudit contemporain. Au-delà des musées, des ateliers et des maisons qui ont vu naître quelques uns des plus grands chefs-d’oeuvres l’Hexagone. Les voici les voilà, égrainés un par un, région par région.

1) Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’Illustration, à Strasbourg (ALSACE)

Tomi qui ? Né le 28 novembre 1931, à Strasbourg, cet artiste contemporain ne connaît pas le succès qu’il mérite en France. Rendons donc à Ungerer, ce qui est à Ungerer, en revenant notamment sur sa vie. Enfance marquée par la Seconde Guerre mondiale. Cohabitation avec des officiers allemands. Endoctrinement nazi à l’école. Au sortir du conflit, Tomi redevient français. Élève indiscipliné, il s’inscrit aux Arts décoratifs pour s’en voir expulsé. Étalagiste et publicitaire dispersé, il débarque à New York avec soixante dollars en poche et un carton de dessin sous le bras. Le succès est immédiat. Son contrat avec le New York Times lui vaut de publier vingt-quatre livres pour enfants en dix ans. Sans compter ses affiches contre la guerre du Viêt Nam, qui assoient sa renommée chez les Ricains.

1975 marque le début de sa réconciliation avec la France. L’illustrateur cède sa première œuvre à la ville de Strasbourg. De donation en donation, un musée est né. En 2007. Dans la Villa Freiner. Avenue de la Marseillaise. Cocorico ! Un comble. À l’intérieur, plus de huit mille dessins ainsi que six mille jouets issues de la collection personnelle de l’artiste, à découvrir prochainement hors des réserves de l’établissement.

2) Musée Fernand Desmoulins, à Brantôme (AQUITAINE)

Le nom de Fernand Desmoulins (1855-1914) sonne-t-il plus familier ? C’était l’élève de William Bouguereau (auteur du magnifique « Dante et Virgile », à Orsay), puis de Luc-Olivier Merson. Non, toujours pas ? Disons dans ce cas qu’il a fréquenté les plus grands de son temps, de Ferdinand de Lesseps, à Jules Ferry en passant par Raymond Poincaré, Pasteur, mais aussi des hommes de lettres tels que Renan, ou Zola. Autant de personnalités dont l’artiste a brossé le portrait. Des Goncourt et de Daudet, il illustre quelques ouvrages désormais exposés dans son fief natal.

Paix à son fantôme ! Crée en 1951, par le maire et docteur André Devillard, le musée de Brantôme change d’apparence et de nom en 2000, pour accueillir les collections du peintre disparu. Beaucoup d’huiles, mais surtout des gravures ; ainsi qu’une série de croquis dits « automatiques ». En effet, dès 1890, Desmoulins s’écarte de l’académisme pour se livrer à des pratiques médianimiques. Entre tables tournantes et substances illicites, quatre-vingt figures au fusain. Alors c’est qui le père du Surréalisme ?

3) Musée Greuze, à Tournus (BOURGOGNE)

Tournez manège à Tournus, en Bourgogne ! C’est là que Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) est né, là que l’historien Jean Martin a réuni la plupart de ses estampes. De cette collection émerge un musée, en 1894. Un musée planté au cœur de l’Hôtel-Dieu, ancien hôpital de la ville. Au delà des salles consacrées aux écoles française, flamande et italienne, deux espaces dédiés aux œuvres du peintre. Des tableaux, deux autoportraits, ainsi qu’une vingtaine de dessins, sanguines, lavis et gravures interpolés entre tomettes et poutres. Vive les arts graphiques !

À VOIR AUSSI : la maison du peintre, au 5 rue Greuze…

4) Musée Mathurin-Méheut, à Lamballe (BRETAGNE)

Tout Lamballe attend l’extension de cette charmante bâtisse à colombages. Un projet en gestation depuis 2009. Initialement appelé « Maison du Bourreau », le musée Mathurin-Méheut (1882-1958) assure, depuis plus de trente ans, la postérité du peintre et céramiste dont il porte le nom. Dix mille œuvres, léguées par la femme et la fille de ce dernier, lui valent le titre de « Monument Historique », en 1909. Une donation contestée en 2001 par les héritiers du défunt. Verdict du Haut Conseil des musées de France : la collection sera divisée en deux. Cinq mille tableaux pour le musée ; et l’autre moitié pour les descendants de Méheut. Non mais euh…

À VOIR : l’exposition “14 – 18, Méheut au front”, du 1er avril au 31 décembre

5) Musée Lansyer, à Loches (BRETAGNE)

Il y a vécu ; il y a même peint. Campé à Loches, le musée Lansyer n’est autre que l’ancienne demeure de la mère d’Emmanuel Lansyer (1835-1893), ce paysagiste formé tour à tour par Eugène Viollet-le-Duc, Gustave Courbet et Henri Harpignies. Fort de cet enseignement multiple, complété par l’École de Barbizon, le peintre reçoit la Légion d’honneur en 1881. Réaliste notoire, il puise dans ses voyages l’inspiration nécessaire à ses compositions. D’aucuns le comparent à Corot. Pourtant sa maison-musée ne regroupe qu’une centaine de toiles, outre ses collections d’objets japonais et d’eaux-fortes du XVIIIème siècle. Un parcours thématique dans un cadre intimiste.

6) Musée Gustave Courbet, à Ornans (FRANCHE-COMTÉ)

Impossible de passer à côté de l’ « Enterrement à Ornans » qui trône au rez-de-chaussée du musée d’Orsay. Pourquoi Ornans ? Parce que c’est là qu’est né Gustave Courbet, l’auteur de cette dernière toile ; là qu’a ouvert en 2011 un musée à son effigie. Deux mille mètres carrés pour vingt-et-une salles d’exposition au total. Un espace qui s’étend sur trois bâtiments, la maison Borel, l’hôtel Hébert et l’hôtel Champereux. Bien que moderne, l’architecture de cet établissement culturel respecte à la fois l’environnement et l’intimité de la maison où vécut l’artiste. Certaines passerelles vitrifiées donnent à voir la Loue coulant en contre-bas. Nouveau-venu dans les collections permanentes : le « Chêne de Flagey » que certains interprètent comme un autoportrait du peintre. Si l’arbre-modèle a depuis longtemps disparu, la ferme dont il dépendait demeure, en tant que salle d’exposition/maison d’hôtes. À venir : la reconstitution du dernier atelier occupé par l’artiste avant sa mort.

À VOIR : « Cet obscur objet de désirs. Autour de l’Origine du Monde », du 7 juin au 1er septembr.

7) Musée Picasso, à Paris (ÎLE-DE-FRANCE)

Voilà un bel exemple de dation en paiement. En 1975, les descendants du grand Pablo Picasso (1881-1973) cèdent une partie de leur héritage à l’État afin de régler leurs droits de succession. Où conserver les œuvres léguées ? Telle est la question. Dans l’Hôtel Salé, propriété de la Ville de Paris, estampillée Monument Historique en 1968. Or l’installation de cette collection dans un bâtiment classé présente un réel défi. Un défi que relève, dès 1976, l’architecture Roland Simounet, dont le mérite aura été de respecter et de moderniser une architecture datée du XVIIème siècle. Pas d’extension prévue. Le mobilier commandé est signé Diego Giacometti. Le Musée national Picasso est inauguré en 1985. Après vingt ans d’activitié, la restauration de ses façades impose une fermeture temporaire. S’ensuit une remise aux normes, en 2009, laquelle devrait prendre fin dans le courant de l’été prochain.

À VENIR : la réouverture du musée Picasso, en juin 2014

8) Musée Delacroix, à Paris (ÎLE-DE-FRANCE)

« Mon logement est décidément charmant (…) Réveillé le lendemain en voyant le soleil le plus gracieux sur les maisons qui sont en face de ma fenêtre. La vue de mon petit jardin et l’aspect riant de mon atelier me causent toujours un sentiment de plaisir. » Ainsi parlait Eugène Delacroix (1798-1863) de sa dernière adresse, le 28 rue Fustenberg. Pourquoi quitter la rue Notre-Dame-de-Lorette ? Pour pouvoir se rapprocher de l’église Saint-Sulpice qu’il est chargé de décorer. Divers locataires se succèdent après sa mort, parmi lesquels Maurice Denis et Paul Signac, accompagnés du reste de la Société des Amis d’Eugène Delacroix. Le groupe rachète l’appartement-atelier-jardin, chargeant, de donation en donation, l’Etat de le transformer en musée. Un musée rattaché au Louvre depuis 2004.

9) Musée Gustave Moreau, Paris (ÎLE-DE-FRANCE)

« Le Joli atelier de travail ! Merci maman, merci papa ! » En 1852, M. et Mme. Moreau achètent l’hôtel particulier du 14, rue de La Rochefoucaud, cadre propice à l’inspiration symboliste de leur fils. Sur les murs, les créatures merveilleuses s’entassent. 20 000 œuvres, dont quelques portraits de ses contemporains, que le peintre décide de léguer à l’État un an avant sa mort. Le legs n’est accepté que cinq ans plus tard, l’appartement du peintre restauré, et le musée ouvert au public, en 1905.

Petite visite guidée. Au premier étage, la salle à manger, pleine de boiseries et de céramiques, une chambre, où reposent quelques portraits de familles, et boudoir, érigé à la mémoire de son grand et unique amour, Alexandrine Dureux. Sans oublier la bibliothèque et le bureau. On monte d’un niveau, pour découvrir une vaste pièce longtemps utilisée comme atelier. Tout au bout, un escalier en colimaçon mène à un grenier-atelier, reconverti en deux salles d’exposition.

À VOIR absolument parmi les chefs-d’oeuvre exposés : Jupiter et Sémélé (1895), les Chimères (1884) et le Retour des argonautes (1891-1897).

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