Malgré leurs vingt années d’écart, tous deux sont nés d’un père artiste. De là, la précocité de leur vocation, pour ne pas dire talent, que confirme la confrontation de leurs travaux adolescents. À un héritage similaire s’ajoute une fascination pour la préhistoire, la mort, l’éros, quoique l’érotisme soit peut-être plus présent dans l’œuvre de Picasso. Et encore, cela reste à prouver. De la théorie, on glisse doucement vers le concret. Rencontre il y a bien eu entre ces deux géants, ces deux génies, en 1931. Une rencontre qui, contrairement à leurs œuvres (salle 5) ignore le plat, soit le plan. Non, leur amitié n’est pas un mythe, comme en témoignent les archives dévoilées au premier étage. Un ami commun, Georges Bataille, entre autres. Contrairement à Giacometti, Picasso, qui admirait le mouvement, ne s’est jamais mêlé au surréalisme. Communistes, obsédés par la question du réalisme (tout court), aucun n’a pourtant cédé au réalisme socialisme. C’est ce que nous révèle le bestiaire final, nous invitant à aller récupérer nos affaires au vestiaire. Le temps n’est pas encore à la fourrure, heureusement. Si certaines comparaisons auraient mérité d’être approfondies, la pertinence du propos global nous réchauffe le cœur. Coup de foudre garanti ! Avanti !*

Picasso-Giacometti, jusqu’au 4 octobre. Musée Picasso, Paris.

* référence à L’Homme qui marche (I), qui se dresse dans l’entrée, et auquel s’oppose, un peu loin, un étage plus haut, une Femme qui marche. Cette sculpture, méconnue, effectue un plus petit pas que son homologue masculin. 

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Am stram gram pic et pic et colégram… Instagram. #expo #art #musee #painting… Quel que soit le mot-clé tapé, le résultat de la recherche reste incertain. L’aléatoire a quelque charme pourtant, surtout dans le cadre d’un laboratoire. C’est ainsi que l’on pourrait voir Instagram dans le monde de l’art. L’application, qui permet à l’origine de partager photos et vidéos, est devenue, en quelques années, un support esthétique à part entière, faisant de ses utilisateurs des artistes en puissance. De là de nouveaux enjeux éthiques, qu’il s’agirait peut-être de redéfinir…

Instagram, vitrine de l’art par défaut

Conçue pour accueillir photos et vidéos, l’application semblait prédestinée, par sa nature même, à rejoindre le huitième art. Pourtant, galeries, artistes, et musées ont tardé à l’utiliser. D’où la disparité des œuvres postées, à savoir exposées en ligne.

Sur ses 550 millions d’utilisateurs (dernières données en date), combien d’artistes ou graines d’artiste compte Instagram ? Telle est la question, dont le service de communication n’a pas la réponse. Comment ? Il n’existe pas de logiciel interne capable de recenser certains profils ? Non.

Partons cependant du principe que les musées ont tous, ou presque, fini par se créer un compte, devenant ainsi l’objet d’une mise en abyme. Des galeries dans une galerie sans fond, avec un potentiel de visibilité croissant. Le Louvre, Orsay, Perrotin… plus personne n’échappe à la griffe, aux griffes d’Instagram, qui bourre et bourre et rata… tine les réseaux sociaux concurrents… Plus besoin de se connecter à Facebook ou Twitter. Instagram fait d’une pierre un, deux, voire trois ou quatre coups. L’option « Publier », qui survient à la fin du processus d’édition, propose de partager n’importe quelle image sur d’autres plateformes virtuelles (Tumblr, Flickr), à des fins personnelles ou professionnelles.

Qui se cache derrière les posts de @gagosiangallery, @simonleegallery… ? Le marchand d’art en personne ? Son stagiaire ou, selon ses ressources, un community manager employé dans le seul but de promouvoir une programmation en cours et à venir ? Dans le cadre de cette dernière fonction, Instagram apparaît, certes, comme un précieux outil de communication. De là les opérations dernièrement lancées par les musées, parmi lesquelles #emptylouvre (ouverture de des portes rien que pour les Instagrammers) ou #MuseumInstaSwap (après avoir été nommés “les 10 meilleurs musées de Londres sur Instagram” par la rédaction du Londonist, le British Museum, le Musée du Design, le V&A, le Musée des Sciences, la Wellcome Collection, le Musée d’Histoire Naturelle, le Musée et Jardins Hornimans, l’Imperial War Museums, le Musée des Transports de Londres, et le Royal Museums de Greenwich se sont engagés, le temps d’un weekend, à publier deux par deux, sous forme de montages, des photos de leurs collections). Entre les # (hashtags) et les @ (arobases), on s’y perd. Les profils d’une même entité se démultiplient à l’infini. Doublons, triplons la mise… Dans cette culture de la surenchère, propre à notre chère et pas tendre société de surconsommation, qui dit mieux ?

Certains artistes, qui utilisent aussi Instagram comme galerie, possèdent différents comptes. Tel est le cas d’Anish Kapoor. Sur @anish.kapoor, le plasticien indo-britannique reporte les photos de ses dernières œuvres avec pour légende unique « #anishkapoor #art #contemporaryart », laissant le soin à ses abonnés d’exprimer, en dessous, leur opinion. Les clichés postés sur son @dirty_corner (alias Le Vagin de la Reine, dans sa forme sculpturale, trompe en acier de 60 mètres, plantée au cœur la Fabbrica del vapor à Milan, en 2011) apparaissent, quant à eux, comme des œuvres à part entière, sans titre. Le nom de cet espace virtuel évoque moins une poubelle où l’artiste se débarrasserait de ses ratés, que la matérialité d’une salle d’exposition tenue par quatre murs, un sol, et un plafond. En ce sens, le « coin sale », ou sale coin, de Kapoor doit s’appréhender comme une pseudo-galerie, réservée à des photographies de nature expérimentale. D’ailleurs, ces photos sont-elles qualifiées d’œuvres en raison de leur qualité plastique, ou bien parce qu’elles sont signées d’un artiste de renommée internationale ?

Un nouveau matériau à exposer

Si les clichés de stars rayonnant dans la profession ont plus de chance d’être estampillés chefs-d’œuvre, Instagram se veut une application user-friendly, au sens où elle doit rendre, par ses fonctionnalités, l’art de la photographie accessible à tout un chacun.

L’application puise sa force dans un éventail de filtres, qui donnent à l’utilisateur lambda l’impression de maîtriser la photo. Photographiez une bouteille d’eau sans intérêt, activez l’effet sépia, et le tour est joué ! En quête d’une reconnaissance complète, d’aucuns se voient alors contraints de signaler la beauté « naturelle » de leur clichés par la mention #sansfiltre / #nofilter. Rendons à ces as, ce qui est à ces as. Tout le mérite reviendrait à leur sens inné du cadrage, et non à de vulgaires artifices. C’est de bonne guerre, quoique l’art en général regorge de techniques, de styles différents. Picasso a traversé une phase bleue, avant de voir la vie en rose. Si les filtres se déclinent comme autant de couleurs sur la palette d’un peintre, Instagram se veut une pépinière d’artistes potentiellement dignes d’être exposés.

Pourquoi pas ? Cette année, l’application a franchi un cap et proposé à 25 instagrammeurs – orthographe à la française, pour changer – d’exposer leur vision de Paris. Où ? À la galerie Sparts, dans le 6ème arrondissement. Quand ? C’était du 1er au 4 juillet. Parmi les talents sélectionnés se trouvait Lucille Clerc, auteur d’un des dessins les plus relayés après l’attentat contre Charlie Hebdo. Comment distinguer les bons des mauvais Instartistes ? Qui juge de leur talent ?

Du like à l’arnaque

Instagram démocratise autant la pratique que la critique de la photo. L’essor des réseaux sociaux s’assortit de la culture du « like ». Tout le monde peut donner son avis, à tout à moment, au vu de tous. Un pouce vers le haut. Un pouce vers le bas (pollice verso, en latin), sur Facebook. C’est par ce geste que les empereurs ordonnaient la mise à mort d’un gladiateur vaincu. Un cœur, sur Instagram. Les symboles standardisent l’opinion. Oui. Non. On enchaîne. En ligne, la note est synonyme de cote. Plus un compte a d’abonnés, plus il a de chance, ainsi que la personne qui l’a crée, de devenir célèbre. De même, plus une photo reçoit de commentaires, de préférence positifs, plus elle circule sur la toile, avant d’être accrochée, comble du succès, telle une toile, dans une galerie. Si tous les abonnés – moi y compris – sont des artistes et des critiques de plus ou moins bas étage, Instagram devient un collectif, une communauté dont les membres sont susceptibles d’être plagiés.

En tant que support d’une expression qu’on est libre de qualifier d’artistique ou non, Instagram subit les mêmes dérives que les arts, qu’il s’agisse de la littérature, de la musique, ou de la peinture. En mai 2015, un certain Richard Prince a sélectionné 37 photos sur Instagram et opéré autant de captures d’écran afin de les revendre ensuite à la FRIEZE Art Fair de New York. L’un de ses “chefs-d’œuvre”, inspiré / emprunté à Doe Deere (@doedeere), a été vendu à non moins de 90 000 dollars. Une belle somme dont l’Instagrammeuse ne verra jamais la couleur. Vert. De rage. Celle-ci a d’ailleurs notifié à ses 328 000 followers qu’elle n’avait jamais donné son feu, vert (encore !), pour que Mr. Prince lui “vole” son cliché (le larcin n’en serait plus un avec son approbation). Ultime pied de nez : le cyber-faussaire a intitulé sa dernière exposition « Original ». En somme, Cet incident accuse un vide juridique à l’endroit des Instartistes. 

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Le sexe pénètre les musées parisiens. Si la Pinacothèque adopte un point de vue spirituel à travers le prisme de l’Orient, le Musée d’Orsay fait de la pensée de Sade le point de départ de la modernité littéraire et picturale en Occident. Parallèlement à ces deux manifestations, le Musée de l’érotisme rend hommage au dessinateur André-François Barbe, tandis que la Cité des sciences passe par Titeuf pour expliquer aux enfants comment on fait des enfants, justement.

Le sexe décomplexé

En bon missionnaire, l’exposition de la Pinacothèque a pour but de rendre au Kâma-Sûtra ses lettres de noblesses. L’expression convient d’autant plus qu’il s’agit d’un ouvrage indûment qualifié de pornographique. Bien qu’il recense plus de quatre-vingts positions, ce texte en sanskrit instruit le kâma, troisième pilier, palier dans l’hindouisme, où l’homme prend pleinement conscience de sa vigueur corporelle et spirituelle.

Cette vigueur se traduit par un appétit sexuel débordant le cadre de l’intimité. Chez les Hindous, la sexualité relève du domaine public. L’érotisme n’est pas coupable en tant que tremplin de la reproduction. Le désir du périnée – celui qui provient et s’adresse au – est par conséquent pérenne.

Autant de « décomplexion » force flexions et réflexions. La lumière tamisée au sein des salles bariolées convie le visiteur à se pencher, bien souvent en avant, soit pour déchiffrer une légende, soit pour observer un objet difficile d’accès. Dans ce parcours contorsionné, la bande-son d’une profonde suavité diverge de verges qui bandent. Choqués la par crudité de certaines vitrines, les visiteurs s’éternisent plutôt devant les cartels.

Heureusement, dans ce joyeux « bordel », amour rime avec humour. En plus d’encourager l’adultère, la mythologie hindoue brouille les genres. Dieux et déesses sont interchangeables en tant qu’ils arborent les deux sexes. Reste à savoir si cet hermaphrodisme frauduleux doit appuyer ou dissimuler leurs penchants homosexuels. Deux dieux entre eux ne dérogent pas aux lois naturelles si l’un jouit d’attributs féminins, non ? En fin de parcours, une sorte de godemichet géant, appelé lingam, sert à surprendre les femmes durant la Holi, fête printanière des couleurs. Provocation candide qui discrédite l’érection d’un sexe faible dans la religion hindoue. Si soumission il y a, elle se veut consentie. On est loin des scènes de violences défilant au Musée d’Orsay.

« La Kâma Sûtra : spiritualité et érotisme… », jusqu’au 11 janvier, à La Pinacothèque, Paris

Une révolution des sens

La presse s’est fourvoyée en annonçant un parcours proprement débridé. L’exposition que propose aujourd’hui le Musée d’Orsay porte moins sur la perversité que la violence ; moins sur Sade, le libertin, que le sadisme en soi, c’est certain.

Prenez sept thèmes, dont le leitmotiv de la violence, et une centaine de chefs-d’œuvre éclairés par des citations d’un seul et même auteur. Secouez bien fort et vous obtenez l’exposition « Sade. Attaquer le soleil ». « Éclairés », c’est précisément le terme qu’emploie la co-commissaire Annie LeBrun pour expliquer le rôle de l’écrivain anticlérical dans la formation d’un nouveau paysage mental dès la fin du XVIIIe siècle. En d’autres termes, Sade serait le briquet de nombreuses passions. Son rayonnement est tel qu’il aurait influencé, outre des hommes de lettres, des peintres. Si Flaubert lui vouait un culte, son ombre planerait au-dessus de Picasso, Delacroix, Kubin, Duchamp… et bien d’autres encore.

Or ces rapprochements, ces « éclairages », tout pertinents qu’ils soient dans le cadre d’un travail scientifique, semblent quelque peu artificiels à la lumière du soleil, astre de la vérité. Entre quelques clichés pornographiques, de pénis turgescents ou de jambes écartées, certains prêts irradient par leur rareté. C’est le cas de Figures au bord de la mer, emprunté au musée Picasso et encadré pour l’occasion, ou encore de L’enlèvement cézannien provenant du Fitzwilliam Museum de Cambridge. Néanmoins, le caractère exceptionnel de ces trophées ne suffit pas à rendre l’ensemble de la collection éblouissant de justesse. À la lueur de ce feu follet plastique, on serre les fesses pour le dire aussi vulgairement qu’aurait pu le faire l’intéressé.

« Sade. Attaquer le soleil… », du 14 octobre au 25 janvier, au Musée d’Orsay, Paris

À VOIR AUSSI :

« André Barbe, salut l’artiste… », jusqu’au 31 octobre, au Musée de l’Érotisme, Paris

« Zizi sexuel, enfin le retour », du 14 octobre au 2 août 2015, à la Cité des sciences, Paris

À VENIR : « Le Baiser », du 25 mars au 26 juillet, Musée Maillol, Paris

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Née en France, élevée puis expatriée, de son gré, aux États-Unis, Niki de Saint Phalle incarne, à bien des égards un paradoxe dans lequel nous plonge d’emblée la scénographie de l’exposition. En proie très jeune à de nombreuses angoisses que cultive éhontément un père incestueux, elle se réfugie dans l’art, un univers où la mort se mêle à une palette colorée. Si rien n’est, à ses yeux, ni blanc, ni noir, le spectateur évolue lui entre des murs gris (ce doit être la mode), au sein d’une terre inconnue qui se teinte à la lumière des thématiques traitées. La maladie, le féminisme, la beauté… autant de concepts fragmentant et cristallisant la personnalité de cette femme phénoménale.

Saint Phalle bicéphale

La presse titre, à l’unisson, une « sacrée/super nana » ; alors même que l’exposition souligne la dualité du personnage. Autodidacte, l’ancien mannequin fétiche de Vogue, Harper’s Bazaar et Life Magazine, s’inspire ouvertement de l’œuvre de Gaudi et de Dubuffet. Les « drippings » (de drip, en anglais, qui signifie couler) de Pollock lui donnent l’idée géniale de tirer sur des surfaces verticales contenant des poches de peinture recouvertes de plâtre blanc. Au coup de feu répond ainsi un coup de maître. « J’ai eu la chance de rencontrer l’art parce que j’avais, sur un plan psychique, tout ce qu’il faut pour devenir une terroriste. Au lieu de cela j’ai utilisé le fusil pour une bonne cause, celle de l’art. »

Cet acte de violence trouve écho dans les thèmes qu’aborde l’artiste névrosée au début de sa carrière, dans les années 1950. Après un séjour à l’hôpital psychiatrique où elle se voit diagnostiquer une schizophrénie aiguë, Niki de Saint Phalle se met à peindre (sur) la mort. Féministe engagée, elle affirme son sérieux au travers de thèmes aussi intriqués que la maternité, l’accouchement, la prostitution, le mariage, que la naïveté apparente de son style aurait pu remettre en question si elle n’avait su jouer de son image. Or, la récurrence de certains sujets et ses interventions répétées dans les médias légitiment sa volonté d’asseoir la suprématie de la femme dans une société largement dominée par le sexe masculin.

Toutefois, la visage qu’offre Saint Phalle de la femme s’avère lui-même contradictoire. Face aux jeunes filles sexuellement abusées, aux épouses claquemurées dans leur vie domestique, s’opposent des des mère castratrices ou bien des femmes épanouies dans leur grossesse, dont Clarisse Rivers lui offre un bel exemple. Où se situe la sculptrice dans ce jardin d’ogresses ? L’ex-top model souffrait-elle à ce point de sa féminité, de sa beauté qu’elle ressentit le besoin de projeter sa force, sa rage, de vivre, de créer, sur tant d’ingrates silhouettes ? La théorie vaut ce qu’elle vaut. « Je passerais ma vie à questionner. Je tomberais amoureuse du point d’interrogation ». D’une extrême richesse, l’exposition enjugue le spectateur à la même ponctuation.

« Niki de Saint Phalle », du 17 septembre au 2 février, au Grand Palais, Paris 

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Vous l’aurez compris, le stade de Roland Garros abrite un musée. Un musée qui relate l’histoire du tennis français et, par conséquent, la genèse de l’unique tournoi du grand Chelem sur terre battue. Or qui dit musée, dit généralement œuvres d’art.  À juste titre car l’ex- « tenniseum » renferme d’insoupçonnables trésors.

En bas des escaliers encadrés par une vitrine de raquettes, un projet d’affiche, réalisé par l’ancien joueur de rugby et artiste toulousain Jean-Pierre Rives (né en 1952), accueille les visiteurs. Une œuvre hybride, à cheval entre peinture et sculpture.

Jean-Pierre Rives, Projet d’affiche pour l’Open de Paris, 1995, peinture et métal

Posté à l’entrée de la salle d’exposition permanente, un assemblage de raquettes signé Arman (1928-2005) – et non Armand comme le footballeur, une confusion est vite arrivée – annonce d’emblée la couleur : le tennis est un pilier de l’art contemporain.

Comme quoi, Arman n’a pas compressé que des instruments

Parlant pilier, c’est derrière une colonne blanche, que se cache l’œuvre légendée : « Maître Corbeau / Sur un arbre perché / Tenait dans son bec un cordage / Babo le Renard / Qui passait par là, / Attiré par l’odeur accordée, / Lui tint, détendu, ce langage : / “Quelque chose circule dans mes veines / Et ce n’est pas un fromage…” / On connaît la suite ». Certes.

Raquette immaculée, légère comme une plume ?

Côté peinture, le musée n’est pas en reste avec, pour commencer, un tableau que l’agilité de Suzanne Lenglen (1899- 1938) aurait inspiré au peintre cubiste André Lhote (1885-1962).

André Lhote, Double mixte, 1917

Un peu plus loin, dans la continuité d’une vitrine dédiée  aux Quatre Mousquetaires, trône un Warhol (1928-1987). Parfaitement ! Son modèle : la championne américaine Chris Evert (née en 1954), sept fois gagnante à Roland Garros, que le maître du Pop Art représente dans le même style que ses portraits de Marilyn Monroe et de Liz Taylor. Une autre version, déclinée en vert, serait détenue par la tenniswoman.

Andy Warhol, Chris Evert, 1984

À droite, en sortant de la salle d’exposition permanente, s’étire une galerie confrontant diverses toiles de Juan Uslé (né en 1954), y compris l’affiche du tournoi de cette année.

Viva Juan Uslé !

En effet, depuis 1980, la FFT (Fédération Française de Tennis) invite des artistes à marquer Roland Garros, et son poster annuel, de leur empreinte. Ainsi, le tennis français se plonge tour à tour dans les univers d’Arroyo, Garache, Miro, Pignon-Ernest, Di Rosa, Plensa… Des noms que l’on retrouve placardés sur un mur séparant deux expositions temporaires, et dont les originaux reposent secrètement dans les réserves du musée. Un trésor qui laisse rêveur…

 Les fameuses affiches qui ont incarné le tournoi  de 1980 à aujourd’hui

ÉCOUTER AUSSI : les deux enregistrements liés à cet article.

Musée de la Fédération Française de Tennis

Stade Roland Garros

2, avenue Gordon-Bennett

75016 Paris

Ouvert de 10h à 18h les mercredis, vendredis, samedis et dimanches (TOUTE L’ANNÉE et non pas seulement durant les deux semaines de tournoi)

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