Fantin-Latour mi-figue mi-raison

Un titre est le manifeste d’une pensée. Le mien (je ne dis pas qu’il est bon) suggère le flou qui enveloppe certaines œuvres de Fantin-Latour ainsi que ses intentions. Celui du musée du Luxembourg annonce deux axes qui auraient pu être mieux développés.  

« À fleur de peau » évoque l’hypersensibilité du peintre, qui flirta à l’occasion avec le romantisme, et sa pratique virtuose des natures mortes. C’est ce que l’on devine au fil des salles et qui aurait mérité d’être explicité d’emblée. De même que dans « Chefs-d’œuvre de Budapest », le spectateur reçoit des pistes de réflexion que les commissaires avaient la charge de structurer. Or la scénographie se contente de mimer les contradictions qui traversent l’œuvre de Fantin-Latour sans jamais les dépasser. À un exposé binaire s’oppose une lecture dialectique, indispensable pour qui souhaite éviter les contresens, tel « À voile et à vapeur ». Sous-titre hypothétique, ce dernier évoque les paysages en bord de mer montrés dans l’avant-dernière salle de l’exposition ainsi que « la vaporisation des traits » (sic) caractéristiques de la peinture de Fantin-Latour. L’expression en soi peut aussi renvoyer à l’homosexualité de Delacroix à qui le peintre vouait une admiration sans bornes, comme en témoigne le célèbre Hommage à Delacroix (1838), qui ponctue la première galerie.

Malheureusement ou heureusement, la carrière de l’artiste ne se réduit pas à ces trois dimensions. Revenons à l’exposition, tantôt cerise, tantôt pourpre, les cimaises se cantonnent à une palette chaude. Comme quoi les contrastes ne sont pas si marqués ; les contraires, pas si éloignés. Chaque division se pense comme une blessure à panser. La photographie, par exemple, compense l’écart, l’hésitation entre le dessin et la peinture. La première salle se divise entre deux pôles : à gauche, les toiles réalistes ; à droite des productions romantiques, au sens où elles sont chargées d’une plus grande expressivité. Foin du pleinairisme, qui définit, par la négative l’esthétique du peintre. D’un côté, les natures mortes ; de l’autre, les portraits. Un peu plus loin, on comprend le lien entre les deux. Face aux études de fleurs, de feuillages, les soeurs Fantin-Latour posent dans la fleur de leur âge. Les compositions florales de leur frère ont parfois plus d’humanité que ses portraits. C’est le bouquet ! À l’inverse ses autoportraits croqués, et à croquer, regorgent de vitalité. Lui qui ne pouvait voir l’impressionnisme en peinture, représente Manet dans Un atelier aux Batignolles. Cette énième ambiguïté accuse la complexité de sa poiétique. Oyé, parfaitement, puisqu’il s’agit de remettre des points sur les «  i »  ici. Quant à la photographie, dans l’avant-dernière galerie, elle transcende l’alternance dessin / peinture.

On pourrait prendre Coin de table comme manifeste, comme programme de l’œuvre de Fantin-Latour. Ce chef-d’œuvre de 1872 résume à lui seul les problématiques précédemment soulevées. De nombreux dessins préparatoires permettent de suivre l’évolution de cette toile. Originellement conçue à la gloire à Baudelaire, elle s’inscrit dans une série d’hommages rendus à diverses personnalités, de Delacroix à Berlioz, en passant par Wagner et dont la plupart dégénèrent en portrait de groupe. Y figurent douze hommes (de lettres) en colère. Au centre, Émile Blémont, le rédacteur en chef d’une nouvelle revue, Coin de table, entouré de Pierre Elgar et Jean Aicard. Avec Léon Valade, Ernest d’Hervilly, Camille Pelletan, ils représente le mouvement parnassien sur la pente du déclin, tandis que Verlaine et Rimbaud, isolés à gauche, incarnent la modernité en poésie. Le couple est aussi connu pour sa rupture passionnelle. Ainsi, le tableau se présente comme un lieu d’affrontements, à cheval entre réalité et fiction ; Latour n’a pas rencontré Delacroix, par exemple. Le bouquet de fleurs à droite symbolise le poète Albert Mérard. On en revient à l’humanité de la nature morte. La genèse de cette œuvre remonte à 1864 : Fantin projette de présenter au Salon de 1865 un Repas dont le acteurs porteraient un toast à un artiste universellement reconnu. Rembrandt ou Velasquez ? Ce sera Rembrandt, puisqu’il en question plus bas…

Fantin-Latour. À fleur de peau, jusqu’au 14 février. Musée du Luxembourg, Paris

La vie inversée de Hergé

Pourquoi commencer par la fin ? Par souci d’originalité ? Par mimétisme ? Tout le monde sait que le pseudonyme Hergé vient de l’inversion des initiales de Georges Rémi.

« Tout le monde sait ». Tel est sûrement le préjugé qui taraudait les commissaires lors de la conception de cette rétrospective tant attendue. D’où la volonté accrue de se distinguer. Un objectif qui explique le sens du parcours et les efforts ostensiblement investis dans la scénographie. Si la première salle présente le dessinateur sous un jour nouveau, celui d’un collectionneur d’art moderne, la dernière revient sur ses débuts. Entre ces deux extrémités, s’enroule le fil d’une vie remplie. Des années 1970 on aboutit aux années 1920, où Hergé se lance corps perdu dans le neuvième art. Sur les cimaises, les textes cèdent la place à des reproductions géantes de ses albums. Serait-ce pour palier un manque de prêts ? Ou bien seulement pour divertir le visiteur averti ? Bien que suspect, ce remplissage, pour ne pas dire coloriage à grande échelle, a le mérite d’égayer l’espace du Grand Palais que l’on redoute parfois de parcourir tant il est chargé d’œuvres et, partant, de cartels. Autre surprise : le Capitaine Haddock passe pour le grand absent de cette exposition. Lui qui est toujours mis en avant, reste cette fois-ci dans l’ombre de Tintin, entre autres personnages. Heureusement le retrouve-t-on dans la boutique du musée, où l’on est tenté de passer autant de temps que dans les salles d’exposition. Tonnerre de Brest ! Ça « commence » (ou finit ?) mal.

Hergé, jusqu’au 15 janvier. Grand Palais, Paris

Magritte à coups de dynamite

Et non de marteau, quoique le Centre Georges Pompidou se concentre sur la relation qu’entretenait le surréaliste belge avec la philosophie. Un parti-pris novateur jusque dans la scénographie. Chaque thème est illustré d’une toile classique. Coup de cœur de la rentrée.

Magritte, la trahison des images, jusqu’au 31 décembre. Centre Georges Pompidou, Paris

Wild Wilde

Le jeu de mots est facile, je le concède volontiers. Autant que le procédé qui consiste à parsemer les salles d’exposition de citations. Heureusement la galerie centrale vaut le détour. Celle-ci abrite une série de toiles que l’écrivain critiqua dans la presse. Textes à l’appui. What would be the point, otherwise ?

Oscar Wilde, jusqu’au 15 janvier, Petit Palais, Paris.

En rang devant Rembrandt

L’exposition remplit son contrat. On sait que l’on sera serré comme des sardines. On sait que les expositions temporaires à Jacquemart-André sont plutôt classiques, même si le terme reste à définir. On sait à quoi s’attendre. C’est pourquoi le regard et le jugement restent tendres.

Rembrandt intime, jusqu’au 23 janvier. Musée Jacquemart André, Paris.

Mais aussi…

Bouchardon, jusqu’au 5 décembre. Louvre, Paris.

L’œil de Baudelaire, jusqu’au 29 janvier. Musée de la vie romantique, Paris.

Tout est art ? Ben au Musée Maillol, jusqu’au 15 janvier, Paris.

Buffet. Rétrospective, jusqu’au 26 février, au Musée d’art moderne de la Ville de Paris.

Plus jamais seul. Hervé Di Rosa et les arts modestes, jusqu’au 22 janvier. Maison rouge.

Robert Doisneau, jusqu’au 18 janvier. Museum National d’Histoire Naturelle, Paris.

Ludwig van, le mythe Beethoven, jusqu’au 29 janvier. Philharmonie, Paris

Et les doublement, voire triplement monographiques. Les bigraphiques, les trigraphiques ?

Picasso. Giacometti, jusqu’au 5 février. Musée Picasso, Paris.

Hodler, Monet, Munch, jusqu’au 22 janvier. Musée Marmottan, Paris.

Et j’en passe…

Face à ce cataclysme d’expos, l’humeur est aux néologismes.

Cet article Les « mono » expos, yes or no ? est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

Am stram gram pic et pic et colégram… Instagram. #expo #art #musee #painting… Quel que soit le mot-clé tapé, le résultat de la recherche reste incertain. L’aléatoire a quelque charme pourtant, surtout dans le cadre d’un laboratoire. C’est ainsi que l’on pourrait voir Instagram dans le monde de l’art. L’application, qui permet à l’origine de partager photos et vidéos, est devenue, en quelques années, un support esthétique à part entière, faisant de ses utilisateurs des artistes en puissance. De là de nouveaux enjeux éthiques, qu’il s’agirait peut-être de redéfinir…

Instagram, vitrine de l’art par défaut

Conçue pour accueillir photos et vidéos, l’application semblait prédestinée, par sa nature même, à rejoindre le huitième art. Pourtant, galeries, artistes, et musées ont tardé à l’utiliser. D’où la disparité des œuvres postées, à savoir exposées en ligne.

Sur ses 550 millions d’utilisateurs (dernières données en date), combien d’artistes ou graines d’artiste compte Instagram ? Telle est la question, dont le service de communication n’a pas la réponse. Comment ? Il n’existe pas de logiciel interne capable de recenser certains profils ? Non.

Partons cependant du principe que les musées ont tous, ou presque, fini par se créer un compte, devenant ainsi l’objet d’une mise en abyme. Des galeries dans une galerie sans fond, avec un potentiel de visibilité croissant. Le Louvre, Orsay, Perrotin… plus personne n’échappe à la griffe, aux griffes d’Instagram, qui bourre et bourre et rata… tine les réseaux sociaux concurrents… Plus besoin de se connecter à Facebook ou Twitter. Instagram fait d’une pierre un, deux, voire trois ou quatre coups. L’option « Publier », qui survient à la fin du processus d’édition, propose de partager n’importe quelle image sur d’autres plateformes virtuelles (Tumblr, Flickr), à des fins personnelles ou professionnelles.

Qui se cache derrière les posts de @gagosiangallery, @simonleegallery… ? Le marchand d’art en personne ? Son stagiaire ou, selon ses ressources, un community manager employé dans le seul but de promouvoir une programmation en cours et à venir ? Dans le cadre de cette dernière fonction, Instagram apparaît, certes, comme un précieux outil de communication. De là les opérations dernièrement lancées par les musées, parmi lesquelles #emptylouvre (ouverture de des portes rien que pour les Instagrammers) ou #MuseumInstaSwap (après avoir été nommés “les 10 meilleurs musées de Londres sur Instagram” par la rédaction du Londonist, le British Museum, le Musée du Design, le V&A, le Musée des Sciences, la Wellcome Collection, le Musée d’Histoire Naturelle, le Musée et Jardins Hornimans, l’Imperial War Museums, le Musée des Transports de Londres, et le Royal Museums de Greenwich se sont engagés, le temps d’un weekend, à publier deux par deux, sous forme de montages, des photos de leurs collections). Entre les # (hashtags) et les @ (arobases), on s’y perd. Les profils d’une même entité se démultiplient à l’infini. Doublons, triplons la mise… Dans cette culture de la surenchère, propre à notre chère et pas tendre société de surconsommation, qui dit mieux ?

Certains artistes, qui utilisent aussi Instagram comme galerie, possèdent différents comptes. Tel est le cas d’Anish Kapoor. Sur @anish.kapoor, le plasticien indo-britannique reporte les photos de ses dernières œuvres avec pour légende unique « #anishkapoor #art #contemporaryart », laissant le soin à ses abonnés d’exprimer, en dessous, leur opinion. Les clichés postés sur son @dirty_corner (alias Le Vagin de la Reine, dans sa forme sculpturale, trompe en acier de 60 mètres, plantée au cœur la Fabbrica del vapor à Milan, en 2011) apparaissent, quant à eux, comme des œuvres à part entière, sans titre. Le nom de cet espace virtuel évoque moins une poubelle où l’artiste se débarrasserait de ses ratés, que la matérialité d’une salle d’exposition tenue par quatre murs, un sol, et un plafond. En ce sens, le « coin sale », ou sale coin, de Kapoor doit s’appréhender comme une pseudo-galerie, réservée à des photographies de nature expérimentale. D’ailleurs, ces photos sont-elles qualifiées d’œuvres en raison de leur qualité plastique, ou bien parce qu’elles sont signées d’un artiste de renommée internationale ?

Un nouveau matériau à exposer

Si les clichés de stars rayonnant dans la profession ont plus de chance d’être estampillés chefs-d’œuvre, Instagram se veut une application user-friendly, au sens où elle doit rendre, par ses fonctionnalités, l’art de la photographie accessible à tout un chacun.

L’application puise sa force dans un éventail de filtres, qui donnent à l’utilisateur lambda l’impression de maîtriser la photo. Photographiez une bouteille d’eau sans intérêt, activez l’effet sépia, et le tour est joué ! En quête d’une reconnaissance complète, d’aucuns se voient alors contraints de signaler la beauté « naturelle » de leur clichés par la mention #sansfiltre / #nofilter. Rendons à ces as, ce qui est à ces as. Tout le mérite reviendrait à leur sens inné du cadrage, et non à de vulgaires artifices. C’est de bonne guerre, quoique l’art en général regorge de techniques, de styles différents. Picasso a traversé une phase bleue, avant de voir la vie en rose. Si les filtres se déclinent comme autant de couleurs sur la palette d’un peintre, Instagram se veut une pépinière d’artistes potentiellement dignes d’être exposés.

Pourquoi pas ? Cette année, l’application a franchi un cap et proposé à 25 instagrammeurs – orthographe à la française, pour changer – d’exposer leur vision de Paris. Où ? À la galerie Sparts, dans le 6ème arrondissement. Quand ? C’était du 1er au 4 juillet. Parmi les talents sélectionnés se trouvait Lucille Clerc, auteur d’un des dessins les plus relayés après l’attentat contre Charlie Hebdo. Comment distinguer les bons des mauvais Instartistes ? Qui juge de leur talent ?

Du like à l’arnaque

Instagram démocratise autant la pratique que la critique de la photo. L’essor des réseaux sociaux s’assortit de la culture du « like ». Tout le monde peut donner son avis, à tout à moment, au vu de tous. Un pouce vers le haut. Un pouce vers le bas (pollice verso, en latin), sur Facebook. C’est par ce geste que les empereurs ordonnaient la mise à mort d’un gladiateur vaincu. Un cœur, sur Instagram. Les symboles standardisent l’opinion. Oui. Non. On enchaîne. En ligne, la note est synonyme de cote. Plus un compte a d’abonnés, plus il a de chance, ainsi que la personne qui l’a crée, de devenir célèbre. De même, plus une photo reçoit de commentaires, de préférence positifs, plus elle circule sur la toile, avant d’être accrochée, comble du succès, telle une toile, dans une galerie. Si tous les abonnés – moi y compris – sont des artistes et des critiques de plus ou moins bas étage, Instagram devient un collectif, une communauté dont les membres sont susceptibles d’être plagiés.

En tant que support d’une expression qu’on est libre de qualifier d’artistique ou non, Instagram subit les mêmes dérives que les arts, qu’il s’agisse de la littérature, de la musique, ou de la peinture. En mai 2015, un certain Richard Prince a sélectionné 37 photos sur Instagram et opéré autant de captures d’écran afin de les revendre ensuite à la FRIEZE Art Fair de New York. L’un de ses “chefs-d’œuvre”, inspiré / emprunté à Doe Deere (@doedeere), a été vendu à non moins de 90 000 dollars. Une belle somme dont l’Instagrammeuse ne verra jamais la couleur. Vert. De rage. Celle-ci a d’ailleurs notifié à ses 328 000 followers qu’elle n’avait jamais donné son feu, vert (encore !), pour que Mr. Prince lui “vole” son cliché (le larcin n’en serait plus un avec son approbation). Ultime pied de nez : le cyber-faussaire a intitulé sa dernière exposition « Original ». En somme, Cet incident accuse un vide juridique à l’endroit des Instartistes. 

Cet article Instragram, support et/ou vitrine de l’art  ? est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

VOIR AUSSI : la galerie liée à cette vidéo

Cet article Le Louvre Abu Dhabi au Louvre de Paris est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.

VOIR AUSSI : la vidéo liée à cette galerie

l’expo idéale liée à cette galerie.

Cet article Louvre Abu Dhabi : un musée en gestation est apparu en premier sur MEs MOts d'expos.