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Parus en novembre, dans L’Éventail. 

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Paru dans The Art Newspaper, le 21 septembre 2016

Jean-Michel Othoniel’s Peony Knot (2015) is installed on Level 3 of the Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace (Image: MMFA, Denis Farley)It is already the largest museum complex in Quebec, but the Montreal Museum of Fine Arts (MMFA) is about to not only get bigger but also holistic, with the launch of its fifth pavilion in November. The museum’s director, Nathalie Bondil, recently took us on a tour of the light-filled but still largely empty Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace.

“This work fits in perfectly,” Bondil said, standing under Jean-Michel Othoniel’s mirrored glass sculpture Peony, The Knot of Shame (2013). “In China, peonies symbolise wellbeing.” This focus on visitors’ welfare is at the new structure. “The pavilion’s two lower levels will be devoted to education and community programmes, with a strong focus on art therapy,” Bondil explained. “It will be a place for families to find medical guidance; two doctors, including my own, will take turns. It will also serve as a place to learn and practise art.”

The Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace – International Art and Education (image: © Marc Cramer)

Art “brings peace to the soul”, Bondil said, which is how the pavilion got its name. “It also refers to Quebec being a refuge for so many people around the world, including Michal and Renata Hornstein themselves,” she explained. After they survived the Second World War by going into hiding, and found themselves in the same safe house in Bratislava, the Polish-Jewish couple immigrated to Montreal in 1951.

Michal joined the MMFA’s board of trustees in 1970. Over the years, the couple has donated 30 paintings and 330 drawings, including works by Willem van Aelst, Ferdinand Bol, Bartholomeus Breenbergh, Jan Brueghel the Elder, Pieter Claesz, Adriaen Isenbrandt, Jacob Van Ruisdael, Jan Steen, David Teniers the Younger, Willem Van de Velde the Younger and Philips Wouwermans. They also helped the museum to acquire many other works, with Michal serving as the chairman of the acquisitions committee from 1982.

In 2012, the couple donated 75 Old Master works valued at over $75m to the museum. “The government realised we needed a new pavilion to house it and granted us special funding,” Bondil said. “Quebec artists were then commissioned to make a peace-inspiring installation to complement the art already on display.” In addition to Othoniel’s suspended flower, six contemporary works will be displayed along side the Hornstein collection. “Although Patrick Beaulieu’s bird-filled installation won unanimously, I also wanted to involve the other competing artists in the building,” Bondil said.

The new pavilion is not the first to recognise the Hornsteins; they helped to pay for the restoration of the 1912 pavilion on Sherbrooke Street, which was named after them in 2000. “To avoid any confusion, we decided to add the title ‘For Peace’ in the name of our newest pavilion”, Bondil said.

Sadly, neither benefactor will attend the pavilion’s launch. Michal died in April this year, followed by Renata, three months later. “She was the one to encourage her husband to start an art collection,” Bondil said. “They will certainly be missed.”

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La foire d’art moderne et contemporain Art Chicago, devenue « Expo Chicago », a failli disparaître. La 5e édition de sa nouvelle formule ouvre sur le célèbre quai Navy Pier fin septembre.

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Paru dans le Journal des arts, le 29 juillet 2016

NEW DELHI (INDE) [29.07.2016] – Syed Haider Raza, l’un des pionniers de l’art contemporain indien, s’est éteint le 23 juillet, à l’âge de 94 ans.

Le temps a fait son œuvre : Syed Haider Raza n’est plus. D’après son ami le poète Ashok Vajpeyi, le peintre inspiré aurait rendu son dernier souffle aux alentours de 11h, samedi dernier, après avoir passé deux mois en soins intensifs dans un hôpital privé de New Delhi. Il rejoint ainsi sa femme, feue l’artiste française Janine Mongillat (1929-2002), qui n’est pas sans avoir renforcé ses liens, déjà puissants, avec l’Hexagone.

Né en 1922 dans le Madhya Pradesh, Etat du centre de l’Inde où il a demandé à être enterré, Syed Haider Raza étudie l’art et la poésie à Nagour (1939-1945) et Bombay (1945-1948), avant de rejoindre l’École des beaux-arts de Paris, en 1950. Sans bourse, le diplômé trentenaire économise afin d’acheter du matériel de qualité, plutôt que de refaire sa garde-robe. Sur les conseils d’Henri Cartier-Bresson, rencontré peu avant sa venue en France, il se penche sur les compositions de Cézanne, pour se tourner progressivement vers l’abstraction. Couronné du Prix de la critique en 1956, il se voit exposé, deux ans plus tard, à la galerie Lara Vincy, rue de Seine.

L’Inde reste malgré tout très présente dans son œuvre. Dans les années 1980, après un exil volontaire de près de soixante ans, Raza décide de renouer avec ses racines. Un retour aux sources qui confirme son statut de pont entre divers continents, civilisations, voire religions. Son intérêt se porte alors sur le tantrisme, en tant que modèle d’unité. Calvaires bretons et temples hindouistes cohabitent en parfaite harmonie dans ses créations. Sa palette cézanienne embrasse et embrase des formes géométriques évoquant le « bindu », cette origine du monde que les Indiennes arborent souvent, sous forme de point rouge, sur leur front. Le pluralisme s’estompe sur la route qu’il emprunte et préconise vers le nirvana. Un et un ne font plus deux, mais un. L’artiste redécouvre le patrimoine culturel de son pays, la poésie, la musique et la danse indiennes…

Ces nouvelles pistes, il les creuse à distance, avant de rentrer définitivement au bercail, en 2010. Ses dernières années en France, Raza les partage entre son atelier parisien et sa résidence secondaire de Gorbio, village perché sur les hauteurs de Menton, auquel il cède un ensemble de toiles évalué à 10 millions d’euros, en 2008. Cette donation comporte, outre une partie de sa collection, des travaux personnels qui accusent, là encore, son biculturalisme.

Son œuvre des plus syncrétiques lui vaut maintes récompenses au fil des ans. Nommé commandeur de la Légion d’honneur en 2015, il doit également au gouvernement indien de prestigieuses distinctions telles que le Padma Shri (1981), le Padma Bhushan (2007) et le Padma Vibhusan (2013), qui témoignent de son influence croissante sur la scène artistique internationale.

Fer de lance du Progressive Artist Group, qu’il cofonde en 1948 contre le traditionalisme de l’École du Bengale, Sayed Haider Raza est devenu, en quelques années seulement, l’un des artistes indiens les plus connus et, par là même, cotés de sa génération. En 2005, La Terre, une huile datant de 1984, est achetée 196 418 euros par une galerie américaine chez Artcurial, à Paris. Une semaine plus tard, Le Village, un tableau de 1998 estimé 40 000 euros, secoue le Landerneau des ventes, en atteignant l’enchère la plus élevée (303 200 euros) chez Christie’s. L’année qui suit, à Drouot, deux de ses acryliques sur toile, Sans titre, 77 et La Terre, 71, sont adjugées pour respectivement 158 000 et 79 000 euros (prix d’origine : 45 000 et 35 000 euros). Puis, chez Christie’s, une toile de 1975 atteint la somme sommet de 744 000 euros. Enfin, 2010 bat tous les records : la collectionneuse Kiran Nadar débourse 2,3 millions de livres sterling, soit presque trois millions d’euros, pour une pièce de Raza.

Ainsi, grâce à ce génie de la plastique « fusion », l’art contemporain indien s’est progressivement ouvert au reste monde.

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Loin de fondre, la Tate Moderne de Londres a grossi, de 60 ki… 60 quoi ? 60 pour cent. Forte de cinq millions de visiteurs par an, cette ancienne centrale électrique, reconvertie il y a seize ans en un musée devenu l’un des plus fréquentés au monde, se déploie de toute son étendue dans le quartier de Bankside, au sud-est de la ville. Rendez-vous sur la « Mezzanine Eurostar » de la Gare du Nord, pour aller découvrir en exclusivité un bâtiment flambant neuf, trois jours avant son ouverture au public. Dans la salle d’attente réservée aux premières classes, un petit déjeuner attend les voyageurs. Les uns se ruent sur le buffet, tandis que les autres en profitent pour faire le plein de journaux. Le Monde, Le Point, Grazia, The International New York Times… Tout à coup, une voix suave, presque sensuelle, nous invite à embarquer.

Nous voilà mêlés à non moins de soixante journalistes, venus découvrir l’extension de la Tate Modern. Son nom, The Switch House (littéralement « la maison du commutateur »), augure une atmosphère tant chaleureuse que lumineuse. Intuition que confirme l’évocation de l’aile adjacente, The Boiler, à traduire par « la chaudière ». C’est encore Herzog & Meuron, ceux-là mêmes qui avaient contribué à la métamorphose de Bankside au début du troisième millénaire, qui s’est vu confier le projet. Ainsi, sous la supervision de ce prestigieux cabinet d’architectes, l’accrochage des collections permanentes publiques (70 000 œuvres) a pu être entièrement repensé.

À peine assis qu’une serviette chaude et un plateau repas se présentent à nous. Si ces services, propres à la Business Premier, n’ont pas changé, on ne saurait en dire autant de l’ensemble du train. De même que la Tate Modern, Eurostar a opté pour un relooking intégral. Sa nouvelle « flotte » compte 27 trains aux couleurs soi-disant audacieuses. Soi-disant, parce que la palette ambiante se limite au gris souris. À côté, la moquette, rouge à rayures noires, ressemble à un parterre de fantaisie. Chaque siège comporte, comme avant, une prise de courant, désormais surmontée par un port USB. Autres nouveautés : un miroir, une pochette de rangement, et une lampe de lecture individuelle. Avis aux géants : on ne dirait pas, mais les coussins, déjà surélevés, sont extensibles. Enfin Eurostar, qui avait de ce point de vue-là un train de retard – c’est le cas de le dire – sur le Thalys, s’est équipé d’une connexion WI-FI gratuite et illimitée.

Au-dessus de nos têtes, un écran d’informations indique l’état du trajet. Comme dans l’avion. Si le paysage ne défilait pas aussi vite à travers la fenêtre, sûrement nous serions-nous cru dans les airs. « Nous vous rappelons que ce nouveau train est équipé d’un système de détection de fumée ultrasensible. Il est strictement interdit de fumer, ne serait-ce qu’une cigarette électronique, dans les toilettes ». D’où le soulagement des nicotine addicts à l’arrivée. Pas question de prendre le métro. Trois-quatre stations séparent la gare St Pancras International de la Tate Modern. Prochain arrêt, Blackfriars. Tout le monde descend. Un panorama éblouissant se prête soudain à la lumière des flashs. À cette séance photo improvisée succède une arrivée remarquée au musée. Comme quoi l’instinct grégaire peut mener à bon port…

Le rez-de-chaussée grouille d’enthousiastes prêts à dédaigner café et biscuits pour explorer sans plus tarder les étages de la Switch House. Les deuxième et quatrième niveaux sentent le parquet fraîchement posé. Y sont respectivement exposés des plasticiens fusionnant art et architecture, puis une collection tournée vers l’international, conformément à la direction que souhaitent prendre les conservateurs de la Tate. « Art changes, we change ». Tel est le slogan de la conférence de presse qui débute à 11h précises. On le retrouve sur la façade en brique du musée, dont le relief évoque les mailles réconfortantes d’un tricot. Après Nicholas Serota, le directeur de la Tate Modern, le micro incombe au nouveau maire de Londres, Sadiq Khan, qui profite de ce grand jour pour rappeler la place nodale qu’occupait et occupe toujours la culture dans son programme politique. 

Cápsulas, Ricardo Basbaum, 2000

Cette présentation offre l’opportunité de relever quelques chiffres. Les collections permanentes regroupent près de 800 œuvres, réalisées par plus de 300 artistes, eux-mêmes issus d’une cinquantaine de pays différents. Le bâtiment en soi représente un investissement de 26 millions de livres sterling, soit environ 33 000 000 euros. Et Nicholas Serota de reprendre la parole pour adresser ses remerciements au gouvernement britannique, auquel la Tate doit 50 millions de livres (autour de 63 000 000 euros) ; aux fondations privées ayant fait preuve d’une profonde générosité, telle la Blavatnik Family Foundation ; ainsi qu’à de riches particuliers, dont certains ont préféré garder l’anonymat.

Il est grand temps de poursuivre la visite. Avant de remonter au quatrième, il convient d’explorer The Tanks. Ces anciens réservoirs en béton abritent des performances diverses et variées, celles d’Alexandra Pirici et de Manuel Pelmuş, par exemple. Ce sont les premiers espaces muséaux au monde exclusivement consacrés à l’art vivant. Roulements de tambour. Pas de fenêtre à l’horizon. Les néons au plafond revêtent la forme d’une échelle à qualifier de « secours ». Au secours ! En effet, on étouffe. Gage d’authenticité, les matériaux choisis, pour ne pas dire préservés, contribuent à cette atmosphère suffocante. Sur les parois bétonnées se détachent pourtant des œuvres colorées aux destins variés. Il n’est plus question d’histoire de l’art (art history), mais d’histoires de l’art (art stories). La narration gagne du terrain. Cette (r)évolution se ressent aussi bien dans les installations du troisième étage, où de vrais perroquets cohabitent avec des clichés engagés, que dans les films projetés à chaque étage, parmi lesquels une rencontre avec Ai Weiwei. Un de ses fameux arbres reconstitués (six mètres de haut) trône d’ailleurs au milieu de la Turbine Halll.

Lors des célébrations d’ouverture, la Tate ne fermera pas ses portes avant 22h ! Un événement qui s’accompagnent d’autres manifestations sponsorisées par Uniqlo. L’occasion de prolonger son séjour à Londres ?

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